THINK. DRAW. WIN.

“Ich zeichne, also denke ich”, schrieb Gerhard Matzig kürzlich in der Süddeutschen. “Brauchen wir überhaupt noch die Architekturskizze? Und wie”, so Matzig weiter. Das sieht RKW Architektur + genauso. Oft schränken die begrenzten Maße des Bildschirms den Entwurfsprozess ein, vielleicht verliert sogar in Zeiten von Digitalisierung und BIM das Skizzieren immer mehr an Bedeutung. Das darf nicht sein. Und daher loben RKW Architektur + – als Hommage an die große Leidenschaft ihres Bürogründers Helmut Rhode für das architektonische Entwerfen – bereits zum fünften Mal den studentischen Helmut-Rhode-Förderpreis aus. Ganz nach dem Motto “Zeichnet, aber zeichnet nicht ab! Zeichnet, um eure Entwürfe zu entwickeln!”

Egal ob grobe, unvollkommene Skizzen oder detaillierte, ausführende Zeichnungen – alles darf eingereicht werden. Einzige Voraussetzung: Die Zeichnung muss Teil des Entwurfsprozesses sein.

Der Preis ist mit insgesamt 5.000 Euro dotiert; verteilt auf einen ersten Preis und drei Anerkennungspreise. Zur Teilnahme sind Studierende der Architektur (In- und Ausland) herzlich eingeladen. Eine fachkundige Jury (u.a. mit Kristina Bacht, Verlagsleiterin AIT-Dialog und Kuratorin der AIT-ArchitekturSalons, Prof. Eva-Maria Pape, Prodekanin, Fakultät für Architektur, Technische Hochschule Köln und Horst Brinkmann, Geschäftsführer, Stabilo) bewertet die bis zum 9. Oktober 2020 eingereichten Arbeiten.

Jurysitzung, Preisverleihung und die begleitende Ausstellung findet in diesem Jahr wieder in den Räumlichkeiten von RKW Architektur + statt. Informationen über die Form der geplanten Ausstellung aller Arbeiten werden im Herbst 2020 auf veröffentlicht.

Einzureichende Unterlagen:
maximal 5 Handzeichnungen, die Wahl der Technik und des Motivs sind freigestellt – maximale Größe DIN A2, Original (keine Kopien)
Erläuterungstext – max. 1000 Zeichen ohne Leerzeilen
Kurzvita mit Kontaktdaten
einzureichen in einer Mappe – Kennzeichnung: Rhode-Förderpreis

Termine:
Einsendung der Unterlagen bis zum 9. Oktober 2020
Bekanntgabe der Preisträger 23. Oktober 2020
Ausstellung vom 12.–27. Oktober 2020

Die vollständigen Unterlagen gehen an:
RKW Architektur +
Rhode Kellermann Wawrowsky GmbH
z.H. PR/Marketing-Abteilung
Tersteegenstraße 30
40474 Düsseldorf

Bei Rückfragen wenden Sie sich bitte an:

Fon: +49 (0)211 4367–0
E-Mail: rhode-foerderpreis@rkwmail.de

Weitere Informationen unter: https://rkw.plus/de/helmut-rhode-foerderpreis

Hier finden Sie den Download der Auslobungsunterlagen.

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Mit dem „Interior Scholarship“ erhalten auch im Jahr 2020/2021 bis zu vier begabte Studierende der Innenarchitektur ein Jahr lang monatlich bis zu 1.000 Euro (Fördersumme gesamt: rund 24.000 Euro) zur Förderung ihrer akademischen Ausbildung. Möglich gemacht wird diese europaweite Initiative durch die finanzielle Unterstützung der Sto-Stiftung. Interessierte Studierende ab dem 4. Fachsemester, die in einer Hochschule in Europa immatrikuliert sind, können ihre Bewerbung bis zum 19. Juni 2020 einreichen.

Das Studium der Innenarchitektur oder vergleichbarer Studiengänge erfordern sehr viel Zeit und bringen einiges an Kosten mit sich. Oft ist es kaum möglich das benötigte Geld nebenher zu verdienen und so können sich die Studierenden nur selten mit ihrer ganzen Aufmerksamkeit und Energie ihrem Studium widmen. Das Stipendium möchte hier Freiräume schaffen und die Studierenden wirtschaftlich entlasten.

Für die Sto-Stiftung ist es eine wichtige Aufgabe, mithilfe finanzieller Mittel in die Ausbildung der jungen Generation und damit in die Zukunft unserer Gesellschaft zu investieren. Besonders das große Talent und vorbildliche Engagement der Studierenden möchte die Stiftung gemeinsam mit der Fachzeitschrift AIT unterstützen, um namhafte und experimentierfreudige Innenarchitekten hervor zu bringen und den Fortschrift und die Vielfalt der Innenarchitektur zu sichern.

Bewerbungsvoraussetzungen

Für das „Interior Scholarship“ 2020/2021 können sich alle Studierenden der Innenarchitektur, sowie verwandter Studiengänge wie Szenografie, Spatial Design und Raumstrategien bewerben, die an einer europäischen Hochschule eingeschrieben sind und mindestens im 4. Semester studieren. Bewerberinnen und Bewerber müssen mindestens bis Juni 2021 an einer Hochschule immatrikuliert sein, um eine Förderung zu erhalten. Die Anzahl der zu fördernden Stipendiaten ist abhängig von Anzahl und Qualität der Bewerbungen und obliegt dem Juryentscheid. Bei zwei Stipendiaten ist eine Fördersumme von 1.000 Euro monatlich, bei drei Stipendiaten 670 Euro monatlich und bei vier Stipendiaten 500 Euro monatlich zu vergeben.

Auslobungsgebiet
Europa

Termine
Auslobungsphase: 1. März 2000 – 19. Juni 2020
Bewerbungsschluss: 19. Juni 2020
Die Jurysitzung findet am 31. Juli 2020 statt.
Die Förderung erfolgt zwischen Juli 2020 und Juni 2021.

Alle weiteren Informationen finden Sie unter www.ait-architektursalon.de/stipendium oder unter stipendium@ait-architektursalon.de

Interior Scholarship 2017 – Das AIT Stipendium der STO-Stiftung

Interview mit den Stipendiaten
Bastian, Nina und Naomi
Mit dem Stipendium von AIT und der Sto-Stiftung werden Studierende der Innenarchitektur für ihre kreativen Ideen und Denkweisen ausgezeichnet. Interview mit Uwe Koos, Vorsitzender des Vorstandes der Sto-Stiftung und Kristina Bacht, Verlagsleiterin AIT-Dialog/GKT mit den Stipendiaten Nina Kaul (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle), Naomi Rossignol (KABK – Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten, Den Haag, NL) und Bastian Feltgen (KADK – Det Kongelige Danske Kunstakademis Skoler for Arkitektur, Design og Konservering, Kopenhagen).

Nina, wieso hast Du Dich für ein Innenarchitekturstudium an der Burg Giebichenstein entschieden?
Wobei hilft Dir das Interior Scholarship und welche Pläne hast Du für die Zukunft?

Wer direkt vom Abitur in die Hochschule kommt, trifft dort auf eine ganz andere Welt – in der man erst mal einiges verlernen muss, was man in der Schule gelernt hat. Es ist ein sehr selbstständiges Studium mit vielen Freiheiten und Möglichkeiten. Das Innenarchitekturstudium verbindet viele Bereiche, die mich interessieren. So muss ich mich nicht für eine einzelne Richtung im Design entscheiden, sondern kann die Themenbereiche in meine Konzepte einbringen, mit denen ich mich gerne beschäftigen möchte. Ich arbeite gerne visuell und das Ergebnis am Ende real vor mir zu haben, ist letztendlich die Motivation die mich antreibt. Wir arbeiten an unserer Hochschule sehr praktisch und ich habe im Grundstudium sehr viele Fähigkeiten erlernt, die mir in meinen Projekten viele neue Gestaltungsmöglichkeiten geben: in Malerei, Zeichnen, plastischem Gestalten, Typografie und Farbe, Licht, Raum.

Am wichtigsten ist allerdings „nach rechts und links zu schauen“; das Gespräch mit den Kommilitonen ist eine große Bereicherung. Auf unserem Campus werden viele unterschiedliche Designrichtungen angeboten und da die Grenzen dazwischen fließend sind, haben wir einen ständigen kreativen Input aus den Bereichen Mode-, Multimedia- und Industriedesign.

Das Stipendium der Sto-Stiftung bringt eine finanzielle Unabhängigkeit, die einem vieles ermöglicht. Als Student überlegt man sich oft, ob sich eine Ausstellung oder ein Städtetrip lohnt, ob man sich bestimmtes Werkzeug oder Material wirklich anzuschaffen braucht. Mit dem Stipendium finanziere ich mein Praktikum in Indien. Außerdem bietet es die Möglichkeit, sich selbst und seine Arbeit öffentlich vorzustellen. Wenn eine Jury das eigene Portfolio auswählt, erfährt man Wertschätzung. Außerdem ist die beratende Unterstützung, die wir von dem AIT-Salon und der Sto-Stiftung erhalten und deren Netzwerk für uns von großem Wert.

Als erstes möchte ich mein Masterstudium abschließen. Ich kann mir vorstellen später vielseitige Projekte abseits der klassischen Innenarchitektur zu bearbeiten und finde die Verbindung von Architektur mit Mode und Kunstinstallationen sehr interessant, zum Beispiel in Showrooms, Ausstellungen, Messen und Fashionshows. Anfang November werde ich nach Ahmedabad in Indien fliegen, dort für fünf Monate bei Blocher Partners arbeiten und zwischendurch ein bisschen das Land erkunden.

Naomi, was gefällt Dir an Deinem Studium der Innenarchitektur und Raumgestaltung an der KABK und was bedeutet es für Dich? Welche Möglichkeiten bietet ein Stipendium generell und für Dich im Besonderen?

Ich mag das ungemein vielfältige Studienprogramm, das es uns erlaubt mit Fotografie, Grafikdesign sowie Keramik, Holz, Metall und Mode zu experimentieren. Die Bedeutung des Innenarchitekturstudiums ist für mich, ein Auge und eine Sensibilität für Räume zu entwickeln; eine Umgebung zu verstehen, ihre Natur und ihren Einfluss auf die Umwelt und die Menschen. Herauszufinden, was dich fasziniert und hinein zu tauchen. Es geht darum, Beobachtungen, Analysen, Experimente und Dialoge im Vorfeld zu kombinieren, um einen guten Entwurfsvorschlag liefern zu können.

Ich möchte Innenarchitektin und Landschaftsgestalterin sein, weil ich von den Räumen und der natürlichen Umgebung begeistert bin. Zudem würde ich gerne selbstständig, oder gemeinsam mit Familienmitgliedern, im Bereich Design und Architektur arbeiten.

Das Stipendium nutze ich meistens für meine Arbeit, um Materialien, neue Bücher zu kaufen, zu reisen, Messen und Ausstellungen zu besuchen. Aber auch um Risiken einzugehen und mehr zu wagen, wie beispielsweise mich außerhalb der Schule an verschiedenen Projekten oder Kooperationen zu beteiligen. Es gibt mir die Gelegenheit, neue Leute zu treffen und meine Arbeit durch das AIT-Magazin sowie die ArchitekturSalons einem breiteren Publikum zu präsentieren. Ich glaube, dass das Stipendium der Sto-Stiftung generell mehr Stabilität und ein gewisses Selbstvertrauen gibt, um in die Berufswelt zu starten.

Bastian, was fasziniert Dich an Deinem Studium an der KADK in Kopenhagen besonders? Wie geht es bei Dir in nächster Zeit weiter und wofür wirst Du das Stipendium nutzen?

Der Schwerpunkt des Spatial Design ist vor allem der Mensch an sich und seine Wahrnehmung von Raum. Ausgangspunkt aller Projekte ist dabei der Innenraum. Das Interessensgebiet des Instituts zwischen Architektur und Design ist eine Schnittstelle, die mich begeistert. Das Verständnis von Form, Materialien und deren Fügung kombiniert mit den räumlichen, konstruktiven und sozialen Aspekten der Architektur, birgt großes Potenzial von dem sowohl Designer als auch Architekten profitieren können.

Ich habe das Gefühl, dass wir uns heutzutage kaum noch im Klaren darüber sind, was Raum, Licht und Form alles bewirken können – oder haben Probleme dies im größeren Kontext umzusetzen. Das Schaffen dieser räumlichen Qualitäten, die unvoreingenommen von heutigen Konventionen entworfen werden, möchte ich während des Studiums weiter verfolgen.

Ich komme aus der Architektur, habe die letzten Jahre in Architekturbüros gearbeitet und werde mich durch das Studium sicher etwas von der konventionellen Architektur verabschieden. Nach vielen Einführungsveranstaltungen und kleineren Entwürfen in Gruppen freue ich mich, dass es demnächst losgeht. Wir haben angefangen uns zeichnerisch sowie theoretisch mit potenziellen, projektbezogenen Gebieten auseinanderzusetzen und werden dies die nächsten Wochen vertiefen.

Kopenhagen ist eine teure Stadt, dementsprechend wird das Stipendium größtenteils meine Lebenskosten tragen. Deshalb gilt mein ganz besonderer Dank der Sto-Stiftung. Es gibt mir zum einen die Möglichkeit, mich voll und ganz auf das Studium zu konzentrieren ohne dass ich mir Gedanken über die Finanzierung machen muss. Zum anderen eröffnet es einen interessanten Austausch zwischen den Stipendiaten und den Verantwortlichen, eine Plattform um seine Arbeiten und Ansichten zu teilen und zu diskutieren.

Aufgewachsen ist Janna Radlow an einem Ort, an dem andere ihren Urlaub verbringen: auf der Nordseeinsel Juist. Diese hat sie verlassen, um in Hannover ihren Bachelor-Abschluss in Innenarchitektur zu absolvieren. Mittlerweile lebt Janna Radlow in Halle an der Saale, studiert an der Kunsthochschule Burg Giebichstein und gehört zu den vier Stipendiatinnen des Interior Scholarships – das AIT-Stipendium der Sto-Stiftung. Intensiv hat sie sich bisher mit Raumkonzepten beschäftigt und so gelernt, besondere Atmosphären zu erzeugen und mittels Gestaltung Geschichten zu erzählen.

Während eines Auslandssemesters in Estland kam sie erstmals mit dem Möbeldesign in Berührung – ein Bereich, den sie an der Kunsthochschule weiter vertiefen konnte. Das Stipendium will Janna Radlow auch dazu nutzen, etwas mehr Zeit zu gewinnen: „Durch die Unterstützung kann ich noch ein halbes Jahr länger studieren und mich noch mehr ausprobieren.“ Sie würde gerne in einem handwerklichen Betrieb hospitieren, um ihre Fähigkeiten weiter auszubauen und „ein besseres Auge für eine detailliertere Möbelkonstruktion zu bekommen.“ Andere Bereiche, die sie faszinieren: das Leben auf engstem Raum und abgeschiedene Orte, die weit ab von den hektischen Metropolen existieren.

Interior Scholarship 2017 – Das AIT Stipendium der STO-Stiftung

Interview mit den Stipendiaten
Michael, Christopher, Annika und Mona

Mit dem Stipendium der AIT und der Sto-Stiftung werden Innenarchitektur-studenten für ihre Ideen und kreativen Denkweisen ausgezeichnet.

Das mit insgesamt 24.000 Euro dotierte Interior Scholarship erhalten im Studienjahr 2016/2017 Michael Fehringer (New Design University, St. Pölten), Christopher Hansen (KHIO Kunst Hogscolen, Oslo), Annika Rauter (Akademie der Bildenden Künste, München) und Mona Schaffer (Burg Giebichenstein Kunsthochschule, Halle).

Uwe Koos, Vorsitzender des Stiftungsvorstands der Sto-Stiftung, sprach mit den Vieren bei ihrer Ausstellung im Kölner AIT-ArchitekturSalon.

Annika, was begeistert dich an deinem Studium besonders? Was hast du dir durch das Interior Scholarship ermöglicht und wie geht es für dich weiter?

Annika: Obwohl sie es nicht getan hat, wollte meine Mutter immer Architektur studieren und hat mir ihr großes Interesse dafür schon in Kindertagen vermittelt.

Das Studium der Innenarchitektur an der Akademie der Bildenden Künste in München ist breit gefächert. Es gibt dort kleine Klassen, aber dennoch oder gerade deswegen viel Freiheit. Das Studium ist sehr vielseitig. Jeder kann sich in die Richtung weiterbilden, die ihm am meisten liegt und so seinen eigenen Weg finden.

Auf das Stipendium der Sto-Stiftung wurden wir über verschiedene Kanäle der Akademie aufmerksam gemacht. Ich habe es insbesondere für architektonische Exkursionen nach Norwegen und Kuba genutzt. Reisen kann man sich neben dem Studium kaum leisten. Für mich allerdings ist es der beste Weg, um sich Inspiration für seine Arbeit zu holen. Deshalb würde ich das Stipendium allen empfehlen, die sich eine Zeit lang ausschließlich auf das Studium und neue Erfahrungen konzentrieren möchten.

Nach meinem Bachelorabschluss möchte ich noch ein Masterstudium absolvieren und anschließend ganz klassisch als Architektin arbeiten und erst mal Berufserfahrung sammeln, um irgendwann sehr gerne auch selbständig zu arbeiten. Ich weiß, was mich erwartet, denn ich habe bereits in den Arbeitsalltag einiger Büros schauen dürfen, sodass mich die Realität am Ende nicht enttäuschen kann.

Christopher, wie gestaltet sich dein Studium in Oslo und was planst du nach deinem Master?

Christopher: Das Studium an der Oslo Academy of the Arts ist sehr interdisziplinär angelegt. Es bewegt sich zwischen Grafik, Kunst, Fotografie, Innenarchitektur, Architektur und Landschaft. Momentan verändert es sich in Richtung „object and space“. Es stellt die perfekte Schnittstelle zwischen Kunst und Bedeutung dar.

Das Befassen mit dem Raum lässt mich Dinge erfahren, erkunden und erleben. Es ist wunderbar, denn Architektur geht uns alle an und berührt jeden.

Die Lebenshaltungskosten in Oslo sind jedoch so hoch, dass man neben seinem Studium arbeiten muss. Andere Studierende meines Semesters müssen sich der Schwierigkeit stellen, zwischen den wirtschaftlichen Verpflichtungen und der Intensität, mit der sie das Studium bestreiten können, zu jonglieren.

Das Interior Scholarship nimmt mir diesen Druck und ich erhalte Freiräume, die mir die Möglichkeit geben, tiefer in Themen einzutauchen und Dinge auszuprobieren. Außerdem kann ich mich auf meine Masterarbeit fokussieren, nach der ich mich gerne wissenschaftlich engagieren und einen PHD machen möchte. Auch ein Master in Landschaftsarchitektur interessiert mich.

Später würde ich am liebsten nach Japan gehen und für junya.ishigami+associates arbeiten. Langfristig hätte ich gerne ein eigenes Büro, aber eher wie ein „HUB“ mit einem Team von Leuten, die sich mit verschiedenen Themen beschäftigen.

Michael, was hat dich zu deinem Innenarchitekturstudium an einer privaten Universität geführt und wie sehen deine weiteren Pläne aus?

Michael: Während meiner Lehrzeit an der Höheren Technischen Lehranstalt habe ich aufgrund der Spezialisierung auf die Holztechnik parallel meine Gesellenprüfung abgelegt. Meine Eltern haben eine kleine Tischlerei, sodass ich schon mit dem Handwerk und dem Werkstoff Holz aufgewachsen bin. Mich hat aber immer eher die zeichnende und planende Tätigkeit interessiert.

Die News Design University in St. Pölten ist die einzige Universität in Österreich, die das Fach Innenarchitektur anbietet. Nicht zuletzt deshalb ist es für mich sehr wichtig, an dieser Privatuniversität studieren zu können.

Dies allerdings bringt hohe Kosten mit sich und durch den privaten Status der Hochschule kann ich zudem kaum Zuschüsse beantragen. Das Stipendium entlastet mich sehr und ermöglicht es mir, mich voll auf mein Studium zu konzentrieren sowie den Fokus intensiv auf meine Projekte zu setzen.

Ich glaube, dass ich den richtigen Weg eingeschlagen habe. Der Bereich ist so vielseitig, dass mir nach meinem Abschluss zahlreiche Möglichkeiten offen stehen. Auf jeden Fall möchte ich einen Master machen und in der Innenarchitektur bleiben. Ich würde nach meinem Studium gerne als Innenarchitekt bei Peter Zumthor oder Chris Precht (Penda) arbeiten.

Mona, was bedeutet das Innenarchitekturstudium für dich und welche Erfahrungen hast du während deines Auslandsaufenthalts ins Kuba machen können? Wie sehen deine Pläne nach deiner Rückkehr aus?

Mona: Die Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle ist für mich nicht nur Studienort, sondern auch mein zweites Zuhause. Kleine Gruppen ermöglichen ein intensiveres Arbeiten. Zudem ist die Verknüpfung der Innenarchitektur mit einer Vielzahl von künstlerischen Grundlagen etwas Besonderes. Wir können allerhand Workshops und weiterführende Kurse wahrnehmen, die uns nicht nur zu einem Innenarchitekten, sondern zu einem umfassenden Gestalter, mit eigener Handschrift,eigenen Visionen und eigenen Ideen ausbilden. Für mich ist das eine große Bereicherung und nicht selbstverständlich.

Das Interior Scholarship hat mir meine beiden Auslandssemester in Kuba ermöglicht. Dort beschäftige ich mich mit dem Thema „Raum“ in all seinen Facetten. Ich war auf der Suche nach Methoden und Ansätzen, um meine Vision vom Schaffen emotionaler Raumatmosphären zu verwirklichen. Meine umfassende Ausbildung der letzten Jahre hilft mir dabei, freie Gedanken und Ideen, die nicht zuletzt durch dieses wunderliche Land, seine Leute und deren Geschichten entstehen, in konkrete Konzepte umzusetzen und diese wiederum mit Materialien und Konstruktionen begründen zu können.

Ich habe gelernt, dass ich mich später in sehr vielen gestalterischen Berufen ausleben kann und mir ziemlich viele Tore offen stehen, die ich mir zum Teil selbst geschaffen habe. Außerdem kann ich meine Arbeit selbst definieren, was ich sehr wichtig finde.

Nach meiner Rückkehr aus Kuba werde ich meinen Bacherlorabschluss machen und anschließend ein längeres Praktikum in einem Architekturbüro absolvieren. Später sehe ich mich in kleineren Arbeitsstrukturen, könnte mir aber auch sehr gut vorstellen selbstständig zu arbeiten und einen Teil meiner Zeit der Innenarchitektur zu widmen, den andern Teil frei künstlerisch zu arbeiten. Auf jeden Fall aber möchte ich immer wieder die Möglichkeit zu längeren Auslandsaufenthalten haben, da man dadurch seinen Horizont erweitern und mehr lernt und findet, als man es oft in seinen gewohnten Strukturen vermag.

Alfiia Koneeva ist eine der vier Stipendiatinnen, die in diesem Jahr vom Interior Scholarship, dem AIT-Stipendium der Sto-Stiftung, profitieren. 2014 wurde sie an die Stieglitz Akademie für Kunst und Design in Sankt Petersburg aufgenommen. Hier lernte Alfiia Koneeva die Grundlagen der Innenarchitektur kennen. Besonders überzeugte ihre Bearbeitung der Stegreif­aufgabe „Zwischenraum“: Alfiia Koneeva entschied sich bewusst für organische Formen, indem sie „strikt durchgehende Linien“ und „starre Architekturele­mente“ vermied: „Durch die unregelmäßige Anordnung der Gestaltungselemente entsteht eine besondere Landschaft, die uns an Berge, Bäume oder Dornen erinnert. (…) Das gebogene Wegemuster und die flauschigen Oberflächen bieten den anwesenden Betrachtern die Möglichkeit, sich natürlich und ruhiger zu bewegen.“ Ein Platz, der im öffentlichen Raum als Entspannungs- und Rückzugsort gesehen werden kann.

Zum vierten Mal wurde der „TILE AWARD“ vom Architekturkeramikspezialisten AGROB BUCHTAL in Zusammenarbeit mit AIT- Dialog ausgelobt. Junge internationale Entwerfer aus der Architektur und Innenarchitektur unter 38 Jahren waren aufgerufen, kreative Ideen zum Material Keramikfliese zu entwickeln.

Aufgabe des Wettbewerbs war es, zum Thema „Farbe und Patterns in der Architektur“ einen Raum innovativ und kreativ durch die Verwendung von Fliesen neu zu gestalten und somit die vielfältigen Einsatzmöglichkeiten des Materials aufzuzeigen. Die Teilnehmer konnten in den drei vorgegebenen Kategorien HELP/CARE, SHOP/SHOW und MOBILE/TRANSIT jeweils einen Entwurf einreichen.

Die Mitglieder der internationalen Fachjury Brendan MacFarlane (Jakob + MacFarlane, FR-Paris), Johan Oscarson (Elding Oscarson, SE-Stockholm), Michael Stoz (Partner AG, DE-Offenburg), Boštjan Vuga (SADAR+VUGA d.o.o., SI-Ljubljana) und Christian Waldner (AllesWirdGut Architektur ZT GmbH, AT-Wien/DE-München) wählten aus 63 Einreichungen aus 20 Ländern die neun besten Entwürfe des „TILE AWARD 2017“ aus.

„Die Projekte variierten in ihren Ideen und sprühten vor Kreativität. Aber für uns waren die klaren Sieger jene Projekte, die eine kulturelle Idee beinhalteten“, betonte der Juryvorsitzende Brendan MacFarlane. Die Jury begeisterte sich für Projekte, in denen ein charakteristischer Ort präsentiert wurde, der Atmosphäre ausstrahlt – Projekte, bei denen die innovative Verwendung der keramischen Elemente und deren technische Fähigkeiten zum Tragen kommen. „Diese Art von Wettbewerb bietet den jungen Kreativen eine großartige Gelegenheit, direkt mit der Bauindustrie zu interagieren, indem sie Ideen aus der eigenen Welt, in der sie arbeiten und entwerfen, mit Partnern teilen“, so MacFarlane. Die neun Gewinner der ersten Wettbewerbsphase aus Deutschland, Indien, Polen, Portugal, Russland und den Vereinigten Arabischen Emiraten werden mit Experten von Agrob Buchtal und AIT-Dialog vom 3. bis 8. September 2017 nach Island reisen.

Während eines fünftägigen Workshops in der traumhaften Kulisse der faszinierenden isländischen Landschaft überarbeiten die jungen Gestalter ihre Entwürfe in intensivem Austausch mit ihren Kollegen und Kolleginnen. In einer zweiten Jurysitzung am 10. November wird entschieden, welche Entwürfe in einem 1:1-Modell gebaut und anschließend in einer umfassenden Architekturpublikation veröffentlicht werden.

Hier geht es zu den preisgekrönten Projekten der einzelnen Kategorien:

PREISTRÄGER

„Die analytische Herangehensweise, die Karolin Kulls Arbeit zugrunde liegt, lässt ihre Entwürfe am Ende gleichermaßen abstrakt und konkret erscheinen“, befand die Jury im August in ihrem Urteil über die Arbeiten von Karolin Kull. Dabei setze sie stets den Maßstab in Bezug zum Menschen. Außerdem attestierten die Juroren ihr eine „durchgängig klare Handschrift“ sowie einen „poetischen Minimalismus“. Karolin Kull studiert Innenarchitektur an der Estnischen Kunstakademie und ist eine der vier diesjährigen Stipendiatinnen des Interior Scholarship. Aufgewachsen in der kleinen estnischen Stadt Tartu studiert sie im Augenblick im Rahmen eines Studienaustauschprogramms an der US-amerikanischen Rhode Island School of Design.

Innenarchitektur bedeutet für Karolin Kull die Herausforderung, anderen die bestmögliche Wohn- oder Arbeitsumgebung zu schaffen. Gerade in ihrem Auslandssemester stellt das Stipendium für sie eine wertvolle Unterstützung dar. Es erlaubt ihr, sich voll und ganz auf ihr Studium zu konzentrieren und mit neuen Materialien zu experimentieren. Stipendien im Allgemeinen sind ihrer Meinung nach besonders wertvoll als Motivationsförderer – sie könnten aber auch letztlich dazu dienen, unser gewohntes Leben zu verändern.

Die Stipendiaten des Stipendiums der Sto-Stiftung stehen fest!

Am 30. Juni 2017 im Hamburger ArchitekturSalon

Das Interior Scholarship, das AIT-Stipendium der Sto-Stiftung, wird in diesem Jahr drei Mal vergeben. Während der Jurysitzung am 30. Juni 2017 überzeugte je ein Studierender der Royal Danish Academy of Fine Arts, School of Architecture, der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle und der Royal Academy of Arts, Den Haag. Mit einem monatlichen Zuschuss von jeweils 670 Euro zum Lebensunterhalt wird es den Studierenden ein Jahr lang ermöglicht, sich voll und ganz ihrem Studium widmen zu können.

In diesem Jahr sollten die Studierenden zum Thema „Die Lichtung – The Clearing, The Glade“ einen Raum entwerfen, der das Phänomen der Lichtung (im Wald) abstrahiert. Der Entwurf sollte den Übergang von dichten zu offenen, dunklen zu hellen und von schweren zu leichten Strukturen reflektieren.

Anhand einer Reihe von fünf bis zehn Visualisierungen, Modellfotos, Collagen etc. sollte dargestellt werden, wie das Offene der Lichtung einzig im Zusammenspiel mit der Dichte einer umgebenen Struktur erscheint. Zusätzlich wurde ein kurzer Text gefordert, der erklärt, wie dieser Doppelcharakter eines Innenraums in der Konzeption als Außenraum angelegt ist.
Nach einem Verfahren aus drei Runden und ausgiebiger Diskussion entschied sich die Jury einstimmig für die Gewinner, die vor allem durch eine eigene Haltung und kreative Denkweise herausstechen. Das zur Verfügung stehende Preisgeld von 24.120 Euro wurde auf drei Studierende aus Deutschland und den Niederlanden aufgeteilt, die sich nun über einen monatlichen Zuschuss von je 670 Euro freuen dürfen.

Finanziert werden die Stipendien von der Sto-Stiftung, die die „Ausbildung der jungen Generation […] als eine Investition in die Zukunft unserer Gesellschaft“ versteht und den Gewinnern ein Jahr lang ein sorgenfreies Studieren ermöglichen möchte. Aus diesem Grund unterstützt die Sto-Stiftung junge Menschen in ihrer akademischen Ausbildung. Als übergeordneten Zweck greift sie das Leitmotiv „Bewusst bauen“ der Sto SE & Co. KGaA auf und hat sich weltweite Technologieführerschaft in der Branche für eine menschliche und nachhaltige Gestaltung gebauter Lebensräume zum Ziel gesetzt.

„In diesem Jahr wurde das Interior Scholarship, das AIT-Stipendium der Sto-Stiftung, zum siebten Mal in Folge wieder aufgelegt. Auch dieses Mal hatte die Jury die ebenso schöne als auch verantwortungsvolle Aufgabe, aus der Fülle der eingereichten Bewerbungen drei Studierende auszuwählen, die für das Stipendium nach einstimmigem Votum am besten geeignet erschienen. Wie in den vergangenen Jahren auch eröffnet ein Verfahren wie dieses einen tiefen Einblick in die Lehre der verschiedenen Hochschulen, was für sich gesehen schon lohnenswert wäre, öffentlich ausgestellt zu werden. Bei aller Divergenz der Werkschaukonzepte zielt das Stipendium jedoch darauf, diejenigen Studierenden auszuzeichnen, die bereits im noch relativ jungen Stadium der möglichen Berufskarriere eine eigenständige Haltung erkennen lassen.
Haltung hat mit Handeln zu tun, wenn es darum geht, vordergründig einfach erscheinende Aufgabenstellungen komplex zu hinterfragen und überraschende Lösungen zu entwickeln – im besten Fall mit einer poetischen Aussage. Auch wenn es am Ende ‚nur‘ drei Studierende sind, die in den Genuss des Stipendiums kommen werden, so ist es der Jury ein Bedürfnis, allen nicht Berücksichtigten für ihre Teilnahme zu danken, denn die Qualität der allermeisten Bewerbungen war außerordentlich hoch.“
(Prof. Peter Cheret, Mitglied im Stiftungsrat der Sto-Stiftung und Cheret Bozic Architekten, Stuttgart)

Die StipendiatInnen des Interior Scholarship 2017

Bastian Feltgen
Spatial Design | The Royal Danish Academy of Fine Arts, School of Architecture

Juryurteil
Die gesamten Arbeiten von Bastian Feltgen überzeugen durch ihre durchgängige und kreative Qualität. Die deutlich erkennbare analytische Auseinandersetzung mit den jeweiligen, sehr unterschiedlichen Themen ist äußerst individuell, was zu einer spannungsvollen Umsetzung führt. Das Ergebnis jeder Arbeit konzentriert sich durch die Herleitung der Entwurfsarbeit auf das Wesentliche und lässt Überflüssiges entfallen. Zudem findet Bastian Feltgen einen sehr sensiblen Umgang mit den Aufgaben. Hierdurch erhält jede Arbeit ihre eigene Individualität und starke Aussagekraft, die sowohl im Räumlichen als auch im Konzeptionellen der Produktentwicklung liegt.

Nina Kaul
Innenarchitektur | Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle

Juryurteil
Sowohl der Stegreif als auch die Arbeiten von Nina Kaul bestechen durch Abstraktion, Romantik und Style. Licht, Materialität und Mode stehen in einem interessanten Verhältnis. Der konzeptionelle Ansatz ist vielversprechend, die Ausarbeitung besonders hervorzuheben. Insbesondere die Entwurfsarbeit der Küche überzeugte die Jury.
Die Lichtstruktur der Munitionsfabrik würde sicher polarisieren, schafft aber ein starkes Branding des Modezentrums. Großen Zuspruch in der gesamten Jury fand auch der Stuhl Moskito, endlich machen die lästigen Viecher etwas Sinnvolles!

Naomi Rossignol
Architecture, Graphic design, Photography, Theory, Morphology | Royal Academy of Arts, Den Haag

Juryurteil
Naomi Rossignol hat die Jury durch die inhaltliche und eigenständige Tiefe ihrer Arbeiten überzeugt.
In Ihrem Stegreif nimmt sie ein bestehendes und zur Zeit als Asylantenheim genutztes altes Gefängnis als Grundlage Ihrer Arbeit. Ein an sich politisch sehr beladenes Thema wird mit der Leichtigkeit einer Zeichnung gelöst. Diese abweisende Fassade löst sich durch einfache geometrische Motive auf. Es entstehen neue Innen- und Außenbezüge, neue Ein und Ausblicke. Dieser spielerische Umgang mit Licht und Schatten, Dichte und Weite, Außen und Innen ist eine sehr eigenwillige Interpretation des gestellten Themas “Die Lichtung”. Es ist keine beliebige Abstraktion einer Lichtung eines Waldes, sondern die Lichtung oder Auflösung einer abweisenden geschlossenen Fassade, im Sinne von Klärung des Dunkels.
Ganz besonders hat die Arbeit „Route Along 18 Dancing Threads“ überzeugt. Naomi Rossignol ist Tänzern und es gelingt ihr, einen Raum allein durch eine tänzerische Einlage zu prägen. Einfache Kabelstränge eines bestehenden Raums inspirierten sie zu ihrer Arbeit. Gerade dieser wache Moment auf ihre Umgebung und das daraus resultierende Ergebnis hebt die Eigenständigkeit der Arbeit hervor.
Es ist die Auseinandersetzung mit dem täglichen Umfeld, die Auseinandersetzung mit den Themen, von denen wir uns wünschen, dass hierüber gerade junge Studenten, die Entwerfenden von morgen, ihren eigenen Ausdruck entwickeln können.

Die Juroren 2017

Prof. Peter Cheret
Im Anschluss an sein Architekturstudium an der FH Konstanz und der Universität Stuttgart arbeitete Peter Cheret zunächst als freier Architekt, bevor er 1988 das Büro Cheret und Englert gründete. 1993 folgte die Bürogründung von Cheret Bozic Architekten. Seiner Lehrtätigkeit im Fach Einführen in das Entwerfen an der Universität Stuttgart und der Professurvertretung an der FH Trier folgte 1995 der Ruf als Professor an die Universität Stuttgart am Institut für Baukonstruktion und Entwerfen. Zudem ist er im Stiftungsrat Architektur der Sto-Stiftung.

Jessica Borchardt
Nach ihrer Ausbildung zur Tischlergesellin studierte Jessica Borchardt Architektur an der TU-Braunschweig. Während dieser Zeit ging sie für einen halbjährigen Studienaufenthalt in die USA und unterstützte Prof. Meinhardt von Gerkan am Institut für Baugestaltung. Ausgezeichnet wurde sie außerdem mit dem DAAD Stipendium und dem Lavespreis Stipendium. Nach vierjähriger Mitarbeit im Büro gmp von Gerkan, Marg und Partner gründete sie 2005 ihr eigenes Büro Borchardt Architektur, 2007 folgte zusammen mit Simone Nentwig das Büro BN Architekten mit Sitz in Hamburg.

Christine Pille
Nach ihrem Innenarchitekturstudium an der Hochschule Ostwestfalen-Lippe arbeitete Christine Pille zunächst bei Tahmassebi Design, dem Architekturbüro HOK und AMS Interior Design in Berlin, bevor sie 2000 zu Cubik3 Innenarchitektur wechselte. Gemeinsam mit Rainer Götting, Jochen Hagen und Jens Schneider ist sie seit 2010 Mitinhaberin des in Hamburg ansässigen Büros.

Nik Schweiger
Im Anschluss an sein Studium der Innenarchitektur in Wiesbaden arbeitete Nik Schweiger bei Philippe Stark in Paris sowie Matteo Thun in Mailand und gründete 1992 zusammen mit den Kommunikationsdesignern Andreas und Stephan Lauhoff das Büro 3deluxe. 2005 fand das Gestaltungsprinzip Biorhythm-Modern- Recreation, das seinen Fokus auf Recreation, Design und Nachhaltigkeit hat, Einzug in das Unternehmen. Biorhythm realisiert Projekte auf der Grundlage einer ganzheitlichen Philosophie, die sowohl den realen und gedachten Raum als auch soziale Aspekte in eine Balance zwischen Sinnlichkeit und Intellekt bringt. In den folgenden Jahren engagierte er sich auch im wissenschaftlichen Bereich und hielt mehrere Vorträge. Zusammen mit seinem Bruder Til Schweiger gründete er 2014 Barefoot Design. In ihrer Innenarchitektur-und Designfirma verfolgen sie ein Konzept, das auf außergewöhnliche Atmosphären setzt.

Kristina Bacht
Während und nach ihrem Architektur- und Städtebau-Studium an der Technischen Universiteit Delft/Niederlande und der Universidad Tecnica Federico Santa Maria in Valparaiso/Chile arbeitete sie in verschiedenen international tätigen Architekturbüros in Deutschland, den USA und den Niederlanden wie Steidle&Partner in München und Architectenbureau Paul de Ruiter in Amsterdam. Seit 2005 ist Kristina Bacht bei AIT/GKT mit dem Arbeitsschwerpunkt Architekturkommunikation beschäftigt, wo sie 2009 die AIT-ArchitekturSalons mit Standorten in Hamburg, Köln und München entwickelte und aufbaute. Als leitende Kuratorin der Galerien organisiert sie Ausstellungen weltweit renommierter Architekten und ist verantwortlich für zahlreiche internationale Architekturkongresse und -symposien, Wettbewerbe, Workshops, Fokusgruppen sowie redaktionelle Veranstaltungen, Architekturmagazine und -publikationen. Von 2009-2013 war sie stellvertretende Verlagsleiterin, seit 2013 ist sie Verlagsleiterin der GKT.

Ehrengast:

Uwe Koos
Vorsitzender des Stiftungsvorstands

Das Interior Scholarship, das AIT-Stipendium der Sto-Stiftung, wurde in diesem Jahr zum neunten Mal vergeben. Die sechs Jurymitglieder kürten Lara Grandchamp zu einer der vier Stipendiatinnen. Lara Grandchamp stammt aus dem franzö­sisch-sprachigen Teil der Schweiz, lebt in Lausanne und studiert im Augenblick Szenografie an der Hochschule für Kunst und Gestaltung in Basel. Zuvor hat sie an der Universität für Kunst und Design in Genf ein Innenarchitekturstudium ab­geschlossen, an dem sie den ganzheitlichen Ansatz schätzte. Besonders interessiert sie das Thema kulturelles Erbe, das sich wie ein roter Faden durch ihre Arbeiten zieht.

Die Frage, was zur Vergangenheit gehört und was für die Zukunft Bestand hat, treibt sie um: „Ich würde diese dünne Linie gerne weiter thematisieren und an Projekten beteiligt sein, die diese Frage direkt angehen ­– möglicherweise auch in Form einer Doktorarbeit.“ Als Stu­dentin in der Schweiz ist selbstverständlich jede finanzielle Unterstützung äußerst wertvoll. Das Stipendium möchte Lara Grandchamp aber auch nutzen, um Materialien zu er­werben, die sie für Forschungen und Modellbau innerhalb ihres Masterstu­diums benötigt. Dazu plant sie einen Kurs zu belegen, um in Zukunft wieder fließend Deutsch sprechen zu können.

Das Interior Scholarship, das AIT-Stipendium der Sto-Stiftung, wurde in diesem Jahr zum siebten Mal vergeben. Die sechs Jurymitglieder kürten Naomi Rossignol aus Den Haag in den Niederlanden zu einer der drei Stipendiaten. Ihr Lebenslauf liest sich wie der einer Kosmopolitin. Ihre Kindheit hat sie zu einem großen Teil auf einem Schiff verbracht, in Hongkong, Patagonien, Amazonien und Thailand hat sie bereits gelebt. In Frankreich hat sie einen Abschluss in Choreographie erworben – was ihr Gespür für Raum und Bewegung gestärkt hat. Für sie war es eine Herzenssache, sich für die Gestaltung von Räumen zu entscheiden. Seit 2015 studiert sie an der Royal Academy of Arts in Den Haag Interior Architecture.

Voller Begeisterung für die Dynamik des Landes hat sie vielfältige inspirierende Orte und Themen entdeckt, mit denen es sich zu arbeiten lohnt: zum Beispiel im Projekt „A Grid for Movement“, das eine Interpretation des landschaftlichen Phänomens der Lichtung beinhaltet. In ihrem Entwurf wird das historische Gefängnis Biljmer Bajes in Amsterdam in eine Flüchtlingsunterkunft verwandelt. Das Stipendium kommt für sie genau im richtigen Moment, plant sie doch, ein Praxissemester in Amsterdam zu verbringen, das sie auch der Arbeit an der Beziehung zwischen Außen- und Innenraum widmen möchte.

In ihrer Arbeit „Body Expression for a Landform“ entwickelte Naomi Rossignol aus den Umrissen ihres Körpers eine Textur. „A Grid for Movement“, die Verwandlung einer Haftanstalt in eine Flüchtlingsunterkunft, ist ihre Interpretation der Stegreifaufgabe.

Nach seinem Bachelorstudium der Architektur und Stadtplanung an der Universität Stuttgart arbeitete Bastian Feltgen zwei Jahre in Architekturbüros in Deutschland und den USA. Besonders während seiner Zeit beim New Yorker Büro Young Projects setzte er sich intensiv mit Architekturtheorie und der Erfahrung von Raum und Material auseinander. In dieser Zeit entstand das Projekt Miradouro Sagres: Inspiriert von der portugiesischen Algarve und den höchst unterschiedlichen Perspektiven, die dieser Küstenstreifen
bietet, entstand in seinem Entwurf eine Betonform, die das vorherrschende vereinfacht, zusammenfügt und in einem kleineren Kontext skaliert wiedergibt.

Für die Stegreifaufgabe „Lichtung“ reduzierte er die Erscheinung des Waldes auf eine dreidimensionale Überlagerung von Elementen und identifizierte diese als regulierendes Element von Dunkelheit und Helligkeit im Wald. Im September begann er ein Master-Studium des Spatial Design an der Royal Danish Academy of Fine Arts in Kopenhagen. Die Förderung durch das Interior Scholarship, das AITStipendium der Sto-Stiftung, bedeutet für Bastian Feltgen eine „große Chance“, den
eingeschlagenen Weg weiter zu gehen: „Ich bin gespannt und freue mich auf die Möglichkeit, im Ausland weitere Erfahrungen zu sammeln.“

Neben Naomi Rossignol und Bastian Feltgen wurde Nina Kaul in diesem Jahr zur dritten Stipendiatin des Interior Scholarship, des AIT-Stipendiums der Sto-Stiftung, gekürt. Als Tochter eines Künstlers und einer Chemisch-Technischen Assistentin wuchs Nina Kaul in Braunschweig auf. Nach ihrem Abitur 2011 begann sie ihr Studium der Innenarchitektur an der Kunsthochschule Burg Giebichenstein/ Halle (Saale). Durch ihr Studium und verschiedene Praktika vor und während ihres Studiums konnte Nina Kaul ihre Fähig- und Fertigkeiten in zahlreichen unterschiedlichen Bereichen weiter ausbauen.

Die Stegreif-Aufgabe „Lichtung“ hat sie als Ausbleiben mehrerer Elemente in einer Verdichtung definiert. Dichte entsteht in ihrem Konzept durch die Anordnung von Kunststoffrohren, die sich wie zu einem Wald formieren. Durch die Auslassung von Rohren bilden sich Wege, die zu einer Lichtung führen. Das Licht, das durch die transluzente Decke einfällt, verstärkt diesen Effekt noch. Die begehbare Installation könnte Fußgängerzonen, Bahnhöfe oder Büros bereichern. Wie auch den anderen eingereichten Arbeiten attestierte die Fachjury Nina Kauls Stegreif „Abstraktion, Romantik und Style“: „Licht, Materialität und Mode stehen in einem interessanten Verhältnis.“

Sankt Petersburg

… ist eine Stadt mit schlechtem Wetter, reicher Architektur und reichem Kulturleben. Wenn man in Sankt Petersburg wohnt, weiß man das, und will man die Stadt besuchen, sollte man es auch wissen. Ohne Regenschirm wird es schwierig, die Stadt zu genießen. Trotz seines Alters (316 Jahre) bietet Sankt Petersburg eine Vielfalt von Architekturstilen, die im Kontext der russischen Geschichte und der Klima- und Wirtschaftsbedingungen einen besonderen Charakter angenommen haben. Hier sind ein paar Anmerkungen zu den Besonderheiten der Stadt.

Historisches Stadtzentrum
Das historische Stadtzentrum ist eine Mischung unterschiedlicher Epochen. Schlichte klassische Gebäude finden sich in der Nachbarschaft zur glänzenden Architektur des Art Nouveau. In näherer Umgebung finden sich Barock, Eklektizismus oder seltene Momente der modernen Architektur. Es gibt keine Monotonie, durch die Fülle von unterschiedlichen Stilen bleibt man immer aufmerksam. Und trotz dieser starken stilistischen Mischung entsteht eine visuelle Harmonie.

Sankt Petersburg – „das nordische Venedig“
Obwohl die Architektur von Sankt Petersburg teilweise unter dem Einfluss von italienischen Architekten entstanden ist und viele Kanäle hat, unterscheidet sich die Stadt ansonsten sehr von Venedig. Während Venedig mit seinen engen Straßen und kleinen Gassen beinahe fragil wirkt, hat Sankt Petersburg viele breite Straßen und große Plätze.

Metro
In der Metro von Sankt Petersburg findet man Beispiele der neoklassizistischen Architektur (Stalins Empire). Obwohl die Metro infrastrukturtechnisch keine Stärke von Sankt Petersburg ist, lohnt es dennoch, sie aus einem architektonischen Blickwinkel zu betrachten. Die Metro ist mit viel Pathos gebaut, und gleicht an manchen Stationen einem unterirdischen Palast.

Interior Scholarship 2019 – Das AIT Stipendium der Sto-Stiftung

Interview mit den Stipendiatinnen
Lara, Karolin, Janne und Alfiia

Mit dem Stipendium der AIT und der Sto-Stiftung werden Studierende der Innenarchitektur für ihre Ideen und kreativen Denkweisen ausgezeichnet.

Das mit insgesamt 24.000 Euro dotierte Interior Scholarship erhalten im Studienjahr 2019/2020 Lara Grandchamp (Hochschule für Gestaltung und Kunst, CH-Basel), Karolin Kull (Estonian Academy of Arts, EE-Tallinn), Alfiia Koneeva und Janna Theda Radlow (beide Burg Giebichenstein Kunsthochschule, DE-Halle).

Uwe Koos, Vorsitzender des Stiftungsvorstands der Sto-Stiftung, sprach mit den Vieren bei einem Treffen im AIT-ArchitekturSalon Hamburg am 23. August 2019.

Lara, was hat dich dazu inspiriert, Innenarchitektur zu studieren?

Lara Grandchamp: Ich bin fest davon überzeugt, dass Innenarchitektur nicht nur den Lebensstil verbessern kann, sondern auch eine ganze Gesellschaft mit ihrer biologischen Vielfalt. Ich bin ein begeisterter Befürworter des ganzheitlichen Ansatzes, den dieser Beruf vermittelt. Im Augenblick habe ich meinen Studienschwerpunkt auf die Erforschung jener sensiblen Verbindung gelegt, die den Menschen mit dem Raum verbindet: der Erzählung. Deshalb habe ich mich entschieden, einen Master-Abschluss in Szenografie anzustreben, weil ich denke, dass am Ende alles Szenografie ist.

Besonders interessiert mich zudem das Thema kulturelles Erbe, das fest mit der Innenarchitektur verknüpft ist. Ich möchte gerne eine Karriere verfolgen, in der ich mit Spezialisten arbeite, um gemeinsam wichtige Anregungen zu formulieren, die unseren Planeten und unsere Gesellschaft betreffen.

Innenarchitektur bedeutet für mich immer die unbedingte Nähe zu den Nutzern und eine allgemeine Nähe zu Details, die ich nicht zuletzt wegen meiner Leidenschaft für kleine Maßstäbe und präzise Arbeit besonders schätze. Wir leben in einer Welt, die vor entscheidenden demographischen und ökologischen Herausforderungen steht – eine perfekte Denkaufgabe für Innenarchitekten.

Karolin, wo findest du Inspiration und was bedeutet es für dich, Innenarchitektur zu studieren?

Karolin Kull: Inspiration finde ich in meiner Umgebung, in Geschichten, natürlichen Formen, Strukturen und Anomalien in der Natur, aber auch bei den Menschen, die ich hart arbeiten sehe. Während meines Studiums hatte ich bisher die Gelegenheit, mit vielen inspirierenden Persönlichkeiten zu arbeiten. Durch sie bin ich zu dem geworden, was ich bin. Die Menschen verbringen die längste Zeit ihres Lebens in Innenräumen, was die besondere Bedeutung von Innenarchitektur für unser Leben unterstreicht. Ich fühle mich herausgefordert, hierfür die bestmögliche Umgebung zu schaffen. Um jedem Einzelnen Sicherheit und Komfort zu bieten sowie Kreativität, Begeisterung und einen gesunden Lebensstil zu fördern – um Raum als zweite Haut und damit als Erweiterung der eigenen Persönlichkeit zu erleben. Dieser Ansatz kann auch dazu dienen, temporäre Räume zu schaffen.

Janna, was begeistert dich am Studium der Innenarchitektur und wo zieht es dich beruflich hin?

Janna Theda Radlow: Es macht mir Spaß, mich in eine bestimmte Zielgruppe hineinzudenken und dann mit den bestimmten Parametern den Raum zu analysieren, der gestaltet werden soll. Am meisten kann ich mich für das Bauen im Bestand begeistern – die nachhaltigste und kreativste Art, neue Räume zu schaffen. Von vornherein gibt es räumliche Grenzen, die beachtet werden müssen und die Kreativität herausfordern. Dafür braucht es keine neuen Architekturen. Für mich ist es viel spannender, mit der alten Substanz zu arbeiten.

Ein anderer Bereich, der mich fasziniert, ist das Leben auf engstem Raum und die Abgeschiedenheit von der hektischen, schnellen Welt. Ich kann voll und ganz darin versinken, Rückzugsorte zu entwerfen, die durch Material, Haptik und die Reduktion auf das Wesentliche zu ganz besonderen Räumen werden.

Ich möchte mich im Masterstudium noch intensiver mit dem Möbeldesign befassen, einem Gebiet, in das ich im Bachelorstudium kaum Einblick hatte. Dies bedeutet aber nicht, dass ich in Zukunft Möbeldesignerin werden möchte. Ich glaube jedoch, dass die Erfahrung im Möbelbau der Arbeit am Detail zugutekommt.

Alfiia, was schwebt dir für deine berufliche Zukunft vor und welche Möglichkeiten eröffnet dir das Stipendium?

Alfiia Koneeva: Die Innenarchitektur als Begriff hat keinen festen Rahmen für mich und schließt viele gestalterische Aspekte mit ein. Persönlich war ich schon immer vom szenischen Raum beindruckt, sowohl von der übertriebenen visuellen Ästhetik als auch von der Symbiose und den Kunstformen, die das Theater prägen. Beruflich würde ich mich gerne weiter als Bühnenbildnerin entwickeln und meine Kenntnisse über die experimentelle Raumgestaltung erweitern, um diese im späteren Berufsleben anzuwenden. Durch das Stipendium bekomme ich die Möglichkeit, mich voll und ganz auf mein Studium und meine Projekte zu konzentrieren. Außerdem habe ich dadurch mehr Zeit für die Vorbereitung auf das Masterstudium, ohne dabei über Finanzierungsprobleme nachdenken zu müssen. Des Weiteren eröffnen sich für mich damit neue Möglichkeiten, mich weiter im Berufsleben zu entwickeln. Ich möchte an verschiedenen Ausstellungen teilnehmen und freue mich über die Möglichkeit, im Magazin AIT-Dialog präsent zu sein.

Der gebürtige Hamburger Tim Lessmann startete seine berufliche Laufbahn mit einer Schreinerlehre und einer Fortbildung zum Gestalter im Handwerk. Von 2004 bis 2008 studierte er Innenarchitektur an der Hochschule für Technik in Stuttgart. Bereits als Student arbeitete er für die Ippolito Fleitz Group – inzwischen unterstützt er das erfolgreiche Stuttgarter Büro als Senior Innenarchitekt & 3DArtist. Eine wichtige Etappe in seinem Werdegang wurde für Tim Lessmann das Projekt Palace of International Forums in Taschkent, Usbekistan – das erste größere Projekt, für das er hauptverantwortlich sämtliche Räume entwarf.

Juliane Glaser – das Hinterzimmer

Problemstellung. Wir leben heute in einer Wissensgesellschaft, in der das Wissen immer mehr an Wert gewinnt.  Wir können und müssen viel wissen, wir aktualisieren fortlaufend unser Wissen, doch haben stets das subjektive Gefühl, zu wenig zu wissen. Diese allgegenwärtige Verfügbarkeit an Information, in Kombination mit der sozialen Isolation in unserer anonymer werdenden Gesellschaft, führt häufig dazu, dass wir am Ende ratloser dastehen als zuvor. Obwohl keine Generation so viel Wissen, Zugänge und Mittel zur Verfügung hatte, wie die unsere, fühlen wir uns paralysiert im Angesicht der komplexen Probleme, die unsere Gesellschaft hervorbringt. Anstatt uns gemeinsam den Herausforderungen zu stellen, nehmen wir passiv eine beobachtende Perspektive ein und warten ab, was um uns herum passiert. Wir distanzieren uns von den Problemen, welche uns meist indirekt oder erst nach einem großen Zeitabstand treffen. Verstärkt werden diese Folgen durch die soziale Mediatisierung. Diese führt nicht nur zu einer Zunahme an Depression und Unzufriedenheit, sondern auch zu einer Abnahme an Empathie und Begeisterungsfähigkeit. Wir misstrauen dem System, welches wir nicht verstehen und verschwinden in unseren individuellen Wissens- und Unwissens- Räumen den sozialen Blasen.

Schlussfolgerung.Wir Menschen brauchen das direkte Gespräch. Wir Menschen brauchen Menschen. Zum Leben brauchen wir als soziale Wesen den Austausch, die Kommunikation, Zuneigung, Verständnis und Trost. Der Erzählinstinkt ist ein tief verwurzeltes Bedürfnis des Menschen und eine ganz zentrale Fähigkeit für das Leben in großen Gruppen. Das Erzählen hilft uns Verhältnisse zu klären, Beziehungen zu begreifen und das Erlebte zu verarbeiten.

Konsequenz. Vor diesem Hintergrund möchte ich exemplarisch ein städtisches Programm entwickeln, welches das Gespräch mit einem direkten Gegenüber provoziert und fördert. Es handelt sich um ein Pilotprojekt, welches zukünftig, so selbstverständlich wie ein Friseur oder eine Bäckerei, in nahezu jedem Viertel der Stadt zu finden sein soll. Ich möchte mich gestalterisch mit dem architektonischen Entwurf eines Raumes auseinandersetzen, welcher eine neue, zeitgemäße Form der Begegnung ermöglicht. Dieser Raum soll wirksam in die Stadt und somit in den urbanen Alltag der Menschen integriert werden. Dabei reagiert die architektonische Gestalt auf ihre unmittelbare Umgebung.

KONZEPT

Das Hinterzimmer der Stadt. Das Stadtviertel bekommt ein Hinterzimmer. Ein urbanes Hinterzimmer, welches durch den Kiosk, dem Tor des Stadtviertels, betreten wird. Und so wie die Stadt kein klassischer Gasthof ist, ist auch das Hinterzimmer kein Raum für ein klassisches Stammtisch-Konzept. Stattdessen wird dieses auf eine neue Ebene gehoben. Es ist ein Raum, der emotionale Identifikation schafft. Das Projekt ist eine Stimulation, die das Gewöhnliche und Altbekannte in Frage stellt. Das beinhaltet Sprengkraft, also das Wissen um die Umsetzbarkeit eines solchen Projektes. Darüber hinaus stellt sich die Frage: „Wieso gibt es so ein Hinterzimmer nicht auch in unserem Viertel?“ Das Hinterzimmer ist nämlich nicht „das“ Hinterzimmer, sondern „ein“ Hinterzimmer von vielen, die nach und nach im Dialog mit den Kiosken der Viertel entstehen sollen.

Der Kiosk. Der Kiosk, das „Tor zum Stadtviertel“. Es ist der Ort an dem man sich, meist im Vorbeigehen, noch schnell eine Zeitung, ein Wasser oder eine Packung Kaugummi holt. Es ist der Ort, an dem man kurz verweilt, um einen Kaffee oder ein Bier zu genießen, manchmal in Gesellschaft, doch nicht selten allein. Der Kiosk bedeutet jedoch für viele mehr- Er hat auch eine emotionale Komponente. Am Kiosk treffen sich Nachbarn und Freunde und sprechen über die Ereignisse in der Nachbarschaft. Fremde lernen sich kennen und kommen ungezwungen ins Gespräch. Dabei werden sie persönlich betreut, anders als in den größeren Supermärkten. An manchen Kiosken treffen sich Menschen wie eine Familie. Sie suchen Kontakt sowie Kommunikation im Alltag und finden am Kiosk Halt und Kontinuität. Der Kiosk ist der „Dorfplatz der Großstadt“, sein Kundenkreis spiegelt die Bürger des Stadtviertels wider.

Lage. Der Jungbusch bekommt ein „Hinterzimmer“.  Der Jungbusch ist ein lebendiges Stadtviertel in der Stadt Mannheim und bildet die urbane Umgebung des Projektes. Es ist ein durchmischtes Viertel, dominiert von kultureller Vielfalt und Wandel sowie der daraus hervorgehenden Spannung. Das Viertel ist geladen, die Menschen haben Redebedarf. Die Umsetzung des stadtplanerischen Projektes „das Hinterzimmer“ wird von einer Partnerschaft zwischen privaten und öffentlichen Akteuren, das heißt dem Kioskbesitzer auf der privaten sowie die Stadt auf der öffentlichen Seite, getragen.

FORMGEBUNG

Grundhaltung. Die Gestaltung ist auf allen Ebenen geprägt von dem Kontrast zwischen der Intimität eines Hinterzimmers und der Offenheit des Kiosks. Die Form des Kiosks ergibt sich aus reduzierten Duplikaten des Kiosks, welche sachte in den Boden zu sinken scheinen. Durch die Verschachtelung sowie das Versenken wird der im Innern verborgene Raum schwer fassbar. Die Form bildet eine Einheit, die ihren Nutzen nicht verrät.  Durch die Reduktion der äußeren Erscheinung des Hinterzimmers, macht dieses dem Kiosk keine Konkurrenz.

Membran. Ein wichtiges Element des Spiels zwischen Offenheit und Intimität ist die Membran. Wie eine lichtdurchlässige, zweite Haut legt sie sich um die Flächen des Hinterzimmers, die aus dem Boden ragen. Sie vereint die Duplikate, dennoch kann man unter ihr die Umrisse der schützenden Dächer der Kioskduplikate erkennen. Die Membran besteht aus dem Material der Stadtbank. Das Licht, das durch die Membran fällt, wird von der Lochung beeinflusst. Es wirkt, als würde man die Gespräche direkt unter der Stadtbank führen.

Innenraum. Nach einem Gespräch mit dem Kioskbesitzer, öffnest du die Tür des Kiosks. Du betrittst ihn und läufst die Treppe hinunter, die hinter dem Kioskbesitzer am offenen Lager vorbei in den Boden läuft. Neben der Treppe läufst du an all den Themen vorbei die du schon, vom Fenster aus, sehen konntest. Dabei handelt es sich um all die Themen, die schon im Hinterzimmer diskutiert wurden und oder werden. Die Themen, die deine Mitmenschen beschäftigen. Unten angekommen richtet sich dein Blick auf den intimsten Punkt des Hinterzimmers. Den unteren Stammtisch, dramatisch beleuchtet durch das Oberlicht. Du läufst geradeaus und der Raum weitet sich. Du spürst eine Präsenz, drehst dich um und siehst den Kiosk über dir emporragen. Eine Perspektive, von der aus du noch keinen Kiosk betrachtet hast.

Das Hinterzimmer birgt zwei Stammtische unterschiedlicher Atmosphären. Der untere richtete sich vom intimsten Punkt des Hinterzimmers in Richtung Kiosk aus und der zweite vom Kiosk in Richtung Stadt. Doch nicht nur die Ausrichtung unterscheidet die beiden Stammtische. Auch die Akustik und das Licht sind in beiden unterschiedlich. Am oberen Stammtisch sind die Geräusche der Stadt viel näher als am unteren. Auch das Licht ist weniger intim und der Raum offener. Intuitiv können sich die Stammtischler einen Stammtisch wählen. Beide Stammtische haben einen Zugang zum Außenraum. Wenn dicke Luft herrscht, kann man einfach kurz raus!

Doch beim oberen Stammtisch kann man mehr als einfach nur raus. Man reist die Türen auf, baut die Wände ab, den Tisch auf und schießt mit dem Stammtisch gemeinsam in den Außenraum!

Vielen, lieben Dank! Über Anregungen und Kommentar freue ich mich sehr!

Juliane Glaser

Juliane Glaser – Voyeur oder Fußgänger?

In „Kunst des Handelns“ stellt Michel Certeau die von einem Einzelnen oder einer Minderheit geplante Stadt als einen klaren, leicht lesbaren Text dar. Doch von einem Architekten oder Stadtplaner entworfen, ist die geplante Stadt reine Fiktion. In sie dringt die bewohnte, wandelnde Stadt mit ihrer undurchschaubaren, blinden Beweglichkeit.

Ich beschäftigte mich sehr lange mit diesem Text, den ich gleich drei Mal lesen musste um ihn auch nur annähernd verstehen zu können. Doch das Thema, über das ich zugegebener Maßen vorher nie wirklich nachgedacht hatte, lies mich nicht mehr los. Eine Frage nach der anderen stellte sich mir, Bilder von Aussichtstürmen, Gipfelkreuzen, verwirrten Menschen mit Stadtkarten in der Hand, sowie von alten Gemälden aus der „Position Gottes“,… entstanden in meinem Kopf. Eine solch intensive Auseinandersetzung mit einem Text, immer mit dem Gedanken an eine räumliche Interpretation, war für mich eine völlig neue Herausforderung. Jedoch eine super spannende Erfahrung! So ähnlich stelle ich mir den Großteil des Alltags eines Szenographen vor.  Zwischendurch fragte ich mich jedoch, ob es wirklich solche abstrakten philosophischen Erläuterungen braucht, um unser doch recht simples menschliches Dasein und unsere Bestrebungen zu erklären…  und dann stellte ich mir weiter Fragen:

Nehmen wir in unserem Alltag bewusst die Rolle des Voyeurs ein? Was passiert mit dem Voyeur der wieder zum Fußgänger wird? Ist ein planender Architekt Voyeur und Fußgänger zu gleich? Wieso plant man, wenn man früher oder später die Kontrolle darüber verliert? Sollte man als Voyeur mehrere Perspektiven einnehmen, bzw. Höhen überwinden? Wenn ja, ist man dann mächtiger als einer der nur eine Perspektive kennt? Was ist man wenn man eine Stadtkarte in der Hand hält?

Um Antworten auf die Fragen zu finden versuchte ich bestimmte Begriffe zu isolieren um sie dann simpel in einer skizzenhaften Skulptur aus dem Text in den Raum zu holen. Denn es betrifft uns jeden Tag, ein Leben lang. Strukturen der Gesellschaft, Planung, Verwachsung, Umstrukturierungen, Strukturlosigkeit. Wissen und Nichtwissen.

Die Stadt

„ Die gigantische Masse… verwandelt sich in ein Textgewebe… “

Die Stadt als Text. Während man an Rom die Kunst des Alterns ablesen kann, liest sich New York als ein Exzess aus Verschwendung und Produktion. Das Vorhandene wird verworfen, das Zukünftige einfach den existierenden Strukturen hinzugefügt.

Der Fußgänger

„ …deren Körper dem mehr oder weniger deutlichen Schriftbild eines 

„städtischen Textes“  folgen, den sie schreiben, ohne ihn lesen zu können. “

Die aus den Fußgängern der Stadt geballte Masse folgt dem mehr oder weniger lesbaren Schriftbild des städtischen Textes. Von Straßen und Gebäuden umgeben verschwimmen die Identitäten der Fußgänger, jeder ist Teil der Masse.

Der Voyeur

 „ …emporgehoben  zu sein bedeutet, dem mächtigen Zugriff der Stadt entrissen zu werden. “

Der Voyeur erlangt durch seine erhobene Position seine Identität zurück. Indem er sich aus den undurschaubaren Strukturen des alltäglichen Lebens heraushält entsteht eine notwenige Distanz. Der Voyeur verlässt die Masse und der Text wird für ihn lesbar.

Die Erotik des Wissens

„ diesen maßlosesten aller Texte zu „überschauen“, zu überragen und in Gänze zu erfassen.“

Der Mensch hat den Drang, die Lust den Text, die Stadt zu begreifen, zu verstehen, Wissen zu erlangen.  Fasziniert davon die Rolle des „alles überschauende Auge“ einzunehmen, überblickt man aus gottnaher Position die unterworfene Masse.

Die Fiktion des Wissens

„ Ausschließlich dieser Blickpunkt zu sein, das ist die Fiktion des Wissens.“

Das durch das Lesen der Stadt erlangte Wissen ist lediglich Fiktion. Ein Trugbild, das durch die eingeschränkte Sicht eines Einzelnen und dessen subjektive Wahrnehmung entsteht. Nach dem Abstieg wird der Voyeur wieder Teil der Masse.

Da der Ausstellungsraum, der uns in der Hochschule zum Aufbau zur Verfügung stand, keine Stadt war und mir ein Abend für ein Leben wirklich zu kurz vorkam, unterteilte ich die Skulptur in drei Zonen. Der Begehende wird aus dem gesellschaftlichen Ereignis, der Zone 1,  isoliert und dann auf die erhöhte Ebene eines Voyeurs hebt. Als Fußgänger begibt er sich in die Skulptur, die in Zone 2 gleich eine Entscheidung fordert. Laufe ich nach rechts oder links? Wohin führt der Weg? Man verschwindet langsam aus dem Sichtfeld der anderen. Durch die transparenten, wackelnden Wände lassen sich nur Schemen der Umwelt erahnen. In Zone 3 ist ein Durchblicken nach außen nicht mehr möglich und man verspürt den Drang über die Wände hinweg auf den überwundenen Weg zu Blicken. Man steigt die Stufen empor und nimmt die Position des Voyeurs ein. Man erfährt zur selben Zeit den Genuss des Wissens und der Macht, als auch die Erkenntnis, dass man bald wieder ein Teil des Lebens sein wird, das einem gerade zu Füßen liegt.

Während des Abends, an dem wir unsere Auseinandersetzungen mit unseren Texten den Besuchern näher bringen sollten, ergaben sich viele interessante Gespräche. Die Besucher trauten sich erst nach und nach in die Skulptur hinein. Während der Ausstellung stellte ich fest, dass ein paar zu Voyeuren gewordene Fußgänger, die Aussicht auch ausnutzten um die Masse der „Fußgänger“ zu beobachten. Diese fühlten die Blicke und schenkten dem Voyeur ihre Aufmerksamkeit. Dadurch wurde er unsicher und verloren an Macht. Steigt man auf einen Kirchturm, stellt dies keiner in Frage. Steigt man jedoch in mitten eines Raumes auf einen Stuhl, erntet man irritierte Blicke und fühlt sich nicht wohl. Ähnlich war es auch bei der Skulptur. Die Distanz war leider nicht groß genug um sich überlegen zu fühlen, doch sie hat gereicht um einen Hauch davon zu erhaschen.

Vielen, lieben Dank! Über Anregungen und Kommentar freue ich mich sehr!

Juliane Glaser

Oktober 2018

Du sitzt in ihr fest und du kannst nicht entfliehen,
Dich trotzaller Kraft ihrem Lauf nicht entziehen.
Irdische Grenzen, in die sie dich zwängt,
Von endlicher Weite unendlich bedrängt.

Du willst in ihr verweilen, willst, dass irgendwas bleibt.
Statt Wechsel und Wandel, Beständigkeit.
Doch dem Tag folgt die Nacht, Dunkelheit folgt dem Licht.
Neues kommt, Altes weicht, nichts bleibt sowie es ist.

Du rennst ihr hinter her aber sie dir davon,
Wie durch ein Labyrinth aus rohem Beton.
Hinein läuft man leicht, doch man kommt nicht mehr raus.
Denn rasten fällt schwerer, je schneller der Lauf.

Aus ihr auszubrechen gilt es sich zu trauen,
Denn Wände sind Grenzen, die wir uns selber bauen.
Doch tickende Zeiger sind nur schwache Schranken,
Die knicken und brechen an starken Gedanken.

Wir sind irgendwo hier, zwischen Anfang und Ende.
Die Zeit ist ein Raum, ohne Dach, ohne Wände.
Sie bleibt wie sie ist, doch wir nicht wie wir sind.
So ist jeder Moment nur ein Ort zwischendrin.

Stella
Funk

Carlijn Olde Beverborg

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Did you know that Roomba, our in-home cleaning device maps spatial data about the user’s living space while cleaning the dirt ? As Jan Wolfe demonstrates, Roomba benefits from regularly updated maps, receives real-time information about the overall dimensions of the space and the distances between home furnishings. What does this mean, for us – interior designers…?

I just graduated from the Master Interior Architecture Research and Design focussing on the impact of smart objects on their human users and their living space. In the thesis, I illustrate that if one of these smart objects already started to make floor plans for us, there is a chance artificial intelligence might also stay in charge for the further design execution, and we don’t need to make any plans, sections or technical drawings anymore that are interpretable by humans.

The smart speaker (e.g. Alexa or Google home) will collaborate with other compatible smart objects in the home to create the user’s living cell. Every entity is using different sensors to perceive the world and the smart speaker’s leadership will allow to direct and control them. In this way, smart objects can trace information of the current situation in the domestic sphere about the user’s daily rhythms, habits, family situation etcetera. They are able to find out what the user’s needs are, which they then can use for a potential method of ‘Algorithmic-Interior-Design’:

First, they must trace the information of the current situation in the domestic sphere, to find out what the user’s needs are:

1. Through GEO fencing, the smart thermostat detects the number of people that are residing in the house. This feature of software programs, uses GPS or radio frequency identification (RFID) to define geographical boundaries. Geo-fencing allows the smart thermostat to define these boundaries – in this case the thresholds between the house and its outside –, so when a device (e.g. a smart phone) enters or exits the house, an alert is issued (Rouse, 2016).

2. The smart phone provides information about the user’s budget, furniture-models – including its type, materials, colors, purchase date, warranty or lifespan.

3. While iRobot’s robotic vacuum Roomba is cleaning the dirt, it maps spatial data about the user’s living space (Wolfe, 2017). Through the method of RoomSeg, it turns a cluttered occupancy grid into a nicely segmented map of the space.

4. Smart lighting transfers light-schedules that map the user’s daily whereabouts.
5. RING Home security system provides the user with Ring Cams that not only protect and monitor the house, but generates a 1080p HD – 150° horizontal – 85° vertical, view of the user’s house. The cameras picture the used color palette of the interior. The ratio of used colors, together with the user’s color preferences and predictive trend-analytics, specify whether to order new furniture purchases, or whether the wall should get a fresh coat of paint.

6. The smart objects then can select furniture based on databases of analytical recommendations. “The company uses predictive analytics for targeted marketing to build company loyalty and increase customer satisfaction” (Wills, 2018). Thus, the furniture selected will be based mainly on algorithms.

7. They order these products that will be delivered to the user’s home, while Roomba analyzes the perfect location for them.

8. Of course, the aim is to regulate a perfectly suitable living space for the user, meanwhile getting a certain level of knowledge of the ideal human environment. Sometimes, this perfection requires custom-made pieces as well. If the user wishes to integrate custom made furniture into the interior, the smart speaker contacts the carpenter to have the interior elements executed. To allow the user to have personalized interior elements, the smart speaker stays directly in contact with the carpenter through the method of robocalling – in the same way Google uses Google Duplex to make restaurant reservations.

This method illustrates how smart objects design and regulate the user’s environment. Of course it is questionable whether the smart speaker will be able to replace designers, but it would be very ignorant to not consider this as a possible outcome. People have explored the design potential of various new technologies before, when for instance, the three top-selling Japanese novels in 2007 were written on mobile phones (Onishi, 2008). Every new technology brings new pros and cons. And even though the smart speaker lacks the creativity based on experience and memories, which a designer uses for the establishment of their ideas, it has access to the Internet, extensive online databases and algorithms.

Smart objects, turning into designers, initiate a dialog between the Human Computer Interaction and the emerging body of DIY communities that are documenting and showcasing their projects online. Both, opposing the principle of self-reliance with learning from ‘others’ through the open platforms on the web. Expert amateurs, such as Pinterest-fans and IKEA hackers, don’t have commercial purposes and therefore are sharing their knowledge online – accessible for all (Kuznetsov and Paulos, 2010). Thus, smart objects have free access to creative templates and relevant innovations, which allows them to get a sense of the current lifestyle and interests and to execute the desired design-outcome.

Besides, there is a grow in the range of services of online design tools that can all be accessed by smart speakers. These services include user friendly-interfaces e.g. IKEA Home Planner, Planner 5D and Roomstyler 3D, but also initial softwares driven by algorithms and AI (Kán and Kaufmann, 2017). Smart speakers can use these data-driven templates with algorithmic interior design guidelines, furniture layouts, cost optimization features, color compatible databases and automatic material suggestion, to become an active designer who can creatively vary on templates and models known to them.

Thus, since smart objects get exclusively universal access to the home, from an interior-design perspective, they develop into a superior source of information that should be acknowledged. They are able to reach a wide public and are informed of general human behavior in the domestic space. Rather than the television shows recommended products to the user, they are also capable of obtaining these products for them. They know people’s needs and they are able to define how the user should live and how their environment should look like.

The thesis shows how the user ends up living in a self-designed automated pattern, depended on the interaction with the system – the Internet of Things. The thesis has been written as a user manual, that illustrates an interpretation of how manufacturers are guiding their smart objects through the interaction with human individuals. Now that the roles of agency shifts from humans to rather objects, the manual is addressed to the smart object instead of its user, to point out that the smart objects are also using us, as data gathering system rather than convenience tool for users. Of course, the manual has been written in a rather sarcastic style for the purpose of discussion. The arguments are broadly conceptual in character to open up a dialogue for not only designers and researchers, but most of all for the user.

To continue this dialogue, I designed a series of objects called ‘Machine Wash Only’. Which represents the scenario in which our domestic space slowly transforms into a machinic container. The concept of the smart home makes the human user a servant of the system of the Internet of Things. The objects are shaped as a consideration of machinic agency in the current evolving smart home. The machinic table – inspired by the machinic elements of the carwash– decides for itself whether it functions as a table or whether it cleans the floor, the human user relies on the behavior of the machine. The work compels you to think about the interaction between machines and humans, and the question who has agency over whom.

To read the rest of the thesis, go to: www.carlijnoldebeverborg.nl/the-user

(usercode: 045309876)

Das Interior Scholarship – das AIT-Stipendium der Sto-Stiftung, wird in diesem Jahr vier Mal vergeben. Während der Jurysitzung am 13. Juli 2018 überzeugte je ein Studierender der Hochschule RheinMain Wiesbaden, Hochschule Mainz, University of Architecture and Urbanism „Ion Mincu“ Bukarest und Piet Zwart Institute Rotterdam. Mit einem monatlichen Zuschuss von jeweils 500 Euro zum Lebensunterhalt wird es den Studierenden ein Jahr lang ermöglicht, sich voll und ganz ihrem Studium widmen zu können.

Das mit insgesamt 24.000 Euro dotierte Interior Scholarship – das AIT-Stipendium der Sto-Stiftung, wurde 2018 zum achten Mal vergeben. Wie auch in den letzten Jahren war die Beteiligung mit 89 Bewerbern aus 16 Ländern und 28 Nationalitäten europaweit. Durchgesetzt haben sich in diesem Jahr Stella Josefine Funk (Hochschule RheinMain Wiesbaden), Juliane Glaser (Hochschule Mainz), Anca Badut (University of Architecture and Urbanism „Ion Mincu“ Bukarest) und Carlijn Olde Beverborg (Piet Zwart Institute Rotterdam).

Während der Jurysitzung am 13. Juli 2018 im AIT-ArchitekturSalon bewerteten und diskutierten Prof. Gesche Grabenhorst (ahrens & grabenhorst und Fachhochschule Bielefeld, DE-Hannover), Prof. Sabine Keggenhoff (KEGGENHOFF | PARTNER und PBSA Düsseldorf, DE-Arnsberg-Neheim), Sabine Krumrey (brandherm + krumrey interior architecture, DE-Hamburg), Prof. Judith Reitz (BFR LAB und PBSA Düsseldorf, DE-Köln) und Kristina Bacht (Kuratorin AIT-ArchitekturSalons und Verlagsleiterin, DE-Hamburg) sowie Uwe Koos (Vorsitzender des Stiftungsvorstands der Sto-Stiftung, DE-Stühlingen) sowohl die Qualität der eingereichten Studienarbeiten als auch die kreativen Entwürfe zur diesjährigen Stegreifaufgabe, die zum fünften Mal ein Kriterium der Bewerbung darstellte.
In diesem Jahr sollten die Studierenden zum Thema „Zwischenraum“ einen Raum entwerfen, der trennender oder verbindender, ein permanenter oder temporärer, ein freiwilliger oder gezwungener “sozialer“ Zwischenraum ist, der “noch nicht“ oder “nicht mehr“ genutzt wird. Er kann zum geschützten Raum werden, zum Ort persönlicher Freiheit oder zum Ort der Begrenzung. Dieser „Zwischenraum“ kann fiktiv, im urbanen oder im ländlichen Lebensraum gewählt werden. Anhand einer Reihe von fünf bis zehn Visualisierungen, Modellfotos und Collagen sowie einem kurzen Text sollte dargestellt werden, wie der Kontext zu seinem Genius Loci dem gewählten „Zwischenraum“ eine Funktion gibt und eine Haltung zeigt, wie: Ist der „Zwischenraum ein Ort des Verweilens, der Zuflucht, der Interaktion, der Verknüpfung und Vernetzung, der Integration oder der Isolation?

Nach einem Verfahren aus drei Runden und ausgiebiger Diskussion entschied sich die Jury einstimmig für die Gewinner, die vor allem durch eine eigene Haltung und kreative Denkweise herausstechen. Das zur Verfügung stehende Preisgeld von 24.000 Euro wurde auf vier Studierende aus Deutschland, den Niederlanden und Rumänien aufgeteilt, die sich nun über einen monatlichen Zuschuss von je 500 Euro freuen dürfen.

Finanziert werden die Stipendien von der Sto-Stiftung, die die „Ausbildung der jungen Generation […] als eine Investition in die Zukunft unserer Gesellschaft“ versteht und den Gewinnern ein Jahr lang ein sorgenfreies Studieren ermöglichen möchte. Aus diesem Grund unterstützt die Sto-Stiftung junge Menschen in ihrer akademischen Ausbildung. Als übergeordneten Zweck greift sie das Leitmotiv „Bewusst bauen“ der Sto SE & Co. KGaA auf und hat sich weltweite Technologieführerschaft in der Branche für eine menschliche und nachhaltige Gestaltung gebauter Lebensräume zum Ziel gesetzt.

„Für einen Raum gibt es viele Antworten. Diese werden im Studium gelehrt, übersetzt und angewendet. Für die Orientierung innerhalb dieses Spektrums gibt es vielfältige Angebote, Ausrichtungen und Entfaltungsmöglichkeiten. Seminare, Workshops, Summer Schools – all dies sind Gelegenheiten, neben dem traditionellen Studium Kenntnisse und Fähigkeiten auszubauen und eine eigene, aussagekräftige architektonischen Haltung zu entwickeln. Die AIT in Kooperation mit der Sto-Stiftung bietet ein besonderes Format, das talentierte Studierende mit einer finanziellen Hilfe für ein Jahr lang unterstützt. Ziel ist es, Potentiale zu entdecken, die Kreativität zu fördern und neue Perspektiven zu ermöglichen. Die Chance, die dieses Stipendium bietet, ist die des Freiraums für ein Jahr – in den Gedanken, in der Erzählung, im Handeln – unabhängig Projekte zu bearbeiten, sich auszuprobieren und weiter zu entwickeln. Bestenfalls entsteht in diesem Fokus eine eigene Geschichte – die vorher beschriebene Chance – für die jeweiligen Studierenden, die sie sich vorher nicht erahnt hätten.“

(Prof. Gesche Grabenhorst, ahrens & grabenhorst und Fachhochschule Bielefeld, DE-Hannover)

Die Juryurteile

Stella Josefine Funk

Hochschule RheinMain, Wiesbaden

Stegreifentwurf „ZWISCHENRAUM UND ZEIT“ von Stella Josefine Funk

Stella Funk

Die Bewerbung von Stella Josefine Funk zeichnet sich durch ihren Innovationsanspruch aus. Klassische Raumgefüge werden durch gestalterische Elemente komplettiert. Durch die momenthaften Szenen weist der Stegreif „Zwischenraum und Zeit“ ein Verständnis von Innenraum und konzeptionellem Denken auf. Bemerkenswert ist, dass die Studentin das Stipendium trotz der geringen Semesterzahl erhält. Das Potential wird erkannt und gerne gefördert.

Juliane Glaser

Hochschule Mainz

Stegreifentwurf „ein zu entdeckendes Geheimnis“ von Juliane Glaser

Juliane Glaser

Die besondere Fähigkeit dieser Stipendiatin lässt eine hohe Sensibilität vermuten: Die Arbeiten weisen Analogien mit dem Spiel von Raumproportionen, -tiefen und -höhen im Kontext von Perspektivwechsel des Betrachters in Bezug auf Ein-, Aus- und Durchblicke auf. Ohne verspielt zu sein, zeugen sie von Poesie. Sie experimentieren mit dem Vorder- und Hintergrund und mit unterschiedlichen Tiefenschärfen.

Anca Badut

University of Architecture and Urbanism “Ion Mincu” Bukarest, Rumänien

Stegreifentwurf „Artificial Reef“ von Anca Badut

Anca Badut

Die Verfasserin hat in ihrem Stegreif mit der Interpretation der Tropfsteinhöhle einen besonderen Zwischenraum angeboten. Des Weiteren lassen die Studienarbeiten auf ein strukturiertes und analytisch tiefsinniges Arbeiten schließen. Die große gestalterische Bandbreite von Struktur, Raum und Atmosphäre und die Ausarbeitung von der Skizze bis zur Animation von Raum hat die Jury zu dem Entschluss bewegt, die Studentin zu fördern. Die Arbeit überzeugt durch die besondere Ausprägung von Textur und Material und im Spiel mit Licht und Schatten.

Carlijn Olde Beverborg

Piet Zwart Institute Rotterdam, Niederlande

Stegreifentwurf von Carlijn Olde Beverborg, siehe: https://vimeo.com/276070925

Carlijn olde Beverborg

„The Space between“ zeigt einen Kurzfilm zum Thema Zwischenraum, der die Betrachter begeistert: Zwischen hartkantigem Möbel, nackter Haut und gefaltetem Papier entsteht ein Dialog, der mit den Sinnen spielt, verschiedenste Räume aufruft und die Blicke des Betrachters schnell und intensiv wechseln lässt. Das Werk besticht durch seine sehr eigenständige Haltung, die mutige Bearbeitung jeglicher Raumszenarien mit einem besonderen herausragenden Verständnis für Textur, Proportion, Stimmung und Ästhetik. Einfach gut! Themenübergreifend sicher im Entwurf und begabt. Wir als Jury freuen uns außerordentlich, ein Portfolio in dieser Ausformulierung beurteilt haben zu dürfen.

Die Juroren 2018/2019

Ir. Kristina Bacht (MSc Arch)
Kuratorin | Leiterin AIT-ArchitekturSalons
Verlagsleiterin
Gesellschaft für Knowhow-Transfer in Architektur und Bauwesen mbH
Bei den Mühren 70 | 20457 Hamburg
Fon: +49 (0)40 / 70 70 898-11
Fax: +49 (0)40 / 70 70 898-20
E-Mail: kbacht@ait-online.de

stipendium@ait-architektursalon.de
www.ait-architektursalon.de/stipendium

Carlijn Olde Beverborg

The Reproduction of the Machine: https://vimeo.com/304549254

Alexa as a lampshade: https://vimeo.com/322462436

Alexa as a rolling pin: https://vimeo.com/317485676

The first time I got confronted with talking machines was when as a kid I watched the series Dora the explorer. She is a seven-year-old Latina girl, that explores new places by overcoming obstacles, accompanied by her talking backpack and monkey companion named Boots. Through fourth wall-breaking interaction with the viewer, the viewer is presented with the challenge of helping Boots and Dora to locate items. In the series she asks questions following up with a moment of silence, assuming that us, the viewers, will answer her questions. This moment suggests an interaction and relationship between the audience and the television, as if she can hear us. Since the early 1900 film-actors are addressing the audience, for example in A Dog’s Life of Charlie Chaplin and Laurel and Hardy’s slapstick comedies, through which the irony and awkwardness in his actions are getting exaggerated. At a certain age I realized that Dora couldn’t hear me, which made talking to the machine quite uncomfortable. I was sure that the television couldn’t understand me, even if I talked to it!

This awkwardness that Dora made me feel precisely reflects the feeling that it gives me nowadays to be surrounded by objects of the Internet of Things. It feels a little bit strange to be on your own and talk to a machine.

I write this because my graduation project focusses on one of those Internet of Things objects, namely the smart speaker, Alexa. On my thesis project I focus on her and her relationship with human and interior design. The human voice within the mechanic object gives it a strangely change of status, a level of humanity close to our own, which influences not only the dialogue amongst the smart device and the individual, but also the social interaction within the domestic space. Although I know that she is just a machine that is ‘fooling around’, it makes me angry at the same time when she doesn’t seem to understand my questions. I mean, asking questions to a machine out loud feels unnatural, but when those repeating questions stay unanswered, this feeling expands. Apparently, Amazon implies that there is only one correct answer to a question, and that questions that go beyond objective inquiries cannot be answered.

Not only Alexa’s response, that is based on unreliable narrow-minded third parties, demonstrates how the smart speaker could create a bias perspective, but also Alexa’s feedback on user’s input flattens out the chance of a different belief – of the humane. Alexa discourages the thinking of more complex matters. When asking Alexa a question she cannot –or will not – answer, she replies with “Hmm, I don’t know that one” or “Sorry, I’m having trouble understanding you”, “I’m sorry I don’t understand that question”, “Hmm, something went wrong” or “Sorry I’m not sure about that”. Human editors at Amazon pen many of these answers. But, these answers leave no space for thinking ‘out of the ordinary’. Instead, what if Alexa was able to return the question to the user? “Hmm, I don’t know that one, please take a moment to consider the answer yourself. What do you think about it?”.

Amazon implies to know how humans think. They create a concept of control based on their obsession with order, algorithms and analytics. They create a universal code to communicate with everyone. Eventually, they might create universality among the users while they categorize them into groups.

 … it is our own intelligence that flattens into artificial intelligence (Carr, 2008).

Thus, in these weeks I focus on scenario’s of what if? What happens if we end up in this vicious circle wherein we will come to rely on artificial intelligence to mediate our understandings of the world, which eventually will flatten our imagination and spontaneity. A world in which human become mechanized and self-design, predictive behavior, influencers and algorithms are manifested. It is because Alexa has this universal access to the home that I, as interior designer, identify her to be a superior source of information that we should be aware of. She is informed about human behavior in the domestic sphere, she knows people’s needs and she might be able to change them. Alexa isn’t sure about the answer to these questions yet, what do you think?

March- May 2018

“Your imagination is the only limit”

In the beginning of February, I had the opportunity to work with ceramic within an architectural application. We were commissioned at school to design a pavilion for the garden of the world-famous clown Slava Polunin. Fascinated by the magical world of this artist, I imagined large scale meteorites that would land in his garden and in which we could rest.

I was inspired by gems, stones, the vivid colours of dragonflies and by meteorites themselves. As part of the research process, I visited the exhibitions “Meteorites, between sky and earth” in Paris and the Museum für Naturkunde in Berlin which brought me information and inspiration to develop my concept. First theoretically, how the meteorites are formed, what their composition is, where do they come from, how do they reach planet earth? Secondly physically, what are they shapes, colours and textures.

Working with clay and glazes helped me translate this organic universe and develop my own language quite easily. Intuitively, I started to shape 1:20, 1:10 meteorite-models using black clay and applying a layer of glaze before firing to bring colours. Within this process, I particularly liked working with fire. Putting my meteorite-models in a kiln for more than 72h at 1040° C gave another dimension to the making process. For the first time, I was not in control of the final look/appearance of my design.
Technically, I was inspired by the work of Assemble studio with their projects Structures of Landscape and The truffle for their use of metal structure and method of construction. Parallelly, I studied fire method such as raku and wood kiln to consider a giant combustion that would cook the meteorite. Finally, based on this research I developed 2 scenarios for a possible 1:1 realisation.

Alongside this, I made a lot of sketches of the meteorites with charcoal to feel and embody the energy and character of it. Among them, a 1:1 drawing which appeared to be a real physical experience. Implicating wide movement, it became a spontaneous choreography which a friend helped me catch with his camera. Additionally, and to bring some context and narration, I photographed the meteorites in an outside environment and in motion.

The project was presented in Paris, end of Mars, to the client Slava the clown and his team.
Even if the project may stay at a conceptual and at experimental stage, I found a profound connection working with ceramics and hope to continue working with this authentic technique in further projects.

Games, VR and Urban Design

“If science and technology march under the banner EVERYTHING IS POSSIBLE, design culture must know how to point out a path for these potential possibilities, a path that can be completely opposed to that which technological-scientific development has followed up till now”.

– Ezio Manzini

Recently I’ve spent quite some time searching for innovative ways to engage communities through participatory technologies to generate an influential number of iterations and find the best urban design proposal for large spaces. There are two elements that have proved to be part of the design process in case of large-scale projects: the buzzword of the 21st century, INFORMATION and the dynamic required way of thinking, CHANGE OVER TIME.

The abstraction of design is the name-of-the-game for an information-based approach. It requires the use of potential relationships among elements as they exist in a given context and the use of participatory design.

Among immersive developing technologies that can be used in order to redefine the way in which a city is shaped, games have already proved their potential in engaging communities to express their needs and to help translate these into designs. Such an example is the BLOCK-by-BLOCK project by UN-habitat: Minecraft video game used to design public space in more than 25 developing cities, 2017. More on this can be found online.

Now, on using the relationship between elements in a given context, getting to understand the constraints of a space and work with them at a fundamental level, I can pretty much immediately think about working with data. This is where parameter-based softwares are of great help. In the case of a 3D design proposal with a large number of possible iterations that can be then visualized through immersive media such as VR, a powerful fast software is of great help to specialists. The one such software that I had the opportunity to use is ESRI’s CityEngine. To get a grip of the potential of CityEngine I’m just going to mention that it has been fairly used in the film industry in famous studios such as DISNEY, SCANLINE VFX and FRAMESTORE and recently used in the “Blade Runner 2049” movie to generate procedural urbanscapes.

The here attached examples are some of my tests done with CityEngine during a workshop here in Bucharest, taught by Nicolai Steino, prof. at Aalborg Universitat. The fairly simple concept that I explored was the possibility of generally keeping the parametric process of dividing a terrain when designing the facades of the proposed buildings too. This was done starting from a simple terrain that we wanted to explore in Bucharest, but the potential of the approach can be further explored at larger-scales. I am now collaborating with prof. Nicolai Steino and prof. Bogdan Tofan (UAUIM) on a new project, Parametric Architecture and Urbanism in the Revival of Cinemas along a large boulevard in Bucharest (please see the attached map). It is now that we are also considering to create together a workshop on this topic, where I’ll play the role of a Teaching Assistant. If everything is going according to plan, this workshop will happen on 21st-24th of May at the University of Architecture and Urbanism “Ion Mincu” Bucharest. With this occasion I am looking forward to further test the VR experience with CityEngine and Unreal (games engine), which can then further be developed to help participatory design for affected communities around the world. On this matter I have also recently applied to the OPEN CALL on “How can specific new uses of technology and design enable meaningful, fast and sustainable development of urban informal settlements?” organized by Norman Foster Foundation.

Looking forward to all of these searches growing in a way in which to help sustain the revival of architecture and the resiliency of cities.

“In the end, our society will be defined not only by what we create, but by what we refuse to destroy” – John Sawhill

Anca
Badut

Blogbeitrag 10.04.2018

Letztes Semester habe ich ein architektonisches Konzept untersucht, welches sich mit historischen Architekturen beschäftigt, die unter dem Druck sozialer Entwicklung ihre eigentliche Funktion verlieren. Inspiriert durch den Kontext und die miteinander zusammenhängende Entwicklung von Form, Funktion und Nutzer ist ein Raum entstanden, der versucht die momentane Entwicklung zu unterstützen und die als historisch und nicht mehr zeitgemäß eingeschätzte Architektur anzupassen.

Wie schon in einem meiner ersten Blog-Einträge erwähnt entstand die Idee dieser Arbeit während der ersten Auseinandersetzung mit dem Gebiet um den Friedhof Assistent Kirkegård in Nørrebro, Kopenhagen. Unter dem Druck sozialer Entwicklungen wurden viele Räume in diesem Gebiet neu definiert und an aktuelle Lebensstile und moderne Ideologien angepasst. Angrenzende Kirchen wie Hellig Kors Kirke, Brorsons Kirke und Blågårds Kirke haben ihre Funktion entweder völlig verändert oder versuchen sich an die stattfindenden Entwicklungen anzupassen. Somit finden in diesen alt religiösen Räumlichkeiten nicht nur Messen, sondern auch Konzerte, Übernachtungsmöglichkeiten für Obdachlose sowie kulturelle Events statt.

Doch nicht nur die angrenzenden Kirchen, sondern auch der um 1760 gegründete Friedhof Assistent Kirkegård ist alles andere als ein normaler Ort der Bestattung, Trauer und des Gedenkens. Anfangs noch außerhalb der Stadtmauern gelegen hat Kopenhagen im Laufe der letzten Jahrhunderte den Friedhof vollkommen umschlossen. Obwohl heutzutage noch immer Bestattungen in gewissen Bereich des Friedhofs stattfinden, wird dieser schon seit Mitte des 19. Jahrhunderts auch als Naherholungsgebiet genutzt. Der Zusammenhang von sozialem Wandel und die dadurch entstandene Koexistenz von Funktionen in diesem Areal ist Inspirationsquelle für die vorangegangene, sowie kommenden Entwurfsaufgabe.
Letztes Semester ist somit eine kleine Bibliothek mit anliegenden Leseraum entstanden, die inspiriert durch die vorherrschenden Funktionen und sozialen Veränderungen in Nørrebro (speziell in und um den Friedhof Assistent Kirkegård) die Funktion der Friedhofsmauer erweitert. Das kulturelle Erbe, die atmosphärischen Qualitäten und die Identität, die in der bestehenden Architektur und den angrenzenden Kontexten vorhanden ist, sind wichtige Bestandteile und wesentlich zu erhalten.
Innerhalb des kommenden Semesters werde ich unter Berücksichtigung der Ergebnisse des letzten Semesters das Projekt fortführen und das entstandene Programm erweitern. Von der Mauer als Teil von Assistens Kirkegård hin zum ganzen Friedhof. Die Idee ist es mehrere Miniaturarchitekturen zu entwerfen, die die unterschiedliche Nutzung des Friedhofs unterstützen. Anhand dieser Interventionen möchte ich hierbei insbesondere neben den Bereichen der Erholung auch die Funktionen des Friedhofs mit einbeziehen.
Während der Fokus architektonisch auf den Miniaturarchitekturen und deren Ausarbeitung liegen wird, werde ich mich mit der Frage beschäftigen inwieweit religiöse Institutionen, in der aktuellen politischen Entwicklung, in der Lage sind die gefährdeten Infrastrukturen unserer Sozial- und Wohlfahrtstaaten zu unterstützen.
Der Beginn des zweiten Semesters galt der Aufarbeitung des vorangegangenen Entwurfs und der damit verbundenen Entwicklung einer Idee, wie sich dieses Projekt im kommenden Semester weiterführen lässt. Im Vergleich zum vorherigen Semester liegt der Schwerpunkt im Frühling auf der architektonischen Ausarbeitung – da davon ausgegangen wird, dass wir uns im letzten Semester genügend theoretischen Hintergrund angeeignet haben, der nun eine architektonische Form bekommen soll. Auch wenn das Programm relativ viele Freiheiten mit sich bringt, wir kaum Vorlesungen oder Seminare haben, so gibt es doch immer wieder kleinere, entwurfsbegleitende Aufgaben, die uns bei unserer Konzipierung einen bestimmten Fokus vorgeben. Solch kleine „Briefs“ sind ein wesentlicher Bestandteil des Programms und hilfreich für einen gemeinsamen Diskurs im Studio. Beispielhaft für diesen Ansatz sind die letzten drei Wochen. Hierbei wurden wir gebeten uns nicht auf den gesamten Entwurf zu konzentrieren, sondern sollten uns ein Detail aussuchen, um dieses dann in den Werkstätten im Maßstab 1:5 bis 1:1 zu studieren.
Die Frage nach einer angemessenen Materialität, die in der Lage ist die historisch gewachsene Identität, sowie die moderne Interpretation auf ähnliche Art und Weise zu repräsentieren hatte mich schon letztes Semester beschäftigt. Somit entschied ich mich den Fokus vom Detail auf die Materialität zu verschieben um genau dies zu untersuchen. Entstanden ist hierbei ein Betongemisch, welches durch die Integration von Zuschlägen, entnommen aus der existierenden Architektur, einen Terrazzo ähnlichen „Look“ erhält. Dachziegeln und Ziegelsteine sind die Hauptzuschläge, welche in drei verschiedene Aggregatgrößen zerkleinert werden. Dadurch entstehen nicht nur Zuschläge, sondern auch Pigmente welche dem Zement neben gesprenkelten Oberflächen auch eine an die existierende Architektur angelehnte, flächendeckende Farbe verleiht. Entstanden sind im Endeffekt sechs verschiedene, homogene Betongemische – drei mit Zuschlägen aus dem Dachziegel und drei mit Zuschlägen aus dem Ziegelstein. Gemixt mit zwei verschiedenen Zementsorten ist ein heterogener Stein entstanden, dessen Nutzung ich in den kommenden Wochen nun erörtern werde.

Blogbeitrag März 2018

Es ist Ende März, ich sitze im Flugzeug von Ahmedabad über Dubai nach Hamburg. Im Frachtraum befinden sich 29kg Heimat, unglaubliche Eindrücke, Erinnerungen, ein Moskitonetz, eine Prise Zimt und einige Fundstücke, die mich die letzten fünf Monate begleitet oder gefunden haben. Meine Indienreise ist hiermit zu Ende. Die Zeit scheint in Indien schneller zu vergehen, besonders, wenn man Vollzeit arbeitet und in jeder freien Sekunde verreist. Ich bin sehr dankbar, dass mein Praktikum mir dazu die Möglichkeit gegeben hat.

Meine erste Reise führte mich nach Kerala in Südindien. Die Reise startete in Kovalam, es ging nach Varkalla an den Strand wo ich mein erstes Weihnachten fern von zuhause verbracht habe. Hier wurde auch Weihnachten zelebriert, allerdings mit viel Lametta und Kitsch. Danach ging es mit dem Zug nach Kollam, von wo ich mit einem Boot durch die Backwater bis nach Alappuzha gefahren bin. Anschließend begab ich mich auf eine lange Busreise hoch hinaus in die Berge von Munnar. Das erste Mal angenehme Temperaturen, frische Höhenluft und etwas Natur und Raum zum Atmen für mich. Hier habe ich die Flora und Fauna der Teeplantagen und Gewürzgärten erkundet und bin anschließend noch höher hinaus in den Nationalpark gewandert. Hier findet man gigantische Elefantenfußabdrücke, Stachelschweinstacheln und eine fantastische Aussicht mit frischem Wind um die Nase. Im Kontrast dazu und zum Abschluss meiner Reise verbrachte ich Silvester im Trubel von Cochin.

Im Januar ging es für einen Kurztrip mit dem Nachtbus nach Bhuj und von dort aus mit dem Motorrad in die Salzwüste von Kutch. Rann of Kutch ist ein zeitweise überfluteter Salzsumpf zwischen Indien und Pakistan, der im Winter zu einer Salzwüste austrocknet. In den kleinen Dörfern ringsherum werden traditionelle Handarbeiten verkauft.

Ende Januar reiste ich über Kota, (von hier stammt der in Indiens Architektur häufig verwendete Kotta Stein) nach Bundi in Rajasthan. Eine Stadt dessen Architektur von einem blauen Pigment durchzogen ist. Am Hang eines Hügels befindet sich Garh Palace mit zahlreichen Freskenmalereien des 17. bis 19. Jahrhunderts mit Themen aus der Mythologie sowie der Geschichte der Stadt und des Lebens am Hofe. Einige Bilder sind interessante Darstellungen der Architektur in Grundriss und Ansicht zugleich.

Im Februar besuchte ich Chandigarh, eine Planstadt die Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts nach den Plänen von Le Corbusier errichtet wurde. Die Stadt unterscheidet sich stark von dem Rest von Indien den ich bis dato kennen gelernt habe. Sie ist streng in Sektoren aufgeteilt, sauber und in dem geordneten Verkehr begegnen mir kaum Menschen. Ich besichtige, den Kapitol Komplex mit dem Justizpalast und der „offenen Hand“ Skulptur sowie die Art Gallery. Corbusier beschäftigt sich in seiner Architektur mit den dortigen Klimabedingungen. Der Tower of Shadow lässt er als eine Art Studie der Sonne errichten. Er schirmt die Sonne von allen Seiten und Tageszeiten ab, lässt aber dennoch genug Licht und Wärme ins Gebäude dringen, um eine offene Architektur in einem warmen Land generieren zu können. Diese ganze Stadt scheint sehr unwirklich, fast unheimlich, eher wie eine Zeitreise in die fünfziger Jahre.

Nächstes Reiseziel auf meiner Reiseliste war Indiens Hauptstart Delhi und anschließend das Taj Mahal in Agra. Ja es ist umwerfend, besonders aus der Ferne.

Zu guter Letzt ging es für mich an einen ganz besonderen Ort namens Varanasi, eine der ältesten Städte Indiens und der heiligsten Stadt des Hinduismus. Für die Hindus gilt es als Ritual sich im Ganges zu waschen, um sich von den Sünden zu befreien und nach ihrem Tod am Ufer verbrannt zu werden, damit die Asche in den Fluss gestreut werden kann.

Nach all den Moscheen, Tempeln, Stepwells und indischen Privathäusern, die ich besichtigen durfte, gab es ein ganz besonderes architektonisches Highlight direkt in Ahmedabad: Balkrishna Doshi gewinnt als erster Inder den Pritzker Preis für sein Lebenswerk. Der 90-jährige Architekt hat eng mit Le Corbusier und Louis Kahn zusammengearbeitet und ist für seinen sozialen Wohnungsbau bekannt.

Die Arbeit im 11. Stock von Mondeal Square bei Blocher Partners ist nach einigen Wochen zum Alltag geworden. Mit der Unterstützung von Chai und Reshma sowie der persischen Windhündin werden hier Malls, Privatresidenzen, Bürogebäude und Resorts im großen Stil geplant. Das alles passiert in enger Zusammenarbeit mit dem Partnerbüro in Stuttgart. Ich durfte bei einem Playschool Projekt das Interior Konzept ausarbeiten, einen Empfangstresen für das Goethe Institut in Kolkata entwerfen, einen Retail Store auf kleinstem Raum planen, Möbel, Material und Farbe für Privathäuser auswählen und Präsentationen für Kunden erstellen und präsentieren. Da moderne Wörter oder Fachtermini in Indien meist nur auf Englisch existieren, konnte ich auch Diskussionen oder Verhandlungen auf Hindi einigermaßen ihre Kernaussage abgewinnen. Größtenteils wurde im Büro aber sowieso Englisch gesprochen.

Der Abschied von meinen Kollegen, die zu engen Freunden geworden sind und all den Menschen die mich durch meinen wilden Alltag begleitet haben, fällt mir sehr schwer. Die Hilfsbereitschaft und Gastfreundschaft, die mir dort begegnet ist hat mich rund um die Uhr umsorgt. Ich habe mich kein einziges Mal alleine oder unwohl als allein reisende Frau in Indien gefühlt. Danke an die ganzen Familien, Freunde und Bekannte, bei denen ich unbekannterweise so herzlich aufgenommen wurde, um meine Reise durch Indien zu bestreiten. Ich habe noch nicht alles von Indien erkundet, die Menschen und den täglichen Wahnsinn auf den Straßen zu sehr ins Herz geschlossen – ich werde definitiv wiederkommen. Vielleicht um zu reisen, vielleicht um zu arbeiten oder um ein Thema für meine Master Thesis zu finden.

Zurück in Deutschland geht es auch gleich mit dem neuen Semester meines Masterstudiums an der Burg Giebichenstein los. Zum Auftakt und Warmup erarbeiten wir Variationen von Wandgestaltung, die ich mithilfe von Wandabwicklungen und Collagen visualisiere. Ziel des Semesters wird es sein ein Hotelzimmer im Airport Hotel bei Leipzig zu entwerfen.

Der “Studienpreis Konrad Wachsmann 2018“ wird in diesem Jahr bereits zum fünften Mal ausgelobt. Die vier Landesverbände des BDA Sachsen, Sachen-Anhalt, Thüringen und Brandenburg treten als gemeinsamer Auslober des Studienpreises auf.

Der Bund Deutscher Architekten ist der älteste und renommierteste Verband freiberuflich tätiger Architekten in Deutschland. Seine Mitglieder treten dafür ein, die Qualität des Planens und Bauens in Verantwortung gegenüber der Gesellschaft, der Geschichte und der Umwelt zu fördern, die Rahmenbedingungen für die Berufsausübung des Berufsstandes zu verbessern und das öffentliche Bewusstsein für gute Architektur und Stadtplanung zu stärken.

Qualitätsorientierung fängt an den Hochschulen an. Durch die Auslobung des Studienpreises möchten die vier mitteldeutschen BDA Landesverbände, Sachsen, Sachsen-Anhalt, Brandenburg und Thüringen besonders begabte Studierende dazu motivieren, ihre Leistungen einem breiten, öffentlichem Publikum zugänglich zu machen.

Teilnahmeberechtigt sind Studierende die an einer Hochschule, bzw. Universität in Sachsen, Sachsen-Anhalt, Thüringen oder Brandenburg in den Fachbereichen Architektur und Städtebau, einen Bachelor-, Master- oder Diplomabschluss erworben haben. Es können Abschlussarbeiten des WS 2017/ 2018 oder des SS 2018 eingereicht werden.Die Einreichung erfolgt auf eigene Initiative. Weitere Details zu den Teilnahmebedingungen finden Sie zum herunterladen auf den Homepages der vier auslobenden Landesverbände.


Die Jury
Kristina Bacht, Kuratorin AIT-ArchitekturSalons und Verlagsleiterin
Prof. Amandus Sattler, Allmann Sattler Wappner . Architekten GmbH
Dipl.-Ing. Oliver Stolzenberg Architekt BDA, Oliver Stolzenberg Architekten

Den vollständigen Auslobungstext sowie alle benötigten Unterlagen finden Sie auf den Webseiten der Landesverbände:

www.bda-sachsen.de
www.bda-thueringen.de
www.bda-sachsen-anhalt.de
www.bda-brandenburg.de

Der Einsendeschluss ist der 10. August 2018

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Mit dem „Interior Scholarship“ erhalten auch im Jahr 2018/2019 bis zu vier begabte Studierende der Innenarchitektur ein Jahr lang monatlich bis zu 1.000 Euro (Fördersumme gesamt: rund 24.000 Euro) zur Förderung ihrer akademischen Ausbildung. Möglich gemacht wird diese europaweite Initiative durch die finanzielle Unterstützung der Sto-Stiftung. Interessierte Studierende ab dem 4. Fachsemester, die in einer Hochschule in Europa immatrikuliert sind, können ihre Bewerbung bis zum 6. Juli 2018 einreichen.

Das Studium der Innenarchitektur oder vergleichbarer Studiengänge erfordert sehr viel Zeit und bringt einiges an Kosten mit sich. Oft ist es kaum möglich das benötigte Geld nebenher zu verdienen und so können sich die Studierenden nur selten mit ihrer ganzen Aufmerksamkeit und Energie ihrem Studium widmen. Das Stipendium möchte hier Freiräume schaffen und die Studierenden wirtschaftlich entlasten.

Für die Sto-Stiftung ist es eine wichtige Aufgabe, mithilfe finanzieller Mittel in die Ausbildung der jungen Generation und damit in die Zukunft unserer Gesellschaft zu investieren. Besonders das große Talent und vorbildliche Engagement der Studierenden möchte die Stiftung gemeinsam mit der Fachzeitschrift AIT unterstützen, um namhafte und experimentierfreudige Innenarchitekten hervor zu bringen und den Fortschrift und die Vielfalt der Innenarchitektur zu sichern.

Bewerbungsvoraussetzungen
Studierende der Innenarchitektur, sowie verwandter Studiengänge wie Szenografie, Spatial Design und Raumstrategien ab dem 4. Fachsemester. BewerberInnen müssen bis Juni 2019 an einer Hochschule immatrikuliert sein, um eine Förderung zu erhalten.

Auslobungsgebiet:
Europa

Termine
Auslobungsphase: 15. März – 20. Juni 2018
Bewerbungsschluss: 6. Juli 2018
Termin Jurysitzung: 13. Juli 2018
Förderzeitraum: Juli 2018 – Juni 2019

Zwei Jahre nach meinem Bachelorabschluss in Architektur und Stadtplanung an der Universität Stuttgart, habe ich im September 2017 den Master in Spatial Design an der Royal Danish Academy of Fine Arts in Kopenhagen begonnen. Die Möglichkeit sich als Design-, Innenarchitektur- oder Architekturabsolvent für diesen Master zu bewerben, schafft ein interessantes Fundament für zukünftige Kollaborationen zwischen Studenten mit unterschiedlichen Herkünften und Hintergründen. Das Bestreben des Programms voneinander zu lernen, zu kollaborieren und von den unterschiedlichen Hintergründen zu profitieren, wurde nach den ersten Veranstaltungen deutlich und ist nach wie vor der rote Faden, der sich bis heute durch das Programm zieht. Gruppenarbeiten werden so organisiert, dass jeweils eine gesunde Mischung aus Designern und Architekten sowie dänischen und internationalen Studenten besteht: Dies führt immer wieder zu interessanten Diskussionen und unerwarteten Ansätzen.

Das Semester fing mit einem zweiwöchigen Workshop mit dem Titel Ingestion an. Organisiert vom Institut für Architektur und Design, dienten die zwei Wochen vor allem der Orientierung sowie dem Kennenlernen und standen, wie schon die Einführungsveranstaltungen, unter dem Thema der Kollaboration. Masterstudenten der Programme Fashion-, Textile-, Ceramic-, Furniture- und Spatial-Design wurden in Zehnergruppen aufgeteilt und hatten die Aufgabe in diesen zwei Wochen ein Manifest zum Thema Ingestion zu entwerfen. Im Allgemeinen bedeutet Ingestion die Einnahme einer Substanz durch einen Organismus – ein sehr umfangreiches Thema, das zu anregenden, aber auch anstrengenden Diskussionen in unserer Gruppe führte. Eine einstimmige Entscheidung bezüglich eines Themas zu treffen, ist in einer Zehnergruppe gar nicht so einfach – schon gar nicht, wenn alle Mitglieder aus unterschiedlichen Sparten und Kulturen mit unterschiedlichen Ansichten kommen. Nach anderthalb Wochen, geprägt von langen Diskussionen, Annährungen und schlussendlich einem finalen Konzept bei dem sich alle einig waren, hatten wir noch drei Tage Zeit für die Umsetzung.

Die Idee war, einen Raum zu entwerfen, der sich mit unseren fünf Sinnen und deren Aufnahme auseinandersetzt. Letztendlich ist eine Installation entstanden, die einen Gradienten zwischen zwei Extremen manifestiert: Informationsüberfluss und Informationsmangel. Jeder einzelne Sinn wird beim Betreten der Installation überstimuliert und ruft unterschiedliche, meist unangenehme Emotionen hervor. Beim Durchlaufen der Installation verändert sich die Informationszufuhr bis hin zur totalen Informationsleere. Die Idee der beiden Extreme kann individuell interpretiert werden, soll jedoch ein gewisses Bewusstsein bezüglich unserer fünf Sinne schaffen und aufzeigen, wie eng Emotionen über die räumliche Wahrnehmung erzeugt und geleitet werden können.

Der Workshop bestand aus insgesamt zehn Zehnergruppen und bestach am Ende vor allem durch die unterschiedlichen Ansätze und Umsetzungen der Teams. Von Installationen, über interaktive Ausstellungen zum Thema Ingestion, bis hin zu gemeinschaftlichen Ess-Zeremonien wurde das Thema ausgereizt und umfangreich durchleuchtet. Der Workshop war ein interessanter Start in den Master an der Royal Danish Academy of Fine Arts und verdeutlichte das Potenzial von Kollaboration, auch wenn das Auseinandersetzen mit unterschiedlichen Charakteren nicht immer einfach ist.

Neben drei weiteren fünftägigen Workshops mit den Themen Tektonik, Geschichte und Anthropologie steht in diesem Semester vor allem der Entwurf im Vordergrund. Begleitet wird die Entwurfsarbeit von einem wöchentlichen Seminar, in dem wir theoretische Texte in Bezug auf Architektur, angelehnt an die drei Workshops Tektonik, Geschichte und Anthropologie diskutieren. Die Arbeit an den Entwürfen ist ziemlich frei und keineswegs mit den Entwurfsaufgaben aus meinem Bachelorstudium zu vergleichen.

Ohne eine wirkliche Aufgabenstellung haben wir uns in den ersten Wochen mit unterschiedlichen Gebieten in Kopenhagen auseinandergesetzt. Das Resultat waren Fotografien, Skizzen, Gespräche mit Anwohnern sowie Recherchen in Bezug auf die geschichtliche Entwicklung. Wir arbeiteten in Fünfergruppen an Zeichnungen und schufen so gemeinsam eine handgezeichnete Karte des Gebiets im Maßstab 1:500. Diese Karte repräsentiert unsere Interessensgebiete und dient nun als Anhaltspunkt für weitere, individuelle Recherchen.

Die letzen zwei Wochen haben wir damit verbracht, die gesammelten Informationen individuell zu bündeln und anhand dieser ein Programm zu schreiben, das nun unsere Designaufgabe beschreibt. Anstelle eines vorformulierten Problems haben wir uns mit einem Kontext beschäftigt und uns unsere Designaufgabe dadurch selbst erarbeitet. Das geschriebene Programm dient nun als Anhaltspunkt und Aufgabenstellung für die Abgabe im Januar.

Im Laufe der Zeit ist architektonischer Raum unweigerlich mit Veränderungen konfrontiert: Ideologienwandel, demografische Veränderungen und somit eine unumgängliche Reorganisation der Gesellschaft und der Nutzung von Raum. Das Gebiet um den Kopenhagener Assistenzfriedhof, Assistent Kirkegård in Nørrebro, ist ein interessantes Beispiel für Veränderungen im städtischen Kontext. Unter dem Druck der Gesellschaft wurden viele Räume in diesem Gebiet neu definiert und an aktuelle Lebensstile und moderne Ideologien angepasst. Kirchen wie Hellig Kors Kirke, Brorsons Kirke und Blågårds Kirke haben ihre Funktion entweder völlig verändert oder versuchen sich an das moderne Leben anzupassen. Nun finden in diesen (ehemals) religiösen Räumen nicht nur Messen, sondern auch Konzerte oder kulturelle Events statt; einige bieten sogar Übernachtungsmöglichkeiten.

Diese Neudefinition von architektonischen Raum unter dem Druck gesellschaftlicher Veränderungen ist ein spannender Prozess, den ich im Rahmen meines Entwurfs weiter untersuchen möchte.

Dabei rücken folgende Fragen in den Vordergrund:

1. Was passiert mit architektonischem Raum, der aufgrund langwieriger Veränderungen in der Gesellschaft nicht mehr zeitgemäß ist?

2. Schränken diese nicht mehr zeitgemäßen Räume moderne Lebensstile eher ein, als dass sie sie unterstützen?

3. Darf man historischen Raum verändern und an die entstandenen Umstände anpassen, obwohl dieser vielleicht einen hohen historischen Wert hat?

4. Wenn ja, wie geht man als Architekt oder Designer mit dieser historischen Baulast um? Kann man historische Artefakte ändern, ohne dass sie ihre Bedeutung und ihren Status verlieren?

Mithilfe dieser Fragen beschäftige ich mich nun mit der Mauer, die den Assistenzfriedhof, Assistent Kirkegård in Nørrebro, einschließt. Interessanterweise hat sich im Laufe der Zeit die Funktion der Mauer erweitert: So schirmt sie nicht nur den Friedhof vom Rest der Stadt ab, sondern wird als Kommunikationsmittel und Präsentationswand für Flohmärkte und politische Gruppierungen genutzt, dient als Orientierungspunkt und in manchen Bereichen innerhalb des Friedhofs als tragendes Element für Grabsteine. Diese Anpassungen sowie die städtebauliche Planung ein Drittel des Friedhofs in einen Park umzuplanen, lassen es zu, den Status der Mauer zu hinterfragen. In Anbetracht der Veränderungen unter dem Druck der gesellschaftlichen Entwicklung, sieht es das Projekt vor, historische Artefakte anzupassen und dadurch urbane Entwicklungen und moderne Lebensstile zu unterstützen – ohne die historische Bedeutung und einstige Funktion der Mauer zu verlieren. Das Projekt wird sich mit der Möglichkeit der Anpassung der Mauer an ihre heutigen Funktionen beschäftigen. Da ich mich momentan noch am Anfang des Entwurfs befinde, kann ich relativ wenig zu den ersten Überlegungen schreiben, werde Anfang Januar aber sicher mehr zu berichten haben …

Of all the professional experiences I had this year, the most intense adventure was participating in the Climathon. This worldwide 24-hour competition, located in “The Green Village” of the Technical University of Delft and organized by Climate-KIC, revolved around finding solutions for the climate. Motivated students, professionals and teachers, coming from various backgrounds, gathered to find solutions for the future. This year, the Netherlands, one participants among more than 100 other countries, had the task to work on the theme of Energy. Teams were formed and assigned specific existing spaces. Thus, I ended up working in a team all night long, finding and developing smart energy efficiency solutions for the Aula conference building located on the TU Delft campus, designed by the Dutch team Van Den Broek and Bakema in the style of brutalist architecture. During these 24 hours, all our energy went into analysing, exchanging, drawing, erasing, modelling, writing… – along the way, being coached by professionals and teachers – to finally present our project in front of a high-level expert jury. The 5 projects developed by the 40 participants were very diverse and promising. My team ended up winning the competition with our project NICHE (Non-Invasive Central Heat Exchange)! The next step is to pitch the project on upcoming events in January and to get help from professors of the Technical University of Delft to further develop the project. What made the competition so special was the fact that we had to race against time. This had a direct influence on our working method. We divided the tasks and assigned parts to team members based on each person’s competence and communication efficiency. We had to be clear and critical in the process and eventually be convincing and stay sharp during the final 3-minute presentation.

Academy Royal of Art, Den Haag
The Duke Elligton ‘Nutcracker Suite’ project
Beginning of September, the school commissioned us to design the scenography for the Nutcracker Suite that would be enacted by the Royal Conservatory in The Hague at the end of December. This was to be a Jazz version of the famous ballet originally composed by Tchaikovsky, that would bring together musicians, dancers, costumes, decors, light, and projections… A real challenge in terms of coordination. Thus, as a crossover of disciplines, the French choreographer Karine Guizzo came to the school one day to see our design process and be able to start thinking of a possible choreography which would illustrate the
story of the Nutcracker. Meeting her happened to be an unexpected moment because we both realized that we knew each other
from the time I was studying at the dance conservatory in Annecy, France. It was such a surprise and after some exchange, she asks me if I would be willing to be one of the dancers. I did not have to think about it twice. Of course, I was entrapped. Enthusiastic, I was back in the dance studios after a 4-year break. Few hours per day, we started exploring how forms and movements arose from objects and bodies, how it is possible to shape body movements into sculptural position and composition.
Most of the time, we were working on improvisation with music to let the body speak for itself. It was difficult at first, not to improvise, but to lose the ballet technique my body still remembered. In the same way as we cannot unlearn riding a bike, it sticks to you forever.

French sociologist Marcel Mauss used to say that “everything in us is under command”. This is how I felt at that moment. I was locked in the technique I had learnt. This is how, as a reaction to it, I naturally started working with my eyes closed. This became a tool to help me reconnect with the space inside me, be more attentive to the notion of weight, more sensitive with the
contact of the ground, and finally find a language of movement suiting the music. We also focused on how the body moves along the scene in correlation with the musicians and the decor. In the process, the Russian costume had also played an important role. The idea was to create a kind of architectural body with different pieces that would come together, an assembling of objects decorated with Russian graphic design patterns from the 1930s. The interesting part in the costume making was that we were creating the forms, objects, costumes, and the choreography simultaneously, shaping one according to the other and vice versa. For instance, in the dance studio, these objects were restricting my movements but also offered me new possibilities. A kind of new extension of my body that had an influence on my balance, speed, visibility, spatial projection, and interaction with my partner, the other dancer. In the end, the performance was a real success and the choreographer asked me to dance again twice, for different productions at the end of December. Finally, I noticed that I can no longer dissociate movement from my identity. Working with my body has become a way to explore myself, a tool for me to design space and forms. This assignment has been a unique chance to connect with my background, and I want to continue in this direction. For this reason, I will soon be attending a workshop about movement and objects in space in Berlin. More than ever I feel the urge to continue exploring surface, body and space.

Die Zeit vergeht gefühlt wie im Flug – und auf einmal ist 2018. Ein paar Tage nach meinem vorherigen Blogeintrag hatten wir unsere letzte Zwischenpräsentation und wieder einmal waren wir größtenteils damit beschäftigt, die Arbeit der letzten Monate zusammenzustellen und präsentationsfähig zu machen. Es ist interessant zu sehen wie unproduktiv man sich fühlt, wenn man immer wieder aufgehalten wird, um Ideen und gesammelte Informationen für den Moment zu präsentieren. Nichtsdestotrotz lief die Präsentation gut und wenn ich drüber nachdenke, war es vielleicht gar nicht so schlecht, die Arbeit der letzten Monate noch mal zusammenzufassen. Die nach der Präsentation aufkeimende Entwurfs-Euphorie wurde jedoch durch einen im Semesterplan integrierten Workshop unterbrochen. Wie im letzten Blogeintrag erwähnt, bearbeiten wir eine semesterübergreifende Entwurfsaufgabe, die von drei fünftägigen Workshops mit den Themen Tektonik, Geschichte und Anthropologie begleitet wird. Nachdem wir in den vergangenen Monaten die Workshops in Geschichte und Anthropologie absolviert hatten, wartete nun der Tektonik Workshop auf uns. Im folgenden Beitrag möchte ich etwas detaillierter auf diesen Workshop eingehen und einen kleinen Einblick in die dort gemachten Erfahrungen geben.

Das Thema des Workshops war das Architekturmodell, die Definition unter Architekten und die damit zusammenhängende Funktionen im Entwurfsprozess. Nach ein paar Vorträgen zum Thema Modellbau wurden wir mit der Aufgabe betraut ein Haus mit nicht mehr als 25 Quadratmetern zu entwerfen. Der Knackpunkt war jedoch, dass wir diese Entwurfsarbeit nur anhand von Modellen angehen sollten. Zeichnungen, wie Grundrisse, Schnitte und Ansichten sollten vermieden werden und galten auch später nicht als Abgabeleistung. Vielmehr sollten die Konzentration auf das Entwerfen im dreidimensionalen Raum und der Prozess im Vordergrund stehen. Ein gar nicht so einfaches Unterfangen, wenn man es doch gewohnt ist, seine ersten Ideen zu skizzieren und zu zeichnen.

Anstatt also zu zeichnen, fingen wir an zu bauen. Es ist erstaunlich wie anders es ist, anhand von Modellen zu entwerfen und wie inspirierend kleinste Modelle im Vergleich zu anfänglichen Skizzen sind. Wir fingen an uns mit jedem Raum einzeln und unabhängig von seinen Nachbarräumen zu befassen, um erstmals die individuellen Bedürfnisse der einzelnen Funktionen und Räume in kleinen Modellen festzuhalten. Gebaut wurde in 1:20 Modellen – ein ziemlich angenehmer Maßstab für ein 25 Quadratmeter großes Haus. Pro Tag setzten wir uns gewisse Etappenziele und fingen am zweiten Tag an, die einzelnen Räume mit ihren individuellen Formen zusammenzufügen und dabei kleinere Anpassungen vorzunehmen. Im Endeffekt passten wir abwechselnd immer wieder die Parameter Orientierung, Öffnungen, Größe und Höhe an, um letztendlich eine finale Komposition zu erhalten. Bei all den Anpassungen lag der Fokus jedoch immer auf der innenräumlichen Wirkung und nicht auf dem äußeren skulpturalen Erscheinungsbild, wie es wahrscheinlich in meinem Bachelorstudium der Fall gewesen wäre.

Es ist interessant wie mir während meiner Zeit hier in Kopenhagen immer wieder bewusst wird, wie sehr sich doch der Blickwinkel im Vergleich zu dem Bachelorstudiengang in Stuttgart geändert hat. Natürlich spielt auch hier der Kontext eine große Rolle, doch geht es vor allem immer wieder um den Menschen, das Innere und den genutzten Raum. Atmosphäre, Sinneswahrnehmungen und das Entwerfen aus dem Innenraum heraus sind treibende Faktoren, nicht nur in der in der Praxis, sondern auch in den Seminaren und Diskussionsrunden außerhalb des Studios. Doch zurück zum Workshop: Letztendlich haben wir in den fünf Tagen eine aus individuell gestalteten Räumen bestehende Skulptur entworfen und uns so erstmals mit dem erwünschten Entwurfsprozess für die Masterarbeit auseinandergesetzt.

Momentan befinde ich mich im Endspurt meiner Projektarbeit und bin eine Woche von der letzten Präsentation entfernt. Der vergangene Workshop, anfänglich als Euphorie-Blockade eingeschätzter Zeitvertreib, trägt nun jedoch seine Früchte und war alles andere als eine unnütze Woche.

Aus der zweiten Phase des TILE AWARD 2017 gehen drei Gewinner hervor

In der zweiten Jurysitzung, die am 19. Januar 2018 im AIT- ArchitekturSalon Hamburg stattfand, wählten die Jurymitglieder Brendan MacFarlane (Jakob + MacFarlane, FR-Paris), Johan Oscarson (Elding Oscarson, SE-Stockholm), Michael Stoz (Partner AG, DE-Offenburg) und Christian Waldner (AllesWirdGut Architektur ZT GmbH, AT-Wien/DE- München) die drei aussagekräftigsten Entwürfe als Gewinner des vierten TILE AWARDS aus.

Preisträger

Avishkar Bharati, JDAP Design – Architecture – Planning, IN-Mumbai “Transmittance-Colour curtain”

Andreas Crynen, Dipl. Ing. Architekt, DE-Mönchengladbach “RE:TILE”

Agnes Morguet, Agnes Morguet Innenarchitektur & Design, DE-Köln “Stay Unique”

Die Designs der drei Gewinner werden als Mock-up 1:1 gebaut und in einem professionellen Fotoshooting dokumentiert.

Zum TILE AWARD 2017 wurden insgesamt 63 Projekte aus 20 Ländern eingereicht. Aufgabenstellung war es, zum Thema „Farbe und Patterns in der Architektur“ einen Raum innovativ und kreativ durch die Verwendung von Fliesen neu zu gestalten und somit die vielfältigen Einsatzmöglichkeiten des Materials aufzuzeigen. Die Jury selektierte im ersten Durchgang neun aufsehenerregende Interpretationen zum Thema. Diese wurden im September 2017 auf einer Workshopreise in Island weiterentwickelt und für eine mögliche Realisierung detailliert ausgearbeitet. Vor Ort waren auch Experten von AGROB BUCHTAL, die beratend zur Seite standen.

Seit 2010 lobt AGROB BUCHTAL in Zusammenarbeit mit AIT-Dialog den internationalen Newcomer Wettbewerb TILE AWARD aus, zu dem Architekten und Innenarchitekten unter 38 Jahren aufgerufen werden, kreative Ideen zum Material Keramikfliese zu entwickeln. In einer Sonderbroschüre von AGROB BUCHTAL werden die neun besten Ideen zum Wettbewerb vorgestellt.

Weitere Informationen finden Sie unter:
www.tile-award.com

Pressekontakt:
Anuschka Kossak
Gesellschaft für Knowhow-Transfer in Architektur und Bauwesen mbH
Bei den Mühren 70 | 20457 Hamburg
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Fax: +49 (0)40 / 70 70 898-20
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