In Zeiten von Kontaktverbot, eingeschränkten Unterhaltungsmöglichkeiten und Verunsicherung suchen die Menschen nach Alternativen und Bekanntem. Fast vergessen geglaubte architektonische Relikte erleben dabei einen Aufschwung: Autokinos und Drive-Ins, deren Blütezeit die 1950er-Jahre waren, werden vielerorts neu eröffnet oder wiederbelebt – und erfreuen sich großer Beliebtheit. Auch Apotheken, Baumärkte, Banken oder sogar Reinigungen werden bereits mit Drive-In-Möglichkeit angeboten. Es scheint, als seien diese bisherigen Raritäten in Zeiten wie diesen eine Art architektonische Wunderwaffe, um die herum sich eine neue Form der Architektur entwickeln könnte. Doch wie sind solche Angebote mit der sich verändernden Mobilität und der Entwicklung hin zur autofreien Stadt vereinbar? Wie können Drive-Ins Teil des urbanen Raums werden und das soziale Miteinander stärken, ohne durch die eigene Funktionsweise die Isolation des Individuums zu fördern? Handelt es sich nur um ein temporäres Phänomen oder ist es ein Trend, der sich etablieren und aus dem heraus sich eine neue Typologie entwickeln wird?

Diese Entwicklungen der Drive-Ins mit aktuell oft eher provisorischem Charakter, aus einem alternativlosen Pragmatismus entstanden, möchten wir in Zusammenhang mit Fragestellungen rund um Mobilitätskonzepte, soziales Miteinander und öffentlichen Raum in einer Ausstellung ausarbeiten, die Ende des Jahres im AIT-ArchitekturSalon München und im Anschluss in Hamburg zu sehen ist.

Gegenwärtig können wir die Wiederbelebung und Neueröffnung von Autokinos erleben. 1933 als „Drive-In Theatre“ in den USA entstanden, wurde das Autokino im Laufe der Jahre immer beliebter, bis es 1960 fast 5.000 solcher Freiluftkinos in Amerika gab. Das erste Autokino Europas eröffnete ebenfalls 1960 unweit von Frankfurt am Main in Gravenbruch. Wirklich durchsetzen konnte es sich hier allerdings nicht und auch in den USA gibt es heute gerade noch etwa 350 solcher Kinos.

In der aktuellen Coronazeit allerdings erleben die Autokinos einen Aufschwung: In Mönchengladbach und Offenburg beispielsweise haben erst kürzlich drei dieser Kinos eröffnet und in Köln Porz und Düsseldorf gab die Mundartband Brings sogar Konzerte vor ausverkauftem Parkplatz.

Welche Auswirkungen haben Drive-Ins auf die Infrastruktur und wo liegen die Grenzen?

Im englischen Sprachgebrauch werden Autokinos als Drive-Ins bezeichnet, ebenso wie Schnellrestaurants, in denen die Gäste im parkenden Auto bedient werden. Bei uns verstehen wir darunter eher jene Dienstleistungen, die wir im Vorbeifahren konsumieren können, wie beispielsweise  eine Bestellung in einem Fast-Food-Restaurant. Sowohl bei dem einen als auch dem anderen ist der Kontakt zwischen den Menschen so gut wie nicht vorhanden, was es besonders in aktuellen Zeiten attraktiv werden lässt. Von daher ist es wenig verwunderlich, dass es bereits Apotheken, Baumärkte, Banken oder auch Reinigungen mit Drive-In-Möglichkeit gibt. Und tatsächlich erscheinen diese bisherigen Raritäten in Zeiten wie diesen als architektonische Wunderwaffe, um die herum sich eine neue Form der Architektur entwickeln könnte. Allerdings stellt sich die Frage, bei welchen Geschäften und Dienstleistungen ein Drive-In-Bereich überhaupt möglich ist und welche Auswirkungen er auf die Infrastruktur hätte. Wo liegen die Grenzen? Wie sind solche Angebote mit der sich verändernden Mobilität und der Entwicklung hin zur autofreien Stadt vereinbar und wie könnten beispielsweise E-Mobile oder Fahrräder integriert werden? Wie können Drive-Ins Teil des urbanen Raums werden und das soziale Miteinander stärken, ohne durch die eigene Funktionsweise die Isolation des Individuums zu fördern?

Urbanität und die Rückerorberung der Stadt

Dabei sollte das große Ziel einer Mobilitätswende nicht aus den Augen verloren werden. Und tatsächlich erleben wir in den Zeiten der Corona-Beschränkungen auch ein zweites Revival: das des Fahrrads. Seit der Wiedereröffnung der Geschäfte bilden sich tagtäglich lange Schlangen an den Fahrradläden. In diesem vielerorts ziemlich sonnigen Frühjahr entdecken viele also das Fahrradfahren neu und sind damit auch Teil einer “Rückerorberung der Stadt”. Im Herbst 2019 präsentierten die AIT-ArchitekturSalons mit viel Erfolg die vom DAM konzipierte Ausstellung “Fahr Rad! Die Rückerorberung der Stadt”. Hier zeigten die gezeigten internationalen Projekte, was Urbanität und Mobilität auch bedeuten können:

Der öffentliche Raum und damit der Straßenraum soll zur Nutzung für Alle neu geordnet und seine Flächen so verteilt werden, dass eine sichere, bequeme und ausgewogene Mobilität für alle Menschen, die unterwegs sind, möglich wird. Dies sollte im Einklang entstehen mit Grünräumen und einer Architektur, die sich zu städtebaulichen Ensembles zusammenfügt. Die Ausstellung dokumentierte, wie eine Stadtentwicklung aussehen kann, die in Zukunft noch mehr Menschen auf das Rad lockt – und wirbt mit Projekten aus aller Welt für diese sanfte Rückeroberung der Stadt. Und sie zeigte, wie der Weg zu einer nachhaltigen und sozialen Stadt auch über die Planung für eine fahrrad-gerechte Stadt führen kann.

Schnell wird klar, dass Drive-Ins alleine nicht bewertet werden können, auch wenn sie in der aktuellen Zeit Sinn zu machen scheinen. Die gesamte Entwicklung muss kritisch betrachtet werden. Handelt es sich nur um ein temporäres Phänomen oder ist es ein Trend, der sich etablieren und aus dem heraus sich eine neue Typologie entwickeln wird? Dabei geht es nicht allein um die Drive-Ins, sondern um ein Zusammenspiel einer sich verändernden Mobilität in Zeiten von Kontaktsperre und Klimawandel. Ein Beispiel ist dabei die Neuerfindung der Raststätten, die aufgrund der langen Ladezeiten für E-Autos den Fahrern neue Angebote und eine verbesserte Aufenthaltsqualität bieten müssen. Es geht um das Neudenken von innerstädtischen Shoppingcentern, Bibliotheken oder auch Banken und aktuell um solche temporären Erscheinungen wie Corona-Teststationen und ähnliches.

Für die Ausstellung suchen wir gelungene Realisierungen und Konzepte von Drive-In-Angeboten, aber auch Visionen und Zukunftsideen. Wenn Sie in diesem Zusammenhang etwas gesehen oder sogar selbst entworfen haben, schicken Sie uns gerne Informationen zum entsprechenden Projekt an ait-dialog@ait-online.de.

 

Einen Beitrag über neue Formen der Gastronomie in Zeiten von Corona finden Sie hier

 

 

AIT-Dialog/Curators

Anschluss gesucht
Olaf Bahner und Matthias Böttger
Jetzt muss es ganz schnell gehen: Wohnungen sollen zügig und in großer Zahl gebaut werden. Und zu erschwinglichen Mieten. Mehr Wohnraum und bezahlbar für alle – eine durchaus berechtigte Forderung. Doch lässt sich die mit gesellschaftlicher Wucht gestellte Wohnungsfrage allein mit einem forcierten Neubau lösen oder liegen die Probleme für den aktuellen Wohnungsbau weitaus tiefer?
Die viel beschworene „Renaissance der Stadt“, die einst so schön gedacht war, hat maßgeblich zur Verteuerung des Wohnens beigetragen: Einkommensstarke Schichten, die zuvor in suburbanen Lagen wohnten, sollten wieder in die Innenstädte ziehen. Und sie kamen tatsächlich – mit ihnen dynamisierte sich die räumliche und preisliche „Aufwertung“ der Innenstädte. Das attraktive Bild vitaler Innenstädte mit dem prosperierenden Segment der Eigentumswohnung – sei es nun in den hochpreisigen Townhouses oder in der selbstverwirklichten Baugruppe – darf nicht verdecken, dass dadurch die gewaltige Nachfrage für preisgünstiges Wohnen nicht befriedigt wird. Im Gegenteil: Städte verlieren durch Sanierung und Aufwertung stetig bezahlbaren Wohnraum. Doch nicht nur Mietpreise stiegen, sondern auch die Bodenpreise, die das Wohnen weiter verteuern.

Aufgrund der zunehmenden Ungleichverteilung von Einkommen und Vermögen fällt es selbst der Mittelschicht zunehmend schwer, sich Wohnraum in diesen Städten zu leisten. Immer mehr Dienstleister und Angestellte sind zum täglichen Pendeln zwischen Arbeits- und Wohnort gezwungen, Rentner und Migranten werden aus ihren Stadtteilen verdrängt. Verschärft hat diese Situation die von vielen Kommunen sukzessive aufgekündigte soziale Wohnversorgung.

Für eine Antwort auf die Frage, warum sich Wohnen verteuert, lohnt aber auch ein Blick auf den Wohnflächenbedarf: 1991 reichten nach Angabe des Statistischen Bundesamtes noch durchschnittlich 34,9 Quadratmeter Wohnfläche pro Person, 2002 waren es erstmals 40 Quadratmeter und bis 2014 steigert sich der Schnitt auf 46,5 Quadratmeter. Das Bundesamt für Bauwesen und Raumordnung prognostiziert, dass sich dieser Trend fortsetzt und der „Durchschnittsbürger“ 2030 auf 50,1 Quadratmeter im Eigentum und auf 48,5 Quadratmeter im Mietbereich wohnt.

Größer zu wohnen bedeutet auch, teurer zu wohnen. Doch erweist sich die Notwendigkeit einer Wohnung oder eines Hauses in der XXL-Version oft als Trugschluss. Geplant für die Maximalbelegung – eine Familie mit zwei Kindern –, gestalten sich individuelle „Flächenbiografien“ meist ganz anders. Die Kernfamilie lebt, gemessen an der Lebenserwartung, nur einen relativ kurzen Zeitraum in der gemeinsamen Wohnung. Hinzu kommt die Vielfalt heutiger Lebensbeziehungen, denen in verschiedenen Lebensphasen flexibles Wohnen stärker gerecht werden muss.

Soll Wohnungsbau wieder als sozial- und stadtentwicklungspolitisches Instrument eingesetzt werden, brauchen wir ein politisches Umsteuern, das ein öffentliches Engagement für Wohnen entfacht. Fast noch wichtiger als das politische Umsteuern ist der Mut zu einem Perspektivenwechsel, um auch im Wohnungsbau den Anschluss an eine sich wandelnde Gesellschaft zu schaffen: In welchem Verständnis, mit welcher Haltung soll das gewaltige Volumen an neuen Wohnungen gebaut werden? Weiter so wie bisher – in den klassischen Wohntypologien „Single“ und „Kleinfamilie“? Und in der Vielfalt eingeschränkt durch technische Standards wie DIN-Normen und EU-Richtlinien, durch Verordnungen und Auflagen, die Wohnen auf den Schutz vor Klima, Brand und Lärm reduzieren?

Es scheint sinnvoll, die „Komfortzone des Gewohnten“ zu verlassen und Wohnen im Kontext einer sich verändernden Gesellschaft neu zu denken. Damit verbunden ist ein Wandel von quantitativen technischen Standards, die über Minimalvorgaben eine Tendenz zu standardisierten Wohnungen bewirken, zu neuen Standards, die den Menschen mit seinen Lebensgewohnheiten in den Mittelpunkt stellen und Qualitäten des Wohnens beschreiben. Sicher ist das Abarbeiten konkreter technischer Standards, zudem staatlich geprüft und bescheinigt, leichter. Doch die Realität ist eine andere – und für diese gilt es, Wohnungen zu bauen.

Im Rahmen des vom Bundesministerium für Umwelt, Naturschutz, Bau und Reaktorsicherheit ins Leben gerufenen Bündnisses für bezahlbares Wohnen und Bauen hat der Bund Deutscher Architekten BDA die Chance erhalten, Qualitäten des Wohnens aus Sicht von Architektinnen und Architekten neu zu formulieren. Dazu wurden zehn Architektinnen und Architekten aus dem deutschsprachigen Raum, die durch innovative Wohnbauten in unterschiedlichen Maßstäben bekannt geworden sind, eingeladen, einen aus dem persönlichen Erfahrungshintergrund relevanten „Neuen Standard“ für den Wohnungsbau zu formulieren. In mehreren Workshops sind dabei zehn individuelle, durchaus subjektive und manchmal widersprüchliche Thesen entstanden, die die Berechenbarkeit technischer Standards gegen die Chance auf ein Nachdenken über zukunftsweisendes Wohnen eintauschen.

Zehn Thesen

AIT-Dialog arbeitet an einem Wanderbuch, in dem Architektinnen und Architekten ihre Erinnerungen in Form von Skizzen festhalten und erforscht damit das Verhältnis der Baukultur zur Erinnerung. In der Architektur ist die Erinnerung ein Anker- und Ausgangspunkt für neue, innovative Ideen. Was sind die Referenzen, welche die gegenwärtige Arbeit beeinflussen, welches Gebäude hat die eigene architektonische Haltung stark beeinflusst und inspiriert immer wieder? Mit diesen Fragen sehen sich Architekten immer wieder in ihrem Schaffensprozess konfrontiert. Das neu konzipierte Wanderbuch soll Fragen wie diesen nachgehen.

Neben dem Spiegelbild des individuellen Gedächtnisses, kommt der Architektur auf mehreren Ebenen die Rolle der Bewahrung und des Ausdrucks von globalen und kollektiven Erinnerungen zu. Im Kontext historischer Ereignisse spielt die Architektur für die Erinnerungskultur eine bedeutende Rolle – sei es als Ort, in dem sich Geschichte manifestiert oder als Denkmal, das an Vergangenes erinnert. Ansätze, die Historie am Leben zu erhalten, gibt es in der Architektur unterschiedliche. So legt Denkmalschutz den Schwerpunkt darauf, historische Bauten aller Epochen zu bewahren, indem der Bestand erhalten und gepflegt wird. Die Rekonstruktion wiederum geht dem Wunsch nach, Vergangenes wieder zu beleben und Vertrautes zu erschaffen.

Was aber, wenn ein Gebäude mit negativen Erinnerungen behaftet ist? Ist ein Abriss oder die vollständige Überformung die Lösung? In seinem Beitrag zum Thema “Bauen und Erinnern” hat sich Dominik Reding dieser Fragestellung angenähert und sich bei der Auseinandersetzung gefragt: “Hat ein Haus eine Seele?”, “Kann es das geben, eine gebaute Architektur, die aufsaugt, was in ihren Wänden geschieht?”. Dass die Architektur auch einen anderen Weg gehen kann, zeigt er an einem aktuellen Beispiel – dem Umbau von Hitlers Geburtshaus in Braunau am Inn in eine Polizeiwache, für das das Vorarlberger Büro Marte.Marte den Wettbewerb gewonnen hat.

 

Das böse Haus am Inn

von Dominik Reding

Der Ort der Erinnerung schien friedvoll. Ein schmuckes, denkmalgeschütztes Altstadthaus, nah bei der Kirche, nah am Fluss, noch aus dem Mittelalter stammend und im Biedermeier freundlich aufgehübscht. Es sollte abgerissen werden. Nicht weil es für eine Straße im Weg stand oder der Schwamm im Dachstuhl nistete – nein, wegen einem ehemaligen Bewohner. „Damit die ekligen Aufmärsche davor aufhören“, erklärte der zuständige Minister.

Hat ein Haus eine Seele? Bauhäusler Gropius hätte empört den Kopf geschüttelt, Monsieur Le Corbusier es vielleicht zumindest für möglich gehalten und Prof. Schmitthenner aus Stuttgart eifrig genickt. Aber, unter uns, kann es das geben, eine gebaute Architektur, die aufsaugt, was in ihren Wänden geschieht? In deren Mauerritzen sich absetzt, was dort geredet, gelacht, gestöhnt, in dessen Bodendielen tropft, was dort geschwitzt, geblutet, geweint wurde? Und es dann behält, wie die Hirnzellen die Erinnerung, ganz gleich, ob sie schön oder schrecklich sind. Wo Bewohner und Bewohntes am Ende eins werden, untrennbar. Das mag etwas anrüchig, etwas esoterisch, konstruiert, gar pseudo-religiös klingen, aber gäbe es sonst die Geschichten vom „Haunted House“, vom „Poltergeist“, vom „verzauberten Garten“, vom „Genius Loci “?

Die Bürger des Römischen Imperiums waren so überzeugt von der Idee des schicksalhaften Eins Werdens von Haus und Hüter, das ihnen als schlimmste Strafe nicht der letale Schwerthieb, sondern die „Damnatio Memoriae“ galt: Die postmortale Auslöschung jeder Erinnerung an den Verstorbenen. Und das hieß nicht nur das Zerschlagen aller Statuen, das Herausmeisseln aller Inschriften, das Verbrennen aller geistigen Hinterlassenschaften, sondern auch die Zerstörung der wichtigsten Bauten des Verdammten.
Eine Praxis, die in Mode blieb. Kaiser Vespasian ließ die Domus Aurea seines verhassten Vorgängers Nero unter dem Kolosseum begraben, die Pariser Revolutionäre rissen das Bastille-Gefängnis der Ludwig-Könige steinweise auseinander, Stalin jagte vor laufenden Kameras die zaristische Erlöserkathedrale in Moskau in die Luft, Saddam Husseins Paläste wurden erst bombardiert, dann angezündet, zuletzt gesprengt. Die Seele eines Hauses? Voilà, die Vehemenz der Auslöschung ist ihr bedrückender Beleg. Und ihre Erhaltung der gedankliche Gegenentwurf.

Die Achtung des architektonisch Vergangenen, ganz gleich welche Aura in den alten Gemäuern mitschwingt, wird ein zentrales Anliegen der Aufklärung, der Neuzeit, kulminiert in Karl Friedrich Schinkels Invention einer staatlichen Denkmalbehörde. Jedoch, der Zwiespalt zwischen dem schützenden Umgang mit den Orten der Vergangenen und der Lust des Wegreißens des Gestrigen, des Kräftemessens zwischen kühler Klugheit und jähem Zorn, besteht bis heute: Das erwähnte schmucke Altstadthaus zwischen Kirche und Fluss ist Hitlers Geburtshaus in Braunau am Inn. Während der Nazizeit Pilgerstätte und Museum, 1945 der Sprengung knapp entgangen, danach Privateigentum, stand es zuletzt über Jahre leer, wie aus Angst vor einer finalen Lösung in mumienhaften Schlaf erstarrt.
Dann forderte die Politik, eine Polizeiwache müsse dorthin und schob die Verantwortung auf die Architekten: Sie lobten einen Wettbewerb aus. Vor wenigen Wochen fiel die Entscheidung. Und natürlich, unter den Einsendungen gab es wieder die Damnatio, die Auslöschung des verfluchten Ortes, sei es durch Abriss oder totale Überbauung, wahlweise als denkmalhafter Aufschrei oder absichtsvoll unsichtbare Banalität.

Gewonnen hat, und das ist das Überraschende, fast Verunsichernde, ein Entwurf, der das Bestehende fortschreibt, das Biedermeierhaus stehen lässt und zurückführt auf seine mittelalterlichen Wurzeln, dem Haus die ganz alte Seele zurückgibt – und damit eine Erinnerung vor der Diktator-Erinnerung andeutet – als eine Neue hinzuzufügen. Ein Experiment, eine Gratwanderung. Ob sie gelingt, ob die „ekligen Aufmärsche“´ aufhören, der Ort von seiner Last befreit wird, eine Nutzung als Polizeiwache überhaupt Sinn macht, sei dahingestellt. Der Mut zu einer leisen, nachdenklichen, komplexeren Antwort beeindruckt.

 

Dominik Reding (*1969)

…ist ein deutscher Filmregisseur, Drehbuchautor, Filmproduzent und Schriftsteller.
Dominik Reding studierte Architektur an der RWTH in Aachen und arbeitete in verschiedenen Architekturbüros, u.a. bei Wolfgang Döring in Düsseldorf und Bothe-Richter-Teherani in Hamburg. Parallel nahm er ein Filmstudium an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg auf.
1996/97 wird Dominik Reding von Mitgliedern des Nationalsozialistischen Untergrunds (NSU) im Hauptbahnhof Erfurt angegriffen und beschossen. Daraufhin verwirklicht er zusammen mit seinem Bruder Benjamin Reding seinen Debüt-Kinofilm “Oi!WARNING. Leben auf eigene Gefahr!” (1997). Es folgen der Kinofilm “Für den unbekannten Hund” (2009), der Tatort “Fette Krieger” (Autor und Regisseur, 2001) sowie weitere Drehbücher und Musikvideos. 2014 folgt das Bühnenstück „NSU for YOU!“ für das Deutsche Theater Berlin. Für seine Arbeit wurde er bereits mehrmals ausgezeichnet, u.a. mit dem Talentpreis der Directors Guild of America (2000) und dem Förderpreises Filmkunst der Akademie der Künste Berlin (2003). Seit 2008 ist er Mitglied der Deutschen Filmakademie.
Dominik Reding schreibt seit 2010 regelmässig als Kolumnist für die AIT. Aktuell ist das Foto-Kunstprojekt „Kluft & Haut – Porträts junger Menschen auf der Walz“, das er 2019 gemeinsam mit Benjamin Reding verwirklichte, im Germanischen Nationalmuseum Nürnberg ausgestellt. Dominik Reding lebt und arbeitet in Berlin.

www.eye-warning.de

 

Visualisierung: © Marte.Marte Architekten

Leitartikel zur Ausstellung “Wie wir laufen lernten …”
von Brigitte Jurczyk

> zur Ausstellung

Großartige Architektur entsteht nicht aus dem Nichts. Noch vor dem ersten Entwurf liegt die Vision, der Traum vom großen Wurf, von der perfekten Lösung. Das, was zum Alltag aller Kreativen gehört, wurzelt meist tief in der Vorstellungskraft der Kindheit. Als das Spiel noch Welten ohne Grenzen öffnete, nur die eigenen Regeln zählten und nichts unmöglich erschien. Viele Architekten haben deshalb schon in ihrer Kindheit zu Stift und Papier gegriffen und sich in ihre Fantasien vertieft. Haben gezeichnet, was sie bei ihren Streifzügen durch die Umgebung gesehen haben, was ihnen besonders auffiel und sie ermutigte, es neu zu interpretieren.

Ein kreativer Prozess, für den es Müßiggang bedarf  – und den meisten in den jungen Jahren ausreichend zur Verfügung stand. Aber wie sieht es heute damit aus? Die Forschung sagt: Kreativität ist nicht auf Knopfdruck abrufbar. Sie entzieht sich unserer Kontrolle, wenn wir sie am dringendsten benötigen. Es ist verrückt. Aber gerade, wenn wir an nichts denken, nichts tun, springt die Region in unserem Gehirn an, die neue Ideen produziert. Also, raus aus dem Büro, rein in die Hängematte – und schon kommen die Ideen? So einfach ist es wiederum nicht!

Dieses Netzwerk im Gehirn, das Neues entstehen lässt, könnte man auch mit „Ruhezustandsnetzwerk“ bezeichnen, obwohl es alles andere als inaktiv ist. Es erledigt sogar eine Menge – gerade dann, wenn wir nichts tun: Es sortiert Gedanken und Erinnerungen, Gesehenes und Erlerntes. Aber diese Prozesse sind nicht auf Befehl abrufbar. Eher laufen sie still und heimlich ab.

So gibt es große Entwürfe, die quasi unter der Dusche entstanden. Bauwerke, deren Skizzen auf eine Tischserviette hingekritzelt wurden. Geistesblitze, die kurz vorm Einschlafen auftauchen. Beim Kochen, der Gartenarbeit, sogar beim Fahrradreparieren! Für einige Kreative beginnen ideenbringende Prozesse auch mit festen Ritualen. Da ist die Uhrzeit, längst nach Feierabend, die den Raum schafft, die Gedanken ungestört zu bündeln. Der besondere Stift, das Skizzenbuch in Leder eingeschlagen, der Schreibtisch am Fenster. All das schafft eine Atmosphäre, die uns startklar macht für Innovationen.

Oft genug gibt allerdings auch der Bauherr  oder das Denkmalschutzamt den Rahmen vor, in dem neue, noch nie gesehene Ideen entstehen. Eine Herausforderung, die uns anspornt, um die Ecke zu denken und manchmal eröffnen gerade Probleme, die gelöst werden müssen, überraschend neue Wege. Sie beleben den Entwurf und werfen uns aus den gewohnten Bahnen.

Wer schon länger „im Geschäft ist“ reibt sich manchmal verwundert die Augen, wenn eine Kinderzeichnung in die Hand fällt: Der erste Ponyhof, an dem das kleine Herz so hing, dass er auf einem Blatt Papier festgehalten musste: Der zeigte doch tatsächlich schon damals ein paar Details, die heute im Berufsalltag als Architekt(in) als eigene Handschrift auftaucht. Die Hochhäuser und Flughafentower, die der Fantasie eines 11-Jährigen entsprangen und auf Papier in den Himmel wuchsen – sie spielen heute noch eine Rolle beim eigenen Entwurfsprozess. Denn wie wir damals als Kind die Welt sahen, hat uns nachhaltig geprägt. Eine Prägung, die sich heute mit Wissen und Erfahrung paart. Und sich verwebt mit dem, was wir schon gesehen haben.

Die Vervollständigung der Idee beim Zeichnen  entspricht dem gleichen Prozess, den Heinrich von Kleist die „allmähliche Verfertigung der Gedanken beim Reden“ nannte. Dass die Zeichnung im kreativen Prozess solch eine große Rolle spielt, hat auch mit ihrem Wert an sich zu tun: Sie ist der sichtbare Beweis unseres inneren Reichtums – der Vorstellungs- und Ausdruckskraft, die in ihr zu Tage tritt. Die Sprache der Architekten, die sich schon in der Kindheit vernehmen ließ.

Autorin: Brigitte Jurczyk

Der niederländische Architekturkritiker Hans Ibelings lässt uns an seiner Auffassung der Fassade teilhaben. Im Besonderen setzt er sich im Leitartikel mit der Bedeutung von Reflexionen und Farben auf modernen Oberflächen auseinander.

 

Reflections

von Hans Ibelings

 

Die moderne Stadt ist auch eine Stadt der Spiegelungen und Reflexionen. Materialien wie Glas, Edelstahl und Aluminium, aber auch ein neuer Farbenreichtum prägen die Architektur der Metropolen. Die Spiegelung der Umgebung kann aber auch als abstrakter intellektueller Vorgang begriffen werden, der untrennbar mit der Architektur der Gegenwart verbunden ist.

Die einzige Möglichkeit, die Dinge zu sehen, die uns umgeben, ist die Reflexion und Absorption von Licht. Im Sinne von Le Corbusiers berühmter Definition der Architektur als „das kunstvolle, korrekte und großartige Spiel der unter dem Licht versammelten Baukörper“ – Kein Licht, keine Architektur.

Es gibt zwei Arten der Lichtreflexion: die diffuse Reflexion, die es uns ermöglicht, Objekte zu sehen – was wir selten Reflexion nennen –, und die spiegelnde Reflexion von Glas, Spiegeln und glänzenden Oberflächen. Letztere beschränkte sich jahrhundertelang auf die Architektur der Mächtigen und Reichen: verspiegelte und goldbemalte Räume in Palästen sowie mit Blattgold bedeckte Dächer und Kuppeln von Kirchen. Erst in jüngster Zeit ist die spiegelnde Reflexion zu einem alltäglichen Aspekt der gebauten Umwelt geworden (wenn man das Wasser aus der Diskussion ausklammert).

Vor der allgemeinen Verfügbarkeit von Glasscheiben und metallischen Lösungen hatten Gebäude selten eine reflektierende Außenhaut. Nach dem Zweiten Weltkrieg hat die Spiegelung das Stadtbild jedoch dramatisch verändert, da sie zu einem wesentlichen Bestandteil der modernen Architektur wurde. Die Verbreitung von gläsernen Vorhangfassaden, die architektonische Anwendung von einseitig verspiegeltem Glas in Fenstern und Fassaden sowie die vermehrte Nutzung von Metallen aller Art für Fassadenelemente haben das Bild der modernen, hauptsächlich „steinernen Stadt“ grundlegend in eine Stadt der Reflexionen verändert. Jeder, der schon einmal eine gut erhaltene historische Stadt besucht hat, weiß, dass Städte aus Stein, Ziegel und Holz ein anderes Erlebnis bieten als moderne Orte, an denen eher glänzende Fassadenmaterialien vorherrschen, die den Gebäuden oft den Eindruck von Leichtigkeit vermitteln,
sowohl in Bezug auf Farbe als auch Gewicht.

Die Stadt der Reflexionen ist ein paradoxes Nebenprodukt des Strebens der Moderne nach Transparenz, die in den meisten Fällen zu eher intransparenten reflektierenden Baukörpern führt. In architektonischen Darstellungen wird Glas fast immer irreführend so gezeigt, als sei es völlig durchsichtig. In dieser Hinsicht scheint es, dass nur Fotografen und fotorealistische Künstler wie Richard Estes tatsächlich in der Lage sind, Glas als das zu zeigen, was es ist: ein oft stark reflektierendes Material. Aus diesem Grund weichen Fotografen häufig auf Nachtaufnahmen aus, um Architektur transparent darzustellen.

 

Mitte des 20. Jahrhunderts wird die Architektur farbenfroher

 

Stahl, Titan, Zink und Aluminium haben einen weniger zweideutigen Charakter als Glas. Abgesehen von einigen Beispielen aus extrem poliertem Edelstahl, wie dem Vordach von Foster + Partners im alten Hafen von Marseille (2013) oder Anish Kapoors „Bean“ in Chicago (2014), sind Metalle selten perfekt spiegelnd. Ihre Reflexionen sind normalerweise eher wie Moodboards, die den wechselnden Tönen des Himmels folgen. Darüber hinaus haben Metalle nicht nur Gebäude mit einer glänzenden Schutzhülle versehen und damit der gebauten Umgebung silbrig-graue Farbtöne hinzugefügt, sondern sie ermöglichten auch ein ganzes Farbspektrum, da sie leicht mit Farbe beschichtet werden können. Dies ist in den meisten Zusammenhängen so revolutionär wie der Wechsel von Stein zu Glas.

Schon seit sehr langer Zeit wird das Äußere von Gebäuden farbig gestaltet, angefangen bei den keramischen Verzierungen der Tore Babylons bis hin zu den farbenfrohen Putzfassaden der Rokoko-Architektur. Aber es scheint, dass seit Mitte des 20. Jahrhunderts die Archi­tektur immer farbenfroher geworden ist.

Farbe ist in der Regel eine völlig eigenständige Ebene der Gestaltung, unabhängig von den natürlichen Farben des Materials und von strukturellen oder programmatischen Überlegungen. Diese Freiheit macht es den Gestaltern oft schwer, sich zu entscheiden, da praktisch das gesamte Spektrum zur Verfügung steht. Die konsequente Entscheidung für einen einzigen Farbton, wie in Jean Nouvels „Roter Kilometer“ in Bergamo entlang der Autobahn A4, oder die ebenso radikale Entscheidung, die Farben des gesamten Regenbogens zu verwenden, wie es Rogers Stirk Harbour in ihrem Terminal am Flughafen Madrid-Barajas gemacht haben, sind die zwei extreme Möglichkeiten aus einer überreichen Auswahl.

Wenn diese zwei Projekte, die beide inzwischen fast zwanzig Jahre alt sind, hinsichtlich ihrer Verwendung von Farbe entgegengesetzte Pole darstellen, so unterstreichen sie zusammen, dass in der Kultur des 21. Jahrhunderts noch immer eine Idee mitschwingt, die meist mit der Postmoderne der 1980er-Jahre in Verbindung gebracht wird, aber wenig von ihrer Bedeutung („Alles ist möglich“) verloren hat. Wenn auch farbenfrohe Architektur selbst nicht reflektierend ist, so spiegelt sie doch metaphorisch und indirekt eine Welt wider, in der verschiedene Ideen und Ideologien nebenei­nander existieren.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts glaubten Architekten vielleicht noch, dass ihre Arbeit einen einheitlichen Ausdruck der damals noch homogeneren Gesellschaften bieten konnte, auch wenn sich der niederländische Architekt H. P. Berlage um 1900 darüber ereiferte, dass die Gesellschaft für einen einheitlichen Stil seiner Zeit zu sehr im Wandel begriffen war. Er wollte deshalb, dass der Stil – ein Hauptanliegen von ihm und vielen seiner Zeitgenossen – so lange zurückgestellt werden sollte, bis klar war, was genau die Gesellschaft wollte. Seine Lösung bestand darin, vorerst das zu entwerfen, was er als impressionistische Architektur bezeichnete – ähnlich wie die leicht verschwommene Bildsprache der impressionistischen Malerei. Seine 1902 fertiggestellte Amsterdamer Börse ist ein Beispiel für die nüchterne, fast schmucklose Art von Gebäude, die er für den damaligen Zeitpunkt für richtig hielt.

Heutzutage wird sich kaum jemand finden, der glaubt, dass Architektur die Gesellschaft „ausdrücken“ kann, obwohl es innerhalb der Disziplin durchaus üblich ist zu glauben, dass Architektur ein gesellschaftliches Mandat und eine Verantwortung hat, die über die Erfüllung der Wünsche ihrer Bauherren hinausgeht. Architekten betrachten ihr Werk oft nicht nur als ein Werk für die beauftragende Person oder Institution, sondern für die Gesellschaft als Ganzes: für jeden, der es zufällig sieht, daran vorbeigeht, es betritt.

 

Ist die kaleidoskopische Vielfalt der heutigen Architektur Spiegelbild der aktuellen gesellschaftlichen Vielfalt ?

 

Zu glauben, dass es möglich ist, einen einheitlichen Stil für die eigene Zeit zu finden, mag schon zu Berlages Zeiten ein Trugschluss gewesen sein, aber das gilt umso mehr in unserer individualistischen Gegenwart. Kein einziges architektonisches Werk kann der Vielfalt der Gesellschaft gerecht werden. Zusammengenommen kann die kaleidoskopische Vielfalt der heutigen Architektur – von vorsichtiger Bescheidenheit bis zum ikonischen Meisterstück, von innovativen Experimenten bis zu nostalgischen Nachbauten von Vergangenem, das vielleicht nie existiert hat – jedoch als Spiegelbild einer aktuellen gesellschaftlichen Vielfalt interpretiert werden. Es wäre allerdings falsch anzunehmen, sie sei ein perfekter Spiegel. Die derzeit sehr dringende Diskussion über die Abwesenheit, Unterrepräsentation und Unterdrückung von Menschen, die hinter Akronymen wie BIPOC (Black, Indigenous, People of Colour), BAME (Black, Asian and Minority Ethnic) und LGBTQ+ (Lesbian, Gay, Bisexual, Transgender/-sexual, Queer/Questioning and Other) stehen, macht deutlich, dass die Architektur trotz ihrer formalen Vielfalt nur ein verzerrtes Fragment eines Gesellschaftsbildes wiedergibt, viele Menschen jedoch unsichtbar, nicht anerkannt, falsch repräsentiert und diskriminiert zurücklässt. Wie in der Vergangenheit ist es auch heute noch ein Privileg der Mächtigen und Reichen, widergespiegelt zu werden. Letztlich bietet die Architektur auch andere metaphorische Reflexionen. Im Idealfall sind Gebäude die Gegenform zu den Ideen und Absichten ihrer Schöpfer, und in diesem Sinne ist es vielleicht nicht unbedeutend, dass man häufig sagt, dass Architekten an Projekten arbeiten. „Projizieren“ und „Reflektieren“ sind eng miteinander verbunden, denn sie werfen etwas vor und zurück. Architekten projizieren Ideen, Visionen und Ambitionen und ihre Gebäude werfen diese zurück.

Ohne meinen eigenen Beruf wichtiger machen zu wollen, als er ist, neige ich dazu zu glauben, dass Architekturkritik eine weitere Schicht auf diesen Spiegelpalast projizieren kann. Kritiker sind nicht nur darin geschult zu erkennen, wie Gebäude die Absichten ihrer Erbauer materialisieren und wie sie Spiegel der Gesellschaft sein können, sondern zusammen mit ihren
Bewertungen werfen Kritiker ihre eigenen Vorstellungen, Vorurteile und ihre Voreingenommenheit auf die von ihnen betrachtete Architektur. Daher erzählen Kritiken oft genauso viel über die Kritiker wie über die Objekte ihrer Kritik.

 

 

Hans Ibelings (*1963 in Rotterdam)

…ist Architekturhistoriker und -kritiker. Ibelings lehrt an der Universität von Toronto und ist Herausgeber und Verleger von “The Architecture Observer” (Montreal / Amsterdam). Gegenwärtig arbeitet er an “A Global Warming History of Modern Architecture”.

 

 

Fotos: Urheber

Utopien sind wichtig für Architekten. Warum? Das erlären wir Ihnen zusammen mit namhaften Architekten…

Die Definition von Utopie bedeutet, etwas, was in der Vorstellung von Menschen existiert, aber (noch) nicht Wirklichkeit ist. Was aber die Utopie mit Architektur zu tun hat? Eine ganze Menge. Gäbe es die Utopie nämlich nicht, gäbe es aller Wahrscheinlichkeit nach auch keine Architekten. Denn dieselben denken genau das, was es noch nicht gibt – so wie der künstlerisch Schaffende aus dem Nichts schöpft, so macht es auch der/die Architekt*in. Neu ist es also nicht – aber ein Thema ist es allemal. Interessant sind die Entwürfe, die von namhaften Architekt*innen bereits in den 70ern des letzten Jahrhunderts entworfen, gezeichnet oder sogar realisiert wurden. Acrosanti von Paolo Soleri, eine Experimentalstadt in der Wüste Arizonas zum Beispiel, Brasilia (1962) von Oscar Niemeyer oder auch das von Le Corbusiers Wohnmaschine inspirierte Projekt Peter Cooks, Warren Chalk und Ron Herron „Walking City (1964-1971) – um nur einige wenige zu nennen. Es ist auch tatsächlich immer wieder erstaunlich, was Drogen bewirken können.

Aber Spaß beiseite:

Das Thema Utopie wird immer häufiger an vielen Stellen diskutiert. Erst unlängst gab es einen sehr beeindruckenden Kongress zum Thema Utopie an der fortschrittlichen Leuphana-Universität. Dort wurde von namhaften Leuten der Wohlstand im 21. Jahrhundert unter die Lupe genommen und über das utopische Momentum philosophiert. Bedauerlicherweise wurde kein*e Architekt*in dazu eingeladen wie beispielsweise der Stadtplaner Peter Haimerl, der über Stadtutopien bedauernd feststellt: „Wir folgen der wenig nachhaltigen und flächenfressenden US-amerikanischen Vorstellung von raumlosen Struktur- und Raster- (Vor)-Städten und zerstören seitdem sukzessive die Errungenschaften des europäischen Städtebaus, die seit dem 12. Jahrhundert unsere Stadträume prägten – inklusive ihres historischen Bestandes.“ Klar festgestellt wird von dem Architekt*innenteam „next architects“ aus Holland das Format der zukünftigen Architekt*innen: „Die Zukunft ist unvorhersehbar. Das hält uns auf Trab und erfordert, dass unsere Entwürfe kreativ, anpassungsfähig und flexibel sind.“ Und OXO architects, ein Büro aus Frankreich, stellt zum Thema fest: „Als Architekt*innen und Gestalter*innen der Städte von morgen beziehen wir ein großes Maß an Utopie in unsere Herangehensweise ein, auch wenn die Gesellschaften noch nicht bereits für diese Veränderungen sind.“

Die aktuellen Architekt*innen streben – so wie ihre Vorgänger auch schon – nach Lösungsansätzen. Peter Haimerl fordert daher „Wir brauchen für Europa nicht nur eine umfassendere Utopie, sondern konkrete Lösungen, die so komplex sind, wie unsere Geschichte, die vieles definieren, aber die auch vieles offen lassen können: In diesen neuen utopischen Stadtraum integrieren sich wie selbstverständlich technische Innovationen aus den Bereichen Mobilität und Infrastruktur in den historischen Bestand und bannen die darin gespeicherte graue Energie. Dabei ist der Bestand gleichsam das “Korallenriff”, das nicht sterben darf und in das neue Lebensräume hineinmodelliert werden müssen.“ Folgt man dieser Ausrichtung, können wir heute schon davon ausgehen, dass wir gute Chancen haben, die Zukunft bereits jetzt schon nachhaltig zu denken.

Designtheoretiker Prof. Dr. Jan Willmann beschreibt den digitalen Wandel in der Architektur und die tiefgreifenden Folgen für die planenden Disziplinen. Der folgende Artikel erschien im Buch „Shape the World – 60 Jahre Nemetschek“ anlässlich der 60-jährigen Geschichte der Firma Nemetschek, die eng mit dem Digitalisierungsfortschritt im Bauwesen verknüpft ist.

Manchmal kommt es anders, als man denkt. Dies trifft auch auf den Digital Turn, also den digitalen Wandel, im Bauwesen zu. Denn zunächst wird in den 1960er-Jahren eine Computerrevolution ausgehend von immer größeren und immer leistungsfähigeren Großrechnern prognostiziert. Tatsächlich aber gelingt der Durchbruch durch die Verbreitung von kleinen, günstigen Geräten. Die Anwendungsmöglichkeiten der Personal Computer sind zu Beginn stark eingeschränkt, aber sie stehen fast überall zur Verfügung, ob im Wohnzimmer oder im Büro. Dank interaktiver Schnittstellen setzen sich schon bald rechnergestützte Arbeitsprozesse in der Baupraxis durch – zunächst jedoch beschränkt auf Konzepte, die zuvor analog erdacht, entworfen und modelliert wurden.[1]

Dies ändert sich zu Beginn der 1990er-Jahre, als leistungsfähige Computer und Softwarelösungen zunehmend in die kreativen und technischen Aufgaben von Architekten und Ingenieuren eingreifen und Planungsprozesse in einen Dialog zwischen Mensch und Maschine verwandeln.[2] In den folgenden Jahren werden Computer in großem Umfang zum elektronischen Erstellen, Ablegen, Abrufen und Bearbeiten von Plänen eingesetzt, beispielsweise für Bauwerke oder Tragstrukturen, die aufgrund ihrer geometrischen, strukturellen oder materiellen Komplexität bis dahin nur schwer oder gar nicht zu erstellen waren.[3]

 

Von der Darstellung zum Entwurf

Mit den fortschreitenden technischen Möglichkeiten rückt die Frage nach den planerischen Prozessen in den Fokus. Einen bedeutenden Beitrag leistet das „Paperless Studio“ an der Columbia University, das 1993 vom französischen Architekten Bernard Tschumi mit dem Ziel ins Leben gerufen wird, Architektur nur noch am Computer zu entwerfen. Das Projekt bringt namhafte Vertreter des digitalen Wandels wie Greg Lynn hervor.[4] Lynn befasst sich mit dem fließenden Übergang von statischen Körpern zu animierten Formen und leistet mit Projekten wie dem Embryological House (1999) einen zentralen Beitrag für die digitale Architektur der 1990er-Jahre.[5]

Durch Architekten wie Greg Lynn, Peter Eisenman, Frank O. Gehry, Zaha Hadid, Ben van Berkel, Hani Rashid, Peter Cook und Bernhard Franken vollzieht sich der Übergang von gefalteten zu gerundeten, auch als „Blobs“ bezeichneten, Formen. Computer-Aided Design (CAD)-Programme wie Vectorworks oder Form-Z werden nun nicht mehr allein für darstellende Operationen, sondern für entwerferische Vorgänge genutzt. Neben dem Zeichnen dient die Rechenleistung fortan ebenso der Generierung und Simulation komplexer, stromlinienförmiger Architekturen.  Obwohl solche Verfahren bereits seit Ende der 1960er-Jahre im Automobil- und Flugzeugbau eingesetzt werden, gelingt erst jetzt der Durchbruch in der Architektur und damit der Übergang vom analogen zum digitalen Entwerfen.

 

Digitale Produktion und interaktive Prozesse

Die weichen, sinnlichen Erscheinungsformen des frühen Digital Turn und Projekte wie Lars Spuybroeks Wasserpavillon (1994) oder Frank O. Gehrys bekanntes Guggenheim Museum in Bilbao (1997) überspielen jedoch die konzeptionelle und technologische Sprengkraft, die mit ihnen verbunden ist.

Denn mit der Einführung des digitalen Entwerfens beginnt nahezu zeitgleich die Verbreitung von Computer-Aided Manufacturing (CAM)-Methoden und digitalen Produktionsverfahren. Damit steht nicht mehr die Virtualisierung der Architektur zur Debatte, sondern das Gegenteil: die Materialisierung der digitalen Planung, die in konkrete Bauwerke umgesetzt wird.[6] Nicht-standardisierte architektonische Strukturen können nun maschinell und ohne zusätzlichen Mehraufwand hergestellt werden – sozusagen als „serielle Maßanfertigung“.[7] Projekte wie der Shenzen Bao’an International Airport (1991) von Massimiliano Fuksas stehen hierfür exemplarisch.

Zugleich eröffnen sich neue kollaborative Möglichkeiten in der Planungs- und Baupraxis. Die eingesetzten digitalen Medien, Methoden und Werkzeuge sind nicht nach außen abgeschlossen, sondern können von anderen am Planungs- und Bauprozess Beteiligten weitergenutzt werden, beispielsweise durch gemeinsame Schnittstellen, Skripte oder Datenbanken. So wird all das, was digital erfasst und bearbeitet wird, auch anderen zugänglich gemacht. Damit wird der entwerferische und bauliche Prozess nicht mehr in voller Gänze durch Planer bestimmt. Die digitale Kollaboration relativiert die Position der alleinig schöpfenden Architekten. An seine Stelle treten fachübergreifende Planungs- und Bauprozesse, an denen unterschiedliche Akteure bis hin zu Endnutzern unmittelbar teilnehmen.[8] In dem Zusammenhang ist nicht zuletzt die BIM-Methode zu nennen, deren konzeptionelle und technische Grundlagen bereits in den 1990er-Jahren gelegt werden. Der Schwerpunkt der digitalen Wende im Bauwesen verlagert sich zunehmend von generativen Entwurfsprozessen und Produktionsformen auf die interaktive Beteiligung und Zusammenführung der unterschiedlichen menschlichen, maschinellen, institutionellen, ökonomischen und gesetzlichen Akteure.

Beide Stoßrichtungen des Digital Turn, die digital-materielle wie auch die kollaborativ-partizipative, nähern sich bis heute aneinander an und gehen teilweise ineinander über. Auch wenn zentrale Themen wie Urheberschaft, Kontrolle und Haftung nicht abschließend geklärt sind, eröffnet sich ein vielversprechender kollektiver Horizont. Der Digital Turn ist eine historische Zäsur, die die Praxis der Architektur grundlegend verändert und auch weiter verändern wird – nicht nur aufgrund der neuartigen architektonischen Möglichkeiten und Formen, sondern wegen der damit verbundenen interdisziplinären Arbeitsweisen.[9]

 

^[1]     Rheingold, Howard. 1995. Tools for Thought: The History and Future of Mind-Expanding Technology, S. 203ff. Cambridge/MA.: MIT Press.

^[2]     Negroponte, Nicholas. 1995. Being Digital. New York: Knopf.

^[3]     Leach, Neil, Turnbull, David und Williams, Chris (Hrsg.). 2004. Digital Tectonics. S. 4–13. London: Wiley.

^[4]     Lynn, Greg. 1999. Animate Form, S. 9–33. New York: Princeton Architectural Press.

^[5]     Cachola Schmal, Peter (Hrsg.). 2001. digital real. Blobmeister. first built projects. Boston/Basel/Berlin: Birkhäuser.

^[6]     Cache, Bernard. 1995. Earth Moves: The Furnishing of Territories. Cambridge/MA.: MIT Press.

^[7]     Kolarevic, Branko und Pinto Duarte, José (Hrsg.). 2019. Mass Customization and Design Democratization. London: Routledge.

^[8]     Carpo, Mario. 2008. Monstrous Objects, Morphing Things, in: Perspecta 40/2008.

^[9]     Willmann, Jan. 2023. Zur Geschichte des Digitalen im Design: Eine Annäherung, in: Hyun Kang Kim (Hrsg): Form Follows Data, S. 211–226. Leiden: Brill/Fink.

 

Über den Autor

Jan Willmann ist als Professor fu?r Designtheorie an der Bauhaus-Universität Weimar tätig. Er lehrt und forscht im Bereich digitaler Kulturen in Design, Kunst und Architektur und ist Verfasser zahlreicher wissenschaftlicher Publikationen und Aufsätze.

 

Über Nemetschek

Die Nemetschek Group ist ein weltweit führender Softwareanbieter für die digitale Transformation der AEC/O- und Medienbranche. Die intelligenten Softwarelösungen decken den gesamten Lebenszyklus von Bau- und Infrastrukturprojekten ab und ermöglichen Kreativen, ihre Arbeitsabläufe zu optimieren. Kunden können Gebäude und Infrastrukturen effizienter und nachhaltiger planen, bauen und verwalten sowie digitale Inhalte wie Visualisierungen, Filme und Computerspiele kreativ entwickeln. Der Softwareanbieter treibt Innovationen wie digitale Zwillinge sowie offene Standards (OPEN BIM) und Nachhaltigkeit in der AEC/O-Industrie voran und erweitert sein Portfolio kontinuierlich, u.a. durch Investitionen in Start-ups. Derzeit gestalten mehr als sieben Millionen Anwender die Welt mit den kundenorientierten Lösungen unserer vier Segmente. 1963 von Prof. Georg Nemetschek gegründet, beschäftigt die Nemetschek Group heute weltweit rund 3.600 Experten.

Farbe und Raum
Ein unterschätztes Wechselspiel der Gestaltung

Die Architektur hat spätestens seit der Moderne ein zwiespältiges Verhältnis zu Farbe. Während weiße Oberflächen Reinheit, Unschuld und Perfektion vermitteln, beeinflusst die Raumgestaltung mit Farbe maßgeblich unsere Wahrnehmung und Emotionen. Farbe erweckt Erinnerungen und erzeugt Atmosphären – beruhigend, aufregend, beängstigend. Doch gerade die Vielfalt und Sinnlichkeit von Farbe wurde im Laufe der Geschichte immer wieder – und insbesondere im Fortschrittsbestreben der modernen Architektur – als überholte und überflüssige Dekoration erachtet. In Ornament und Verbrechen (1908) beschreibt Adolf Loos das, was nicht glatt, weiß und schmucklos gestaltet ist, als ungesund, rückschrittlich und degeneriert.

Von der Chromophobie zur Polychromie
Der Forderung nach Weiß als Ausdruck von Erhabenheit und Modernität geht eine lange Tradition der Abwertung von Farbigkeit voraus. In Chromophobia (2000) beschreibt David Batchelor das historische Vorurteil gegenüber Farbe in westlichen Kulturen. „Generations of philosophers, artists, art historians and cultural theorists of one stripe or another have kept this prejudice alive, warm, fed and groomed. As with all prejudices, its manifest form, its loathing, masks a fear: a fear of contamination and corruption by something that is unknown or appears unknowable.“ Batchelor sieht das Misstrauen im Zusammenhang mit Farbe durch deren Assoziation mit dem Sonderbaren, dem Unwägbaren und dem rein Dekorativem begründet. Farbe würde entweder dem Fremden und Vulgären zugeordnet oder als primitive Oberflächlichkeit abgetan. Dies verhindere die eingehende Auseinandersetzung mit ihrer Bedeutung.

In der Architektur wird stattdessen oft der physischen Struktur eines Raums Vorrang in der Gestaltung eingeräumt. Klare Raumgrenzen, das Spiel aus Masse und Leere, Strukturen der Materialoberflächen sind typische Merkmale der Gestaltung, während die Bedeutung von Farbe im Entwurf als zweitrangig betrachtet wird. Zu unrecht – wie sich wiederum an bedeutenden Vertretern der Moderne belegen lässt. Obgleich ikonische Bauten der klassischen Moderne im äußeren Erscheinungsbild dem propagierten Ideal der weißen, reinen Form folgen, offenbaren die Innenräume – auch bei Loos – eine lebendige Farbigkeit.

Ein Vorreiter in der Kombination von Raum- und Farbgestaltung war Le Corbusier. Im Gegensatz zu den zurückhaltenden weißen Fassaden von zum Beispiel Maison La Roche oder Maison Guiette gestaltete er die Innenräume der Gebäude als Räume für Menschen und daher mit unterschiedlichen durch Farben beeinflussten Atmosphären. Im weiteren Verlauf seines architektonischen Werks und basierend auf seiner vorangegangenen Tätigkeit als Maler veröffentlicht er eine Reihe harmonierender Farbtöne, die im Entwurf wie ein Werkzeug verwendet werden können. Die von ihm konzipierte Farbklaviatur Polychromie Architecturale aus den Jahren 1931 und 1959 umfasst insgesamt 63 Farbtöne mit variierenden Helligkeitswerten, die sich je nach angestrebter Raumatmosphäre unterschiedlich anwenden und kombinieren lassen.

Le Corbusiers Farbtöne repräsentieren geschichtliche Bezüge und natürliche, bekannte Farbwelten. Sie provozieren Veränderungen der Raumproportion und sprechen die Sinne an. Während der nach außen weiße Kubus in seiner Plastizität unverfälscht ist, betont die vollflächige Verwendung von Farbe auf Wänden und Bauteilen deren Eigenständigkeit und Flächigkeit. Das Objekthafte und Dreidimensionale tritt im Innenraum in den Hintergrund. Stattdessen wird der Farbeinsatz zum Hilfsmittel, um die Raumwirkung zu unterstützen. Ein helles Blau symbolisiert den Himmel und weitet den Raum, ein erdiges Braun steht dagegen für Stabilität und fixiert die Lage eines Bauteils. Die Wahrnehmung des Raums ist nicht mehr nur durch seine physischen Grenzen bestimmt, sondern wird in entscheidender Weise durch die Verwendung von Farbe beeinflusst. Farbe ist ein fester Bestandteil der räumlichen Komposition. Le Corbusier sagt dazu: „Die Farbe ist in der Architektur ein ebenso kräftiges Mittel wie der Grundriss und der Schnitt. Oder besser: die Polychromie, ein Bestandteil des Grundrisses und des Schnittes selbst.“

Die individuelle Wirkung von Farbe
Trotz der exakt bestimmbaren Farbtöne der Polychromie Architecturale von Le Corbusier, der RAL-Reihe oder anderer Farbpaletten bleibt in der psychologischen Wahrnehmung eine gewisse Unwägbarkeit, die bei der Gestaltung mit Farbigkeit in der Architektur beachtet werden muss. Obwohl festgehalten werden kann, dass jede Farbgruppe und jeder Farbton Auswirkungen auf die Raumwahrnehmung und emotionale Reaktionen bei den Nutzer*innen hervorbringen, kann nur bedingt vorherbestimmt werden, wie stark diese Auswirkungen auftreten und welche Emotionen sie provozieren. Wissenschaftlich gesehen, ist das emotionale Erleben spontan und affektiv, also ein tief verankertes Urmuster aus einer Zeit, in der Menschen noch nicht ständig in Räumen unterwegs waren. Seit einigen Jahren wird zur emotionalen Wirkung von Farbigkeit auf Betrachtende geforscht, denn diese gilt als einzige relativ universelle – also kultur-, geschlechter- und altersübergreifende – Wirkungsgröße auf Menschen. Die messbare spontane emotionale Reaktion gibt Auskunft über Raumatmosphären, in denen wir uns angeregt oder entspannt, wohl oder unwohl fühlen. Der Kompetenzbereich Farbdesign der HAWK Hildesheim, unter der Leitung von Markus Schlegel, Professor für Projektentwicklung Farbe, untersucht zusammen mit dem Swiss Center für Design und Health aktuell diese Wirkungsebene, um sich validen Daten zur Wirkung von Farbigkeit im Raum anzunähern.

Die Wirkung auf die Betrachtenden ist bezüglich einer ästhetischen Präferenz individuell unterschiedlich und nicht identisch. Wie Farbtöne eingeordnet und bewertet werden, hängt unter anderem vom kulturellen Hintergrund, von der Sozialisation und persönlichen Erfahrungen ab. Auch geografische und klimatische Bedingungen prägen die Wahrnehmung von Farbe. Aus diesen lebensweltlichen Erfahrungen resultieren Farbpräferenzen jedes Einzelnen, die Axel Buether, Professor für Didaktik der visuellen Kommunikation an der Bergischen Universität Wuppertal, als Farbheimat bezeichnet. Die individuelle Farbheimat beeinflusst, wie wir uns architektonische Räume erschließen.

Zudem ist das Zusammenspiel mit Licht entscheidend. Farbe kann nur unter der Anwesenheit von natürlichen oder künstlichen Lichtquellen wahrgenommen werden. Diese Lichtquellen mit ihren unterschiedlichen Wellen verursachen unterschiedliche Reflexionen auf der Netzhaut des Auges und beeinflussen damit, wie Helligkeitswerte und Farbtemperaturen auf den Einzelnen wirken. Für den architektonischen Entwurfsprozess bedeutet das, Raum, Farbe und Licht als Einheit zu verstehen und gleichwertig zu betrachten. Atmosphäre entsteht aus der Kombination dieser drei Faktoren.

Raumatmosphären
Mit Farbflächen kann gezielt in die Atmosphäre von Räumen eingegriffen werden, um deren Nutzung zu unterstützen. Susanne Brandherm, von brandherm + krumrey interior architecture, beschreibt die gestalterischen Möglichkeiten so: „In ihrer Verbindung können Farbe und Raum eine faszinierende Dynamik erzeugen. Farben formen nicht nur visuelle Eindrücke, sondern schaffen auch Assoziationen, Atmosphären und Dimensionen im Raum. Farbe ist ein großartiges Werkzeug, um die Gestaltung und Wahrnehmung von Räumen zu beeinflussen.“ Räume können durch Farbe als laut oder leise, warm oder kalt, einladend oder abweisend, entspannend oder anregend, usw. wahrgenommen werden. Die Gestaltung mit Farbe hat somit Auswirkungen auf die Qualität und Identität von Räumen sowie auf das Verhalten und Wohlbefinden der Nutzer*innen.

Auswirkungen auf die Qualität ­– Farbe beeinflusst die Wirkung von Raumgröße und -proportion. Lange Flure können dank farblicher Gliederung scheinbar verkürzt werden, kleine Räume können dagegen durch helle Akzente optisch vergrößert werden. Bauteiloberflächen und Möblierung wirken in naturnahen Farben hochwertig und nachhaltig, während grelle Farben eher mit künstlichen, industriell produzierten Materialien assoziiert werden.

Auswirkungen auf die Identität – In großen Gebäudekomplexen kann Farbigkeit dazu verwendet werden, die gleichförmige Wiederholung architektonischer Elemente wie der Tragstruktur aufzulösen und stattdessen Orientierung und Identität zu schaffen. Durch die Gestaltung mit verschiedenen Farbtönen, sanften oder kräftigen Kontrasten können offene Lern- oder Bürolandschaften zoniert und in unterschiedliche Raumsituationen gegliedert werden.

Auswirkungen auf das Verhalten und Wohlbefinden der Nutzer*innen – Je nach Anforderungen und Zweck der Räume dienen Farben dazu, die Kreativität zu steigern, Regeneration und Erholung zu fördern oder Kommunikation und Gemeinschaft zu unterstützen. Ein leuchtendes Gelb, Orange oder Rot erregt Aufmerksamkeit und setzt Akzente. Ein Graugrün oder Erdfarben wirken dagegen naturnah und beruhigend. Für Räume, die dem längeren Aufenthalt, der Behaglichkeit oder dem konzentrierten Arbeiten dienen, eigenen sich zurückhaltende Nuancen, während intensive Farbtöne und kräftige Kontraste eine Atmosphäre schaffen, die Aktivität und Frische vermittelt. Nicht zuletzt können Farben dazu verwendet werden, heilsame Atmosphären zu schaffen, zum Beispiel in Gebäuden des Gesundheitswesens. Das monotone und sterile Weiß von Krankenhäusern, Reha-Einrichtungen und Altenpflegezentren hat sich längst als überholt entpuppt. Für gesunde, menschenorientierte Räume ist das Entwerfen mit Farbe unverzichtbar.

“Farbe ist weit mehr als nur ein ästhetisches Element; sie ist ein kraftvolles Werkzeug, das Stimmungen kreiert, Identitäten reflektiert und sogar das Wohlbefinden und die Produktivität beeinflussen kann. In meiner Arbeit als Innenarchitektin habe ich die transformative Kraft der Farbe erlebt – sie kann Räume beleben, harmonisieren oder beruhigen, je nach gewünschtem Effekt.” Natascha Ninic (Ninic Interior Design, Vizepräsidentin des bdia)

Farbigkeit erzählt Geschichten, löst Assoziationen aus und offenbart Zeitbezüge. Letztere sind in jeglicher Planung von Bedeutung. Die aktuellen großen Tendenzen und Entwicklungen der Welt, auch Megatrends genannt, haben immer auch Auswirkungen auf die räumliche Gestaltung. Themen wie Gesundheit, Nachhaltigkeit und Individualisierung oder Transformationen im Bereich der Mobilität und Arbeitswelten sind von gestalterischer Relevanz, für die es Lösungen braucht. Auf der Messe FAF FARBE, AUSBAU & FASSADE, die vom 23. bis 26. April 2024 in Köln stattfindet, stellt das IIT Institute International Trendscouting der HAWK unter dem Titel FAF FARBWERTE für wesentliche Handlungsfelder der nahen Zukunft wie vitales Arbeiten, sinnliches Erholen oder kreatives Gestalten eine kuratierte Farbpalette als Angebot für Gestaltende vor. Statt Farb- und Materialtrends als Treiber zu präsentieren, geht es darum, die Transformationsprozesse unserer Zeit als treibende Kraft im Bereich Farb- und Raumgestaltung zu verstehen und abzubilden. > mehr

Seit Beginn der menschlichen Zivilisation sind unterschiedliche Formen des sozialen Zusammenlebens bekannt. Sie entwickelten sich in nomadischen und sesshaften Lebensformen kleinerer und größerer Gruppen mit mehr oder weniger Sensibilität für die jeweilige natürliche Umwelt in unterschiedlicher gesellschaftlicher Organisation auf allen Kontinenten der Erde. Das Spektrum sozialer Konstellationen reicht von mobilen oder stationären Stammesgesellschaften über dörfliche und städtische Siedlungsformen bis hin zu Megacities, deren erste Ausprägungen bereits in der Antike im Vorderen Orient entstanden sind. In all diesen unterschiedlichen sozialen Formationen suchten Menschen Schutz vor Nässe, Kälte und anderen Naturgefahren in Höhlen, Hütten oder gebautem Wohnraum. Sie arbeiteten zunächst als Jäger und Sammler, später als Bauern in der Landwirtschaft, im Handwerk sowie in der Industrie und in Dienstleistungsberufen. Letztere entwickelten sich bereits in antiken Städten infolge eines regen lokalen, regionalen und länderübergreifenden Handelsverkehrs. Die Vielfalt historischer Spuren einer mehr oder weniger friedlichen sozialen Koexistenz manifestieren sich in Landschaftsräumen, Bauten, technischen Artefakten, Formen des Wirtschaftens sowie in alltäglichen Wohnkulturen, Ernährungsweisen, Mobilitäts-, Kommunikations- und Lernpraktiken. Sie prägten gemeinsam den jeweiligen Umgang mit planetaren Ressourcen sowie sprachliche und künstlerische Ausdrucksformen. Wir lesen solche historischen Spuren sozialer Verhältnisse in gezeichneten, gemalten und geschriebenen Dokumenten oder in Sammlungen von Artefakten und modellhaften Rekonstruktionen, die Bibliotheken und Museen für nachfolgende Generationen vorhalten. Die Konfrontation mit verschiedenen Variationen des sozialen Mit- oder Gegeneinanders von Menschen in unterschiedlichen gesellschaftlichen Kontexten wirft die Frage auf, wodurch sie beeinflusst werden: Ist es das menschliche Verhalten und Handeln in jeweils bestimmten gesellschaftlichen Figurationen und/oder sind es materielle und ästhetisch-symbolische Umweltbedingungen und/oder die von Menschen geschaffenen Organisationen, Institutionen und normativen Regulationen, die Aufschluss über Strukturen des sozialen Zusammenlebens geben können?

Konträre Entwicklungen
Gegenwärtig betrachten viele Zeitgenossen den sozialen Zusammenhalt in Deutschland und anderswo aus verschiedenen Gründen immer wieder als gefährdet. Wie hängt das mit dem sozialen Zusammenleben unterschiedlicher Bevölkerungsgruppen zusammen? Welche Dynamiken prägen in welchen gesellschaftlichen Kontexten soziale Konstellationen? Westliche Industrie- und Dienstleistungsgesellschaften sind infolge besserer medizinischer Versorgung, vergleichsweise geringerer körperlicher Belastungen im Erwerbsleben und höherer Einkommen durch eine Zunahme älterer Bevölkerungsgruppen sowie ausgeprägtere Individualisierungstendenzen gekennzeichnet. In Ländern des globalen Südens dominieren demgegenüber jüngere Menschen, die trotz eingeschränkter Zugangsmöglichkeiten zu Bildung, unsicherer Erwerbsarbeit und gesundheitlichen Belastungen Verantwortung für größere Familienverbünde übernehmen müssen. Diese konträren demographischen und sozioökonomischen Entwicklungen beeinflussen in Verbindung mit räumlich unterschiedlich wirkenden Folgen des Klimawandels oder Kriegsereignissen auch das Wanderungsverhalten vor allem jüngerer Bevölkerungsgruppen. So entstehen weltweit sehr verschiedene soziale Konstellationen: Im globalen Süden verbleiben häufig Menschen, die andernorts – aufgrund von fehlender Bildung, eingeschränkten finanziellen Ressourcen und Kontakten sowie Mobilitätsbarrieren – keine Chancen auf eine Verbesserung ihrer Lebenssituation wahrnehmen können. Im globalen Norden sammeln sich hingegen durch angeworbene Studierende und Arbeitskräfte, Fluchtbewegungen und transnationale Migration zunehmend Menschen verschiedener Altersgruppen mit unterschiedlichen Bildungsniveaus, Arbeitserfahrungen und Sprachkompetenzen, in der Hoffnung, von den sichereren Lebensgrundlagen in den Zielländern profitieren und in den Herkunftsländern verbliebene Angehörige unterstützen zu können. Einblicke in die Zuwanderungsgeschichte der Länder des globalen Nordens verweisen auf politische Pfadabhängigkeiten: Ehemalige koloniale Beziehungen hinterlassen in den Zuwanderungsbewegungen ebenfalls ihre Spuren wie vergangene und aktuelle Kriegsereignisse und/oder wirtschaftlich und politisch motivierte Regulationen der Zuwanderung. Daraus erklärt sich die Varianz migrationsbedingter sozialer Konstellationen in Zuwanderungsländern, die intern zusätzlich durch Wirtschaftsstrukturen, Wohnungsmärkte und politisch-administrative Steuerungsprozesse von Wanderungsbewegungen beeinflusst wird. Auch die deutsche Zuwanderungsgeschichte ist durch sehr unterschiedliche Migrationsbewegungen geprägt: In Ostdeutschland lebten beispielsweise bis zum Jahr 1989 nur sehr wenige Menschen mit einer ausländischen Herkunft; sie kamen als sogenannte Vertragsarbeiter*innen vorwiegend aus afrikanischen und asiatischen Ländern, mit denen die DDR Wirtschaftsbeziehungen unterhielt. In Bayern wurden hingegen in den 1950er-Jahren gezielt Vertriebene aus osteuropäischen Ländern wegen ihrer hohen Qualifikationen für den Aufbau der bayerischen Industrie angeworben und in mehreren Städten bewusst angesiedelt. In den westdeutschen Industrieregionen konzentrierte sich die in den 1960er-Jahren einsetzende und zunächst temporär konzipierte Gastarbeiteranwerbung auf europäische Nachbarländer. Viele dieser ‚Gäste‘ sind jedoch in Deutschland geblieben und haben hier mit den nachgezogenen Familienangehörigen zu einem multikulturellen sozialen Kosmos von Städten und Quartieren beigetragen. An international erfolgreichen deutschen Wirtschaftsstandorten sammeln sich inzwischen auch viele hochqualifizierte Beschäftigte aus Drittstaaten, die als Fachkräfte dringend gebraucht werden. In den ländlichen Regionen Westdeutschlands finden sich bis heute Spuren von Zwangsarbeiter*innen aus der Zeit des Nationalsozialismus und neuere Phänomene temporärer Saisonarbeit in der Landwirtschaft sowie im Fleischgewerbe. Die Kriegsereignisse im ehemaligen Jugoslawien
sowie in Afghanistan, Syrien und der Ukraine sorgen bis heute – neben anhaltenden wirtschaftlich, klimatisch und politisch bedingten Lebensrisiken in Asien, Afrika und Lateinamerika – für eine verstärkte Fluchtmigration, die an den unterschiedlichen Ankunftsorten zu wachsender sozialer Vielfalt beiträgt. Wie leben all diese unterschiedlichen Menschen in Städten und Gemeinden und welche Strukturen des sozialen Mit- und Gegeneinanders bilden sich aufgrund welcher Rahmenbedingungen heraus?

Heterogenität
Weder die Gruppe der Zuwanderer noch die schon immer in Deutschland ansässige Bevölkerung ist sozial homogen. Zuwanderer und Einheimische unterscheiden sich nach sozioökonomischem Status, milieuprägenden Lebensstilen sowie kulturellen und politischen Orientierungen. Bildungsniveaus und Einkommensunterschiede auf dem deutschen Arbeitsmarkt, das breit gefächerte Spektrum an Wohnkosten, Wohnqualitäten und infrastruktureller Ausstattung sowie unterschiedliche naturräumliche und soziokulturelle Freizeitmöglichkeiten verteilen Menschen zudem räumlich auf nationaler, regionaler und lokaler Ebene. Soziales Zusammenleben entwickelt sich zunächst lokal in privaten Wohnräumen, Nachbarschaften und im quartierlichen Wohnumfeld. An diesen Orten alltäglicher sozialer Praxis begegnen sich Menschen jeglichen Geschlechts und Alters, die im Verlauf ihrer Biographie in kleineren und größeren Haushalten je nach ihren sozialökonomischen Ressourcen und Wertorientierungen spezifische Lebensstile entwickeln. Je ähnlicher diese alltäglichen Lebensstile ausfallen, umso eher treten Menschen in Beziehung zueinander. Je mehr sich Lebensstile unterscheiden, umso vorsichtiger fällt die Kontaktaufnahme im näheren Lebensumfeld aus. In beiden Fällen stellt sich erst nach einer gewissen Zeit des sozialen Zusammenlebens heraus, ob sich dieses entweder produktiv und gegenseitig bereichernd oder konflikthaft entwickelt. Vorliegende Studien zu haushaltsinternen Beziehungen, zu Nachbarschaften und zur Quartiersentwicklung belegen immer wieder, dass weder kleinräumige soziale Homogenität noch entsprechende Heterogenität eine erwünschte Qualität sozialen Zusammenlebens garantieren. Einige Menschen bevorzugen zwar homogene Sozialstrukturen, stellen in solchen dann aber doch fest, dass nicht alle Aspekte vorhandener Lebensstile zusammenpassen. Andere empfinden homogene Sozialstrukturen eher als langweilig; sie schätzen bei gegebenen Distanzierungsmöglichkeiten das Anregungspotential sowie mögliche Komplementaritäten unterschiedlicher Alltagspraktiken und nutzen diese – Konflikte als Chancen billigend in Kauf nehmend – für eine Erweiterung ihres Erfahrungs- und Denkhorizonts. Auf der Ebene des gesamt Gemeinwesens zeigt sich die Vielfalt sozialer Konstellationen im öffentlichen Raum auf Straßen und Plätzen, in Parks und Grünanlagen, in Räumen für Bildung, Spiel und Sport sowie in öffentlichen Verkehrsmitteln. In diesen Räumen lassen sich Praktiken der Distinktion in sozialen Kreisen gut beobachten: Wer setzt sich neben wen in öffentlichen Verkehrsmitteln? Wer weicht wem auf der Straße oder auf Gehwegen aus? Wie mischen oder trennen sich soziale Gruppierungen in der Gastronomie, in Kultureinrichtungen, in Bildungsstätten oder Freiräumen? Die Mehrheit der Bevölkerung artikuliert zwar – verstärkt nach den pandemiebedingten Isolationserfahrungen – immer wieder den Wunsch nach Gemeinschaft. Gemeint ist damit in der Regel aber auf nachbarschaftlicher, quartierlicher oder Gemeindeebene eher die Gemeinschaft homogener sozialer Kreise, selbst wenn Vielfalt auf gastronomischer, kultureller und touristischer Ebene geschätzt wird und Erfahrungen zeigen, dass auch ähnliche Lebensstille konfliktanfällig sind. Soziale Heterogenität erfordert auf kleinräumigen Maßstabsebenen von Wohnungen, Gebäuden und Quartieren stets Bereitschaft zur Aushandlung von Regeln des Miteinanders, sobald einzelne Akteure oder ganze soziale Gruppierungen ihre Machtressourcen einsetzen, um eigene Interessen egoistisch durchzusetzen oder gar andere generell auszuschließen.

Interessen oder Orientierung als verbindendes Element
Gemeinschaften, in denen sich die Vielfalt der Bevölkerung abbildet, entstehen am ehesten bei größeren Sportveranstaltungen oder politischen Manifestationen. Verbindend sind dabei über differente Lebensstile hinweg das Interesse an einer Sportart oder bestimmte politische Orientierungen. Die zeitliche Begrenzung solcher Praktiken in heterogenen sozialen Kreisen ermöglicht
allen Beteiligten, sich nach Ende des Ereignisses in ihre jeweiligen Lebenswelten zurückzuziehen. Konflikte entstehen in solchen heterogenen sozialen Konstellationen während der Ereignisse, wenn die räumliche Anordnung verschiedener Gruppen nicht eingehalten wird, oder nach Abschluss eines Events, wenn Gruppierungen mit unterschiedlichen Auffassungen zum gemeinsam erlebten Geschehen im öffentlichen Raum aufeinandertreffen und ihre Differenzen mehr oder weniger friedlich austragen.

Kontaktloses Nebeneinander schürt Vorurteile
Siedlungsstrukturen, in denen viele verschiedene Menschen leben und sich im Alltag begegnen, tragen dazu bei, soziales Zusammenleben unter Respekt und Achtung für Differenz zu erlernen und entstehende Konflikte gewaltfrei in demokratischen Praktiken des Austausches und der Verständigung zu kanalisieren. Je weniger Gelegenheiten politische, wirtschaftliche, bauliche, infrastrukturelle und naturräumliche Strukturen zur Begegnung und Auseinandersetzung mit sozialer Andersartigkeit bieten, umso mehr entwickelt sich ein kontaktloses Nebeneinander innerhalb von Haushalten, in Freundeskreisen und Nachbarschaften, zwischen Regionen sowie Nationalstaaten. In einem solchen sozialen Klima gedeihen Vorurteile, Missverständnisse und egoistische Machtphantasien, die Konflikte fördern oder zu deren Eskalation beitragen können. Gesellschaftliche Strukturen und Prozesse sollten in allen ressortspezifischen und ressortübergreifenden Handlungsfeldern mit Sensibilität für deren Auswirkungen auf das lokale, regionale, nationale und globale soziale Zusammenleben gestaltet werden. Die in Deutschland und anderswo vielfach misslungene gesellschaftliche Eingliederung von Migrantinnen und Migranten verweist auf diese dringliche Herausforderung ebenso wie die Fluchtzuwanderung seit den 1990er-Jahren und das sich abzeichnende soziale Spaltungspotenzial der aktuellen Energiekrise.

Über die Autorin
Ingrid Breckner ist Erziehungswissenschaftlerin und promovierte Diplomsoziologin. Von 1995 bis 2021 lehrte und forschte sie als Professorin für Stadt- und Regionalsoziologie tätig zunächst bis 2005 an der TU Hamburg und anschließend an der neu gegründeten HafenCity Universität Hamburg. Neben stadtsoziologischen und methodologischen Lehrschwerpunkten in Stadtplanung und Urban Design konzentriert sich ihre Forschung auf soziale Stadtentwicklung, Wohnen, Migration, (Sub-)Urbanisierung, Unsicherheit und regionale Esskultur.

Vor gut 20 Jahren gingen Verbraucher in ein Ladengeschäft, um etwas zu kaufen. Später taten sie es online – weltweit. Heute ist beides verwoben: Menschen verschaffen sich online einen Überblick über die Angebote, aber erleben das Produkt im stationären Handel mit allen Sinnen und erkennen seine Wertigkeit. Ihnen sind Qualität und Ethik, eine nachhaltige Materialwahl sowie die Wiederverwendbarkeit der Produkte äußerst wichtig. Gleichzeitig möchten sie Teil einer Community rund um ein Produkt oder eine Marke sein. Sie wollen mitentscheiden, unterhalten werden, ihre Interessen ausleben und sich mit Gleichgesinnten austauschen. Die Antwort darauf sind pfiffige Hybridmodelle, zusätzliche (kostenfreie) Angebote passend zum Produkt, aber auch die Besinnung auf individuelle, auf den Standort abgestimmte Konzepte. Online unterstützen Customer-Insights-Plattformen, KI, Automatisierung sowie ganz neue Entwicklungen wie das Web 3.0 oder das noch schwer zu definierende Metaversum. Im Moment scheint alles möglich und eines ist ganz klar: Es genügt nicht mehr, einfach umzudenken, es müssen ungewöhnliche Konzepte geschaffen und gänzlich neue Wege beschritten werden, um offenkundig Gegensätzliches wie digital und analog, lokal und global, Stadt und Land miteinander zu verknüpfen und damit Retail neu zu formen.

„Buy Less, Choose Well, Make it Last“ – eine Phrase, die erstmals von der britischen Modedesignerin Vivienne Westwood geprägt wurde und heute präsenter denn je ist. Es geht nicht mehr nur darum, etwas zu kaufen. Vielmehr liegt der Fokus auf Qualität und Ethik bei der Herstellung. Das Bewusstsein der Verbraucher ist dahingehend geschärft, dass sie auf Produkte verzichten, deren Herstellung dem Wohlergehen der Menschen und unseres Planeten entgegenstehen. Eine nachhaltige Materialwahl im Sinne der Kreislaufwirtschaft wird immer wichtiger. Gleichzeitig entwickeln die Verbraucher ein größeres Verständnis für den Produktlebenszyklus, was sich darin zeigt, dass Reparatur, Recycling und Wiederverwendung an Bedeutung gewinnen.

Zu dieser Entwicklung gehört es auch, Produktion und Lieferketten resilienter und nachhaltiger zu gestalten. Dabei soll die Produktion der Produkte nicht vollständig in die nähere Umgebung (zurück)verlagert werden. Es gilt jedoch zu prüfen, inwiefern die Auslagerung tatsächlich sinnvoll ist.

War es lange Zeit ein entweder/oder, führen lokale Ladengeschäfte und Onlineshops heute eine Art symbiotischer Beziehung. Verbraucher schätzen das Omnichannel Shopping, bei dem sie sich online einen Überblick verschaffen und vor Ort die Produkte ansehen und testen können. Online können sie bisher nur eine Abbildung des Produkts sehen, im Laden spüren sie die Haptik und Materialität, sie erkennen die Wertigkeit und können das Produkt mit nahezu allen Sinnen erleben.

Gleichzeitig geht es schon lange nicht mehr nur darum, hochwertige Ware zu verkaufen, vielmehr können die Verbraucher ihre Interessen ausleben, Gleichgesinnte treffen und sich austauschen. Im US-Flagship-Store des Sportartikelherstellers Lululemon beispielsweise finden ein Yoga- und ein Fitnessstudio, ein Café sowie ein Meditationsraum Platz. Starbucks kollaboriert mit dem Smart Workplace Pionier ThinkLab und bietet in seinem Store in Tokio buchbare Arbeitsplätze für Einzelpersonen und Gruppen an, um der Nachbarschaft einen Service zu bieten, der über das Servieren von Kaffee hinaus geht.

Vielerorts entstehen Retailkonzepte, die nicht mehr losgelöst vom Umfeld gedacht werden. Dadurch werden die anonymen Einkaufsstraßen von vielfältigen und differenzierten Vierteln und Straßenzügen abgelöst. Etablierte (globale) Marken, aber auch Start-Ups erkennen diesen Trend und entscheiden sich ganz bewusst für kleinere, regionale Läden, die nicht nur in den Städten, sondern bewusst im ländlichen Raum angesiedelt werden. Dabei geht es vor allem um Personalisierung, um individuelle, auf den Standort abgestimmte Konzepte, die die potentiellen Kunden genau dort abholen, wo sie sich befinden. Die Mehrwert bieten, Interessen aufgreifen und sich an Lebenssituationen orientieren.

So bewegt sich IKEA beispielsweise weg von dezentralen Standorten sowie dem Schleusen der Besucher durch den gesamten Laden. Stattdessen setzt der Möbelhersteller neuerdings auf kompakte und übersichtliche Stores in Innenstadtlage sowie Formate, die an den spezifischen Kontext und die Bedürfnisse der Nachbarschaft angepasst sind. In New York beispielsweise gibt es seit 2019 einen Store, der sich auf die Ausstellung von Studio-Apartments spezialisiert hat.

Diese Entwicklung hin zur Personalisierung hat auch mit dem veränderten Selbstbild der Kunden zu tun: Sie sind längst nicht mehr nur Käufer, sie sind Teil einer Community rund um ein Produkt oder eine Marke. Sie wollen mitentscheiden, unterhalten werden und etwas erleben.

Das machen sich die Hersteller zunutze, indem sie die Nachfrage für ein Produkt anhand der Reaktion ihrer Community testen oder auch verschiedene Produkte gegeneinander antreten lassen, bevor sie eines davon produzieren lassen. Generell möchten Einzelhändler ein nahtloses Erlebnis und hybrides Einkaufen ermöglichen – online, im lokalen Geschäft, auf mobilen Geräten, in sozialen Medien und ähnlichem. Dabei ist es wichtig, die einzelnen Bereiche nicht gesondert, sondern übergreifend zu betrachten. Hierbei helfen Customer-Insights-Plattformen, die Daten über das Kaufverhalten und die Bedürfnisse der Kunden sammeln und auswerten. Eine künstliche Intelligenz kann nicht nur dabei unterstützen, die Kauferfahrung über die gesamte Customer Journey abzudecken, sondern beispielsweise bei Lieferengpässen den Kunden in Echtzeit informieren sowie Prognosen für die Zukunft abgeben.

Ist das alles noch leicht vorstellbar, klingen Stichworte wie Web 3.0, Metaversum oder Token schon eher nach Science Fiction. Doch auch wenn es in den Kinderschuhen steckt und teilweise noch schwer zu definieren ist, wird durch das Metaversum die Vernetzung von analog zu digital noch enger. Eine Vielzahl von Marken wie Adidas Originals, Gucci, H&M oder Puma haben diesen neuen Pfad bereits betreten, um in den virtuellen Räumen ein jüngeres Publikum für ihre physischen Produkte anzusprechen.

Lokal, regional, online … nichts davon kann mehr für sich betrachtet werden. Die Grenzen sind schon lange verschwommen und greifen ineinander. Der global agierende, anonyme Onlineplayer verliert immer mehr an Glaubwürdigkeit. Gleichzeitig kann ein ausschließlich regional tätiger Einzelhändler sich ohne ausgefallene Ideen kaum gegen die Konkurrenz behaupten. Diese Tatsache ist nichts neues, doch das Ausmaß scheint sich zu verändern. Es genügt nicht mehr, einfach umzudenken, vielmehr müssen ungewöhnliche Konzepte geschaffen und gänzlich neue Wege beschritten werden, um offenkundig Gegensätzliches wie digital und analog, lokal und global, Stadt und Land miteinander zu verknüpfen und damit Retail neu zu formen.

Als der Architekt Ern? Rubik Anfang der 70er Jahre als Architekturprofessor an der Hochschule für Industrielle Kunst in Budapest arbeitete, fielen ihm die schlechten Geometrie-Kenntnisse seiner Schüler*innen auf. Er dachte darüber nach und setzte sich hin, um ein Geduldsspiel zu erfinden, das das räumliche Denkvermögen seiner Schüler*innen trainieren würde. Noch wusste er nicht, woran er arbeitete und bastelte den ersten Prototypen aus Holz. Innerhalb weniger Wochen im Jahre 1974 konstruierte Rubik dann den ersten Zauberwürfel, der aus 27 kleinen Holzblöcken bestand. Um die Bewegung der Steine zu ermöglichen, experimentierte er zunächst mit elastischen Bändern, die jedoch zu leicht rissen. Schließlich kam er auf die Idee, in den Prototyp ein Mittelstück, eine Art Stern aus drei sich kreuzenden Achsen zu integrieren. Die Kanten und Eckstücke ordnete er so an, dass sie um das Würfelzentrum verschoben werden konnten. Schließlich beklebte Rubik jede Seite der kleinen Würfel mit Papier in verschiedenen Farben und stellte so das Lehrmittel für seine Student*innen fertig. Doch als er an dem Würfel zu drehen begann, bekam er plötzlich Probleme, den ursprünglichen Zustand wiederherzustellen. Rubik sagte später: „Es war wie ein Geheimcode, den ich selbst erfunden hatte, aber nicht mehr entschlüsseln konnte!“ Als er seinen Würfel wieder geordnet hatte, empfand er ein Gefühl der Freiheit. Da begriff Rubik, dass in seiner Erfindung viel mehr steckte als nur ein Lehrmittel. Damals arbeitete er noch als Architekt, später dann wurde er Professor an der Moholy-Nagy-Universität für Kunsthandwerk und Gestaltung in Budapest. Nachdem er seinen Prototypen entwickelt hatte, recherchierte er, dass es noch kein ähnliches Spielzeug auf der Welt gab. Am 28. Oktober 1976 meldete er das ungarische Patent mit der Nr. 170062 an und es wurde ihm sofort erteilt. Zwei Jahre später schickte er ein Exemplar des Würfels an die britische Firma Pentangle. Der Inhaber verstand sofort, worum es ging und erwarb die Lizenz zum Vertrieb in Großbritannien. Währenddessen vergab die ungarische Regierung 1979 die weltweiten Verkaufsrechte an eine amerikanische Firma. Doch es blieb nicht beim Verbreiten in der Spielwarenwelt. Auf einem internationalen Mathematik-Kongress in Helsinki drehten Professoren stundenlang an ihrem Spielzeug mit den 43 Trillionen Lösungsmöglichkeiten herum und der knapp sechs Mal sechs Mal sechs Zentimeter große Würfel fand immer mehr Anhänger.

Der Prozess des Erfindens

Der Prozess des Erfindens, der eine schöpferische Leistung ist, durch den eine neue Problemlösung, also die Erreichung eines neuen Zieles mit bekannten Mitteln oder eines bekannten Zieles mit neuen Mitteln ermöglicht wird, ist weder Architekt*innen noch Ingenieur*innen unbekannt. Die meisten gehören automatisch zu dieser Gruppe. „Man liebt seinen Gegenstand. Man liebt den Prozess. Man liebt das Ergebnis“, erklärte Rubik seine Motivation, sich mit einem Problem zu befassen, es zu lösen oder es – wie in seinem Fall – überhaupt erst in die Welt zu setzen. Die Liste derer, die als Erfinder*innen gelten und aus der technischen Welt kommen, ist lang: Angefangen mit Leonardo da Vinci bis hin zu Steve Wozniak, von Turbostrahltriebwerks über Telefone, Flugzeuge, Computer, Radio, Papierrohstoff, Glühbirne… Ingenieur*innen und Architekt*innen sind die Daniel Düsentriebs unseres Lebens. Neben den technischen Errungenschaften findet man Architekt*innen auch oft in der Kunst. So fällt einem zum Beispiel der Regisseur Peter Greenaway ein, der als ausgebildeter Architekt phantastische Filme auf die Leinwand gebracht hat wie beispielsweise „Der Bauch des Architekten“ oder auch William Alsop, der in Groß Britannien ein angesehener Architekt aber ein namhafter Künstler gleichermaßen war. Statt Architekt zu werden, wählen die einen oder anderen Absolventen am Ende aber auch zuweilen eine zunächst abseitig scheinende Profession. So gibt es Restaurantbesitzer, Bürgermeister oder auch Zoodirektoren unter ihnen. Oder sie wurden legendär und berühmt wie Richard Buckminster Fuller (1895-1983).  Er war Mathematiker und Dichter, Kartograf und Lehrer und als Architekt der „geodätischen Kuppeln“ bekannt.

Perspektivwechsel

Der Perspektivwechsel, den die gelernten Architekt*innen jedoch dann einnehmen, wenn sie die Form des „Erfinders“ wählen, ist mitunter nicht ganz so leicht für sie. Armin Witt, der bereits vor 22 Jahren die “Gesellschaft für außergewöhnliche Ideen” gründete, weiß beispielsweise um die Problematik, dass „freie Erfinder selten auch gute Kaufleute sind. Das ist die Crux. Manchen ist ihre Erfindung genug. Und sie haben auch nicht die Zeit, sich ums Kaufmännische zu kümmern. Viele haben auch schlechte Erfahrungen mit der Industrie gemacht. Hinzu kommt: Oft fehlt den Investoren das technische Know-how. Die wissen gar nicht, was für tolle Sachen sie da auf den Tisch bekommen.“ Ja. Erfinder sind anders, es sind Leute, die verträumt oft nicht den Boden unter den Füßen spüren. Doch klar ist sowohl der Gesellschaft als auch der Politik schon seit langem, dass sie zu den schützenswerten Spezies gehören. Das spiegelt sich beispielsweise in zahlreichen Förderprogrammen auf Landes- oder Bundesbasis und bei den europaweiten Hilfsgeldern wider, die leider zu oft nicht ausreichend abgerufen werden. Viele Fördermittel bleiben beim Bund oder Land, denn den Meisten sind die Formulare zu kompliziert und benötigen zu viel Zeitaufwand. Wie wichtig es aber auch in Zukunft ist, Dinge nach vorne zu bringen, erkennt man, wann man sieht, wie die Bevölkerung wächst oder die Rohstoffe verknappen – wie wird unsere Welt im Jahr 2050 aussehen? Wie werden wir in 40 Jahren leben, wohnen, arbeiten, uns fortbewegen? Daran arbeiten weltweit Forscher*innen, Politiker*innen, Architekt*innen, Ingenieur*innen und Wissenschaftler*innen, denn die Zukunft hat längst begonnen.

Erfolg des Zauberwürfels

Natürlich können nicht alle sofort so erfolgreich sein wie der Zauberwürfel von Rubik. Oft auch scheitern die Erfinder*innen oder die Erfindungen derselben. Und manchmal ist es nur eine zufällige Idee, die zu einem ganz eigenen Werdegang führt. Bis 2020 wurde er alleine 450 Millionen Mal verkauft, freute sich vor allem in den 80er Jahren großer Beliebtheit und die Speecubing-Community wächst seit den 2000er Jahren weiterhin stetig.  Beim ersten Mal habe er über einen Monat gebraucht, um den Würfel zu lösen, erklärt Rubik und für ihn ist der Würfel kein Rätsel, sondern ein Spiel und ein Kunstobjekt. „Wenn man den Würfel gelöst hat, ist man noch lange nicht fertig“ erklärt Rubik und auf die Frage, warum der Zauberwürfel auch heute noch so viele Menschen fasziniert, hat er eine einfache Antwort: „Die Oberfläche der Welt hat sich verändert“, sagt Rubik, „aber unsere Gefühle, unsere Sehnsüchte sind immer noch dieselben wie vor Tausenden Jahren.”

„Sleeping Beauty“

oder die Rettung eines Jahrhundertbauwerks

Als die Multihalle von Frei Otto und Architekt Carlfried Mutschler 1975 im Rahmen der Bundesgartenshow (BUGA) eröffnet wurde, schrieb Manfred Sack in der „ZEIT“, dass es ein ‚Augenabenteuer‘ sei, eben ‚das Wunder von Mannheim’. Tatsächlich war der Besucher und die Fachwelt gleichermaßen beeindruckt von der bis heute größten, freitragenden Holzgitterschalenkonstruktion in der Mannheimer Innenstadt.

Die Berechnung der Flächen fand damals erstmalig über einen Computer statt und alles wurde zur Sicherheit auch noch einmal mit der Hand berechnet. Darüber hinaus testete Frei Otto, der spätestens durch das drei Jahre zuvor entwickelte Stahlnetzdach der Münchner Olympiahalle als Erfinder der leichten Flächentragwerke galt, anhand eines Modells die Lastensicherheit. Dazu hängte er 205 mit Wasser gefüllte Mülltonnen an eine Gitterschalenkonstruktion. Diese wich lediglich einen Zentimeter von der errechneten Deformation ab. Es konnte also tatsächlich gebaut werden. Frei Ottos Leitsatz: „Man muss mehr denken, mehr forschen, entwickeln, erfinden und wagen…“ zahlte sich bei seiner Arbeit immer aus. Denn die Halle machte schnell Furore und wurde rasch international und besonders im amerikanischen Raum sehr gut besprochen.

Dem Gebäude jedoch half es wenig. Denn der Stadtmagnet, der eine Fläche von 7.400 Quadratmeter überwölbte, kam in die Jahre. Die Holzlattenkonstruktion mit einer maximalen Querspannweite von 60 m und einer Längsspannweite von bis zu 85 m nebst einem Kuppelhöchstpunkt von 20 Metern war von der Feuchtigkeit angegriffen und die PVC-Haut der Konstruktion, also die Kunststoffbahn, mit der die Lattenkonstruktion 36 Jahre eingedeckt war, undicht geworden. Schlagregen und Tauwasser hatten die Randträger der Halle so stark in Mitleidenschaft gezogen, dass die Baupolizei das Bauwerk sperren ließ. Die Halle konnte nur noch mit Notabstützungen sichergestellt werden. Jahrelang kümmerte man sich nicht mehr darum, ganze sechs Jahre war die Halle sogar unzugänglich.

Im Juni 2016 wurden die Sanierungskosten auf 11,6 Millionen Euro geschätzt und so beschloss der Gemeinderat, die Halle zum Abriss freizugeben. Die Sanierung des Bauwerks, das bereits 1998 unter Denkmalschutz gestellt worden war, sei wegen der hohen Kosten und weiterer Risiken im Bauverlauf weder trag- noch zumutbar. Aber – wohlwissend, dass die Halle und vor allem sein Architekt Frei Otto ein Name wie ein Donnerhall in der Architektenschaft ist – ließ der Gemeinderat noch eine Möglichkeit offen. Gelänge es, bis Ende 2017 Gelder über externe Firmen oder Mäzene zu rekrutieren und die Betriebskosten auf einen finanziell sicheren Boden zu stellen, so könne man noch einmal über eine Sanierung nachdenken.

Der internationale Aufschrei in der Kreativ-, Architekten- und Ingenieurswelt war entsprechend groß: „Der Beschluss des Mannheimer Gemeinderats 2016, die Multihalle gegebenenfalls abzureißen, führte zu einer großen Protestwelle. Vor allem in der internationalen Architektenszene. Und vor dem Hintergrund des Pritzker-Preises, den Frei Otto noch 2015 verliehen bekommen hatte. Diese Protestwelle hatte sich sehr schnell  in eine große Welle der Unterstützung gewandelt, die bis heute vorhält. Von ganz vielen unterschiedlichen Institutionen, vor allem von Architekt*innen, Universitäten, aber auch von Kulturschaffenden“, erläutert Tatjana Dürr, Referentin für Baukultur der Stadt Mannheim. Unter dieser internationalen Öffentlichkeit fanden sich rasch Interessenten, die an der Hallenrettung mitwirken sollten. „Ich glaube es ist wichtig, dass wir dieses Experimentierfeld, wie es Frei Otto ja auch angedacht hatte, erhalten und uns hier Gedanken machen über die Stadt der Zukunft,“ erklärte Dr. Matthias Rauch, Mitglied der kulturellen Stadtentwicklung eines Start-Ups in Mannheim, der als Netzwerker, Koordinator und interdisziplinärer Schnittstellenarbeiter in Mannheim dient und dort Projekte insbesonders gemeinsam mit Akteur*innen der Stadt entwickelt.

Bald war auch ein Sponsor gefunden: Prof. Philip Kurz sah als Geschäftsführer seiner ‚Wüstenrot Stiftung‘ eine sehr dankbare Aufgabe in der Rettung oder auch im Erwecken der schlafenden Schönheit. Der erste Beitrag bestand in der planungsbegleitenden, probeweisen Umsetzung der planerischen Sanierungs-, Verstärkungs- und Reparaturideen 1:1 am Objekt. Dadurch wurden – ganz im Sinne von Frei Otto –  auf experimentelle Weise Erkenntnisse gewonnen, die zu Planungs-, Kosten- und Terminsicherheit führten, bevor die Maßnahmen zur Ausführung ausgeschrieben wurden.

In einem ersten Schritt wurden Dellen und Beulen mit 100 Schwerlastsprießen wieder in die ursprüngliche Geometrie gedrückt und die Bewegungen der Konstruktion mit Lasern abgebildet und überwacht. In einem zweiten Schritt die Verstärkung der Holzkonstruktion und ihrer Anschluss- und Befestigungsdetails einschließlich der Membran getestet. Danach folgten der probeweise Austausch eines Holzrandträgers und die Instandsetzung einer Stahlstütze: „So wie die Multihalle ursprünglich experimentell gebaut wurde, so muss die Instandsetzung experimentell ablaufen“, fand Prof. Kurz und sein Prüfingenieur für Bautechnik, Axel Bisswurm, ergänzt: „Es gibt auf der ganzen Welt kein vergleichbares Bauwerk. Diese Multihalle ist wirklich einzigartig. Und deshalb gibt es auch niemanden, der Erfahrung mit der Instandsetzung hat.“

Neben der fachlichen und handwerklichen Kompetenz kamen andere Unterstützer dazu. So der  Architekturtheoretiker Prof. Dr. Georg Vrachliotis, der rückschauend stolz auf den Erfolg der Rettungsaktionen ist: „Seit 2016 die Idee aufkam, die Multihalle abzureißen, konnten wir durch eine ganze Reihe von Aktionen und Ausstellungen Kampagnen erschaffen, um das Bauwerk zu erhalten und wiederzubeleben. Zu nennen sind etwa die Ausstellung auf der Architekturbiennale in Venedig „Sleeping Beauty“. Der Name ist gewissermaßen auch heute noch Programm: Es geht um das Wachküssen einer Jahrhunderthalle, eines Jahrhundertbauwerks hier in Mannheim.“

Bereits 2017 fanden dann die ersten internationalen Workshops mit der Entwicklung von Nutzungskonzepten statt. Einige sehen auch heute noch das große Potential dieser einzigartigen Bauweise und vergleichen die Möglichkeit, mit der Multihalle Werbung für die Stadt zu machen, mit der Werbewirkung des Eifelturms in Paris. Prof. Dr. Georg Vrachliotis weiß die Vorzüge zusammenfassend zu benennen: „Die Multihalle hat uns das räumliche Denken wieder näher gebracht. Sie hat uns gezeigt, dass Innovation nicht unbedingt eine Frage der Technik ist. Vielmehr geht es um soziale Innovation im gesellschaftlichen Sinne.“

Um diesen Mehrwert kämpfen nun Start-Ups, mittelständische Unternehmen oder auch Großkonzerne. Denn Dr. Matthias Rauch weiß, dass „Kultur und Kreativität (…) essentiell wichtig für Stadtentwicklungsprozesse sind. Kultur ist auch ein Innovationstreiber für andere Branchen. Es bringt People aus unterschiedlichen Branchen, aus unterschiedlichen Schichten, Kulturen und Sprachen zusammen, kann verbindend sein, kann neue Gemeinschaften schaffen… Wir haben beispielsweise Kunst- und Kulturprojekte für Kinder und Jugendliche gemacht, wir haben eigens komponierte Musik in der Halle aufgeführt, Symposien, wir haben Foren gehabt wie das erste Placemaking-Forum, wo wir uns Gedanken gemacht haben, wie wir das Projekt in Mannheim weiterentwickeln. Und wir hatten eine Summerschool mit Architektur- und Designstudierenden aus der ganzen Welt, wo wir mobile Architekturen aus Holz gebaut haben. Diese wollen wir jetzt auch im öffentlichen Raum zum Einsatz bringen.“

Mittlerweile weiß auch die Stadt ihr Kleinod zu schätzen: „Ich glaube die Multihalle mit ihrer Ausstrahlung signalisiert von Vorneherein Offenheit. Wir haben schon beim Prozess der Wiederaneignung der Halle gespürt, welches Potential sie für uns hat. Die Multihalle war ein Symbol für die Zukunft und sie ist es heute immer noch und das ist faszinierend. Es ist ein ikonographischer Bau, der damit automatisch Identität erzeugt. Viele Mannheimer und Mannheimerinnen orientieren sich an diesem Bau und teilen Erinnerungen“, erklärt Dr. Peter Kurz, Oberbürgermeister von Mannheim.

Die große Herausforderung für die Städte der Gegenwart ist es, trotz der Vielfalt der Menschen und der Gesellschaft, Räume der Begegnung zu schaffen und in diesem Fall zu erhalten. Kontakt mit anderen herstellen, sich austauschen – auch das ist ein Stück städtischer Kultur.

In den folgenden drei Jahren werden weitere Nutzungskonzepte gemeinsam mit Bürgerinnen und Bürgern für die Halle erarbeitet. Es wird ein Gemeinschaftsprojekt – so wie die Sagrada Familia in Barcelona. Und es gilt, eine eingeschlafene Schönheit wieder zu erwecken und die Neugier des einen oder anderen Unterstützers zu erwirken. Mit dieser gemeinsamen Kraft wird die Bundesgartenschau im kommenden Jahr 47 Jahre nach der Einweihung der Multihalle sicherlich ein zweites Mal reüssieren.

 

Gastbeitrag von Caspar Schmitz-Morkramer, Gründer und Inhaber von caspar.

 

Unsere Innenstädte haben ein riesiges Problem: ihre Monotonisierung. Große Handelsketten, multinationale Marken und globale Franchise-Unternehmen zeichnen ein generisches, austauschbares Bild. Waren es erst die hohen Mieten, die kleine, individuelle Einzelhändler vom Markt verdrängten, kam dann das boomende Online-Geschäft hinzu, das den stationären Handel immer stärker bedroht. Eine Entwicklung, die viele deutsche Städte unattraktiv macht – mit fatalen Folgen für das Stadtbild und den Einzelhandel.

Um sich mit diesem Problem intensiv auseinanderzusetzen, haben wir von caspar. vor etwa zwei Jahren unser Forschungsteam caspar.esearch gegründet. Mit dem Ziel, die Diskussion anzuregen, wie man Städte und öffentliche Räume wieder nach den Bedürfnissen des Menschen gestalten kann.

Ende des letzten Jahres war es dann soweit: Wir haben unser erstes Arbeitsergebnis veröffentlicht: retail in transition. Mit unserem lab report betreiben wir in drei Kapiteln Ursachenforschung, stellen innovative Strategien vor und skizzieren neue Perspektiven. Das Wichtigste: Wir begreifen den Handel im Wandel als große Chance für unsere Innenstädte, den Menschen mit seinen Bedürfnissen wieder in den Mittelpunkt zu rücken. Ganz nach unserem Markenkern Maßstab Mensch und unserer Vision von der europäischen Stadt als eine durchmischte, interaktive Erlebniswelt.

Echte Produkterfahrung und durchmischte Angebotsvielfalt

Auch wenn der Online-Handel dem stationären Handel schwer zusetzt und in puncto Auswahl und Komfort überlegen scheint – einen entscheidenden Vorteil hat Stadt gegenüber dem E-Commerce: das sensorische Erlebnis. Und genau hier setzen wir an. Wir müssen wieder Aufenthalts- und Erlebnisqualität schaffen. Wir kaufen heute nicht mehr nach Bedarf ein, weil wir etwas benötigen. Sondern wir kaufen ein, weil wir ein Erlebnis haben wollen. Sie möchten ein paar Schuhe kaufen und kommen mit der Reisetasche nach Hause. Aber Sie benötigen weder die Schuhe noch die Reisetasche. Es geht um eine gewisse Art von Befriedigung durch Lust-Einkaufen. Und darin steckt das große Potenzial von Stadt: Der stationäre Handel kann neben echter Produkterfahrung mehr bieten als der Online-Handel. Besonders durch eine durchmischte Angebotsvielfalt. Denn nach dem Shopping wollen Sie vielleicht noch im italienischen Café einen Espresso genießen oder beim indischen Spezialitätenhändler vorbeischauen. Zwar werden wir sicherlich alles irgendwann digital kaufen. Der Laden der Zukunft funktioniert aber nur, wenn die digitale Welt und das stationäre Erlebnis intelligent verschmelzen.

 

Mit retail in transition möchten wir nicht nur Denkanstöße geben. Es ist eine Einladung zur Diskussion für alle. Daher bieten wir unseren lab report als freien Download auf unserer Website an. Dort gibt es auch einen Podcast zum Thema – ein Gespräch mit dem Kölner Baudezernenten Markus Greitemann über kreative Ideen und spannende Zukunftsvisionen, um die Domstadt als erlebnisreichen Ort neuzugestalten.

Weitere innovative Ideen für eine Stadt der Zukunft gibt es in der Forschungsarbeit „retail in transition“.
Gratis Download: www.caspar.archi/esearch
Das Studiogespräch gibt es zum Nachhören als kostenfreien Podcast auf caspar.archi/podcast

 

Die Autoren des lab report

Caspar Schmitz-Morkramer studierte Architektur in Aachen und Berlin. Er absolvierte Architekturkurse in New York, lernte klassisches Zeichnen in Florenz und sammelte Arbeitserfahrung bei Murphy/Jahn in Chicago und Renzo Piano in Genua. 2019 ging sein Büro caspar. aus dem 2004 gegründeten Büro meyerschmitzmorkramer hervor. Die Arbeit von Caspar Schmitz-Morkramer wurde mit zahlreichen Preisen und Auszeichnungen gewürdigt. Darunter die zweifache Auszeichnung der Abtei Michaelsberg mit dem renommierten MIPIM Award.

Aurelio David studierte Architektur in Torino und Duisburg und sammelte parallel Erfahrungen in den Bereichen der nutzerzentrierten Forschung und partizipatorischen Design Methoden. Nach seiner Promotion über kollaborative Design Methoden im Bereich der Stadtplanung verstärkte er das Forschungsteam caspar.esearch und untersuchte die Zukunft architektonischer Typologien und urbaner Strukturen. Zurzeit arbeitet Aurelio als Design Stratege im Architektur- und Designbüro Gensler, wo er quantitative und qualitative Forschungsmethoden für das Workplace Design und Change Management einsetzt.

Federico Garrido studierte Architektur in Buenos Aires und promovierte anschließend in Kaiserslautern. In den letzten Jahren unterrichtete er neben seinen Forschungsaktivitäten Kurse in den Bereichen Digital Design Tools und Digital Manufacturing an der RWTH in Aachen. Zeitgleich arbeitete er im Forschungsteam caspar.esearch. Sein Forschungsinteresse gilt insbesondere der Schnittstelle von Design und Technologie. Zurzeit ist er als Dozent an der Deutschen Universität Kairo tätig.

www.caspar.archi

 

 

Animationen: caspar.

 

 

“Die Stadtküste atmet – AUF” lautete der Titel der Aktion zum Auftakt der Klimawoche am 19./20. September 2020 im Hamburger Katharinenviertel, zu der Hauptverkehrsstraße an der Hamburger Altstadtküste gesperrt und in einen erlebbaren Stadtraum verwandelt wurde. Zu den zehn Initiatoren und Förderern gehört auch der AIT-ArchitekturSalon, der mit einer hochkarätig besetzten Open-Air-Stadtdiskussion samt Bläser- und Streich-Konzert aus den Luken der Speicherstadt einen Höhepunkt des Wochenendes beisteuerte. “Sinnlichkeit … Hören und Riechen der Stadt“ hieß das Format mit rund 25 Impulsvorträgen, das sich mit dem Erlebnis der Stadt auf der Ebene aller Sinne auseinandersetzte. Eine Höhepunkt war sicherlich die Lesung von Benjamin Reding über Sinnlichkeit und Architektur. Der Architekturkritiker Olaf Bartels blickt auf diesen besonderen Tag zurück.

 

Den Film über die Aktion schauen

Mit allen Sinnen

von Olaf Bartels

Ein Hauch von Revolution wehte auch über die Veranstaltung „Sinnlichkeit … Hören und Riechen der Stadt“ im Rahmen der Reihe „Die Stadtküste atmet – AUF!“. Schließlich sind Barrikaden und Straßensperren ein besonderes Genre der Architekturgeschichte. Unter anderem Gottfried Semper, der große Sohn Hamburgs, erlangte damit Ruhm, aber auch Schmach. Die Straße Bei den Mühren für einen Tag am 19. September 2020 war gesperrt, die Barrikaden gegen den Autoverkehr errichtet worden. Das geschah zwar auf Bürgerinitiative, aber mit dem Segen der Obrigkeit. Letzterer war selbstredend nicht ganz einfach zu erlangen, denn der Kampf um Veränderungen findet heutzutage eher bürokratisch-virtuell als auf der Straße statt. So blieb den Barrikadistinnen und Barrikadisten aber die Freude, ihren Erfolg direkt vor Ort zu feiern. Ganz undurchlässig blieben die Sperren allerdings nicht: der Fuß- und Radverkehr durfte passieren und so blieben der eine oder die andere auch stehen und lauschten den seltenen Klängen, die der Verkehr sonst übertönen hatte. In den Luken der gegenüberliegenden Speicherstadt spielten das Bläserensemble Brasso Hamburgo unter der Leitung von Alexander Kockel und das Streicherensemble Nova Consonanza unter der Leitung von Nina Eberle auf. Sie gaben der Stadt einen neuen Klang.

Kristina Bacht (AIT-Architektursalon, Hamburg), Frank Engelbrecht (Pastor der Hamburger Hauptkirche St.Katharinen) und Dr. Nikolas Hill (Hamburger Konvent und von Beust & Coll, Hamburg/Berlin/Brüssel) begrüßten das Publikum für die Veranstalter und eröffneten damit eine Diskussion, die sich im Folgenden um öffentliche Räume drehte: Um deren Qualitäten zum Aufenthalt, aber auch als Durchgangs- oder Verkehrsräume. Die zeitweilige Abwesenheit des Autoverkehrs nutzen die Rednerinnen und Redner, um deutlich zu machen, was fahrende, aber auch ruhende Kraftfahrzeuge allein durch ihre vielfältige Präsens an sinnlichen Eindrücken überdecken oder an Möglichkeiten verhindern. Kristina Bacht und der Münchener Architekt und Stadtplaner Michael Ziller moderierten die Inputs und Diskussionsbeiträge.

Der Vorstandsvorsitzende der Bundesstiftung Baukultur Reiner Nagel stellte zu Beginn den aktuellen Baukulturbericht vor, der sich explizit mit öffentlichen Räumen in Deutschland befasst und zeigte daran unter anderem auf, wie stark sich der PKW-Verkehr aber auch die Entwicklung der Fahrzeuge in Größe und Gewicht Einfluss auf öffentliche Räumen nehmen und welchen Wert diese (wieder) erlangen können, wenn dieser Verkehr dort reduziert würde.

Die anschließenden Beiträge unterstrichen seine Ausführungen aus unterschiedlichen Perspektiven und auf unterschiedliche Weise. Der Schauspieler Benjamin Reding erinnert sich beispielsweise literarisch an die Erfahrungen beim Spielen auf der Straße in Kindertagen. Michael Ziller berichtete von Reiseerfahrungen und Eindrücken fremder Städte, die mit allen Sinnen aufgenommen hatte. Antje Stockmann Professorin für Landschaftsarchitektur an der nahegelegenen HafenCity Universität erinnert an die naturräumlichen Qualitäten der Stadt, die mit weniger Autoverkehr deutlicher wahrnehmbar sind.

Es schlossen sich viele Rednerinnen und Redner mit ihren Beiträgen, die sie zum Teil als kurze Videobotschaften aus der Ferne übermittelten, an und hoben den einen oder anderen Aspekt hervor, der durch den Autoverkehr zurückgedrängt oder ohne ihn besser erlebbar wäre oder sie erklärten, wie der Verkehr besser organisiert werden könnte. Man konnte lange Zeit den Eindruck haben, dass man sich schnell darüber sehr einig war, ohne das Auto auf Straßen und Plätzen besser leben zu können.

In der abschließenden Podiumsdiskussion gab die Verkehrsplanerin Prof. Stefanie Bremer (Uni Kassel) ihren Mitdiskutantinnen und Mitdiskutanten auf dem Podium und im Publikum zu bedenken, den Verkehr, insbesondere den PKW-Verkehr nicht zu vergessen, schließlich seien die Autos nur temporär abwesend und stauten sich jetzt während man auf der gesperrten Straße diskutiere auf anderen Straßen in der Stadt. Auch der Fuß- und Radverkehr sei durch die Sperrungen nur beruhigt und in der Stadt letztlich auch ein ernstzunehmender Faktor. Alle Menschen wollten sich eben auch schnell bewegen, nicht nur mit dem Auto, auch mit dem Fahrrad oder zu Fuß. Man säße hinter den Barrikaden in einer Ausnahmesituation. Für den Alltag lud sie alle Planenden ein, eng mit den Verkehrsplanerinnen und Verkehrsplanern zusammenzuarbeiten.

Am Ende der Veranstaltung wurde der Diskussionsraum wieder geöffnet. Streichermusik erfüllte den Straßenraum, Radlerinnen und Radler, Fußgänger und Fußgängerinnen hatten wieder frei Bahn und konnten die neue Wegefreiheit für den Rest des Wochenendes feiern bis auch die letzten Barrikaden fielen und der Alltagsverkehr wieder seinen Lauf nehmen konnte.

 

 

Der Duft im Kleinhirn

von Benjamin und Dominik Reding

Bald geht dieser Sommer zu Ende. Es war ein warmer Sommer, ein lieblicher Sommer, fast ein zärtlicher Sommer. Aber es war kein Sommer wie sonst: wir konnten nicht weg, wir blieben zu Haus. Und erinnern uns umso sehnlicher an den Sommer davor. Den Sommer ohne Maske und Abstand, als wir noch reisen durften und sie heimbringen konnten, in unseren Koffern, unseren Kameras, selbst in der Kleidung: die Reiseerinnerungen. In den Koffern als Herzmuschel vom Strand auf Korsika, als Schneekugel aus Russland, mit Kreml und Basilius-Kathedrale, als U-Bahnplan aus Osaka, auf unseren Smartphones als JPEGs und in unserer Kleidung als Geruch, vielleicht als Duft – vielleicht auch als Gestank.

Wir brauchen nur tief durchzuatmen und sind wieder mittendrin: Im Dieseldunst von Karatschi, in den Eukalyptus-Wäldern bei Sydney, an der Hafenmole auf Samos oder der Kehrwiederspitze in Hamburg, überhaupt am Meer. Die Erinnerung quillt wie sämiges Sonnenöl an die Oberfläche. Wie riecht das Meer? Nach Seetang? Nach Fisch? Nach H2O? Vielleicht Salzig? Es riecht salzig. Aber wie riecht Salz?

Gerüche beschreiben fällt schwer. Wie riecht Zimt? Wie riecht Lavendel? Wie riecht Erde? Und dennoch, steigen die Geruchs-moleküle erst einmal in die Nase, kann man sich an Orten wieder-finden, die tausende Kilometer entfernt liegen, Räume betreten, die es nicht mehr gibt und Menschen begegnen, die längst entschwunden sind. Da reicht der Waschpulverduft eines Handtuchs, um zurück in Mutters Kinderbadewanne versetzt zu werden, der Mief von abgetretenem Linoleum, um wieder das Bockspringen in der Grundschul-Turnstunde üben zu müssen, der Geruch von Zigarrenqualm und Kölnisch Wasser, um wieder am Kaffeetisch in Opas alter Wohnung zu hocken. 2 Aber es sind nicht nur Orte, Räume und Menschen, die mit den Duftmolekülen zurückkehren: es sind die Gefühle.

So stark, als wären sie keine sichere, wohlfeile Erinnerung, sondern machtvolle Realität, mal bedrohlich, mal bitter-süss: Das grenzenlose Kinderglück im Badehandtuch, die Versagensangst in der Sport-stunde, das Unbehagen an Opas streng-steifer Kaffeetafel. Gerüche sind die Bernsteine des Kleinhirns, gut sichtbar und luftdicht versiegelt, die Brausetabletten des Unterbewussten, kurz und heftig schäumen sie auf, um dann rückstandsfrei zu zerfallen.

Wenn man da doch rankommen könnte, die dunklen Mächte nutzen. Könnte man mit Gerüchen malen, es würde ein Bild des Rausches, des Glücks, der Ekstase. Und könnte man mit Gerüchen Architektur erschaffen, dann…

Schneetreiben in der Innenstadt. Die Kälte verschluckte die Diesel-Schwaden. Und meine Schuhe machten lustige Geräusche im Schnee „krch, krch, krch“. Ich kam von der Grundschule, hatte gelernt, dass man „nass“ mit Doppel-S, aber „Fuß“ mit Eszett schreibt und fror, bitterlich. Die Straßenbahn nach Hause fiel aus. Es ging mir wie dem Mädchen mit den Zündhölzern, ich suchte nach Wärme und Schutz. Da sah ich es: Ein Leuchten, Strahlen, Glitzern! Kugeln, Sterne, Figuren aus hauchdünnem Glas schwebten aufgehängt an unsichtbaren Drähten im Rechteck eines Schaufensters. Mein Atem dampfte, beschlug die Scheibe. Und hier schon meinte ich es zu erschnuppern: Fein, süß, holzig, betörend. Ich trat ein.

„Boah“, sagt ich. Der Boden aus nachtblauem Schiefer, die Decke ein Firmament aus Glühbirnen, die Treppen ein Aluminium-Plexiglas-Gestänge, die Wände aus Mooreiche, Sessel aus Stahlrohr und Leder, eine Galerie über drei Etagen, umstellt von Glas und Porzellan, kostbar, edel, zerbrechlich. Wie das Wohnzimmer eines Millionärs sah das Geschäft aus und eigentlich war es das auch, denn sein Inhaber, Philip Rosenthal, war Millionär und sein privates Domizil, ein Schloss in Franken, soll ganz ähnlich eingerichtet gewesen sein. Aber das Einmalige, ja Unbeschreibliche dieses Porzellanladens war der Geruch, der hier – ohne Zweifel – ein Duft war. Fest hat er sich in mein kindliches Unterbewusstsein eingebrannt: Schnuppere ich Wachskerzen, bin ich wieder dort. 3 Rieche ich Sandelholz, bin ich wieder dort, rieche ich Leder, bin ich wieder dort. Blumenläden duften nach Blumen, Kleiderläden nach Baumwolle, Apotheken nach Isopropanol- Alkohol, Parfümerien nach Parfüm, Rosenthal aber verkaufte Glas und Porzellan, das riecht erstmal nach gar nichts. Also unternahm er etwas. Wer wie er vor den Nazis fliehen musste, der weiß wie Angst riecht, wer bedroht wurde, weiß, wie Gewalt stinkt und wer die Flucht überstanden hat, weiß, wie der erste Morgen in dem Land duftet, das dich aufgenommen und gerettet hat. Herr Rosenthal kannte die Macht der Gerüche. Und er machte sie sich zu nutze. Nie wieder bin ich einer so perfekten, olfaktorischen Architektur-Kreation begegnet.

Aber war es so? Gab es das wirklich? Gezielt geplante Geruchs-kulissen? Oder war die Rosenthal´sche Duft-Offenbarung doch nur ein Zufall? Sind die Gerüchte über Gerüche vielleicht allesamt Fake-News? Man hört da ja so manches: Es gäbe Autos, die einen über die Ausdünstungen der Kunststoffsorten dazu bringen, die richtigen Knöpfe zu drücken und versteckte Düsen in den Lebensmittelabteilungen der Supermärkte, die auch aus dem verschrumpeltsten Salatkopf eine Delikatesse zaubern.

In dieser Nebenstraße in Eppendorf, wo ich dem professionellen Einsatz von Duft-Molekülen nun nachschnüffeln will, riecht es nach Beton. Vielleicht auch so ein Trick: Frischer Beton, das kündet ja von Aufbau, Aufbruch, Zukunft, das soll Dynamik, Kraft und Vertrauen vermitteln. Aber es ist nicht ganz so tricky: Das Bürogebäude aus den Siebzigern wird nur umgebaut, zwei Stockwerke kommen hinzu. Ich nehme die Stufen mit Schwung durch ein orange-rot-gekacheltes Treppenhaus, hinauf bis zur buntesten Bürotür: Dahinter „UNIT“, ein Innenarchitekturbüro. Die Shopdesign-Trendsetter Hamburgs. Projekte im In- und Ausland, vom Brillenladen bis zum Hotel, alles Einzelanfertigungen und alles absolut up-to-date. Die werden wissen, wie sich das mit den Gerüchen und deren Gestaltung so verhält und mir vielleicht noch die must-see-Farbe und den must-sniff-Geruch der kommenden Design-Saison verraten.

Ich erwarte ein Labor hinter der Tür, antiseptisch wie eine Raumstation, voller Mitarbeiter in weißen Kitteln, die konzentriert und geschäftig mit Reagenzgläsern und Erlenmeyerkolben angefüllt mit hochwirksamen Duft-Substanzen hantieren, erwarte Testpersonen, die mittels 4 Geruchsproben zum Kauf von zwei linken Socken oder durchlöcherten Regenmänteln animiert werden, erwarte strenge Materialkontrollen, damit keinem Verkaufstisch je ein Odor von überreifem Harzer Käse oder Aal in Gelee entströmt.

Am Eingang begrüßen mich die Chefs, aber nicht in weißen Kitteln, sondern im T-Shirt, ganz sommerlich entspannt. Bei der Trendfarbe wird man sich schnell einig. Die Mid-Century-Töne seien im kommen, Senfgrün zum Beispiel. Und der Trend-Geruch in der Ladenarchitektur? Sie grübeln, sie diskutieren, dann die Antwort: „Olfaktorisch neutral. Wenn überhaupt, dann sollen die Produkte riechen, nicht die Wände.“ Erst bin ich verblüfft, fast enttäuscht. Also doch keine Geheimdüsen mit Jasminblütenduft hinter müffelnden Ladenregalen. Aber schon auf dem Weg hinaus durchs Kacheltreppenhaus hebt sich meine Stimmung wieder. Mamas Handtuch, der Turnhallenboden, Opas Zigarren, diese Gerüche der Kindheit, die Düfte und Gestänke unserer Häuser und Gärten, unserer Straßen, unserer Städte, ja unseres Lebens, sie verstören und betören und gehören uns. Uns allein – und unseren Seelen.

 

 

 

 

 

 

 

Die Architektur Japans ist seit jeher Inspirationsquelle für Architekten weltweit. Dabei stellt sich die Frage, inwiefern und mit welchen Mitteln architektonische Gestaltungsprinzipien aus der japanischen in die europäische Kultur überführt werden. Dieser Transfer bildet den thematischen Fokus der Ausstellung „Dialoge Japan : Europa“. Im Zentrum stehen Rauminstallationen ausgewählter junger Architekturbüros, in denen ein wesentlicher Aspekt, ein verinnerlichtes Thema oder eine architektonische Idee der persönlichen Auseinandersetzung mit der japanischen Baukultur zum Ausdruck gebracht werden. Ergänzt werden diese mit Skizzen, Zeichnungen, Plänen, Fotografien sowie Statements der Büros, wodurch ein dichtes Panorama an Positionen und Entdeckungen einer jungen Architektengeneration aus Europa entsteht. Nils Rostek, der die Ausstellung “Japan : Europa” gemeinsam mit Kristina Bacht und Çi?dem Arsu-Minuth (AIT-ArchitekturSalon) konzipiert hat, beschreibt die Suche nach zeitgenössischen, transnationalen Ideen in der Architektur Japans und die Idee, die zur Gruppenschau geführt, die am 22. Januar 2020 mit einer Vernissage im AIT-ArchitekturSalon München eröffnet wird.

 Mehr Informationen zur Ausstellung Dialoge Japan : Europa

 

In der Auseinandersetzung mit dem jüngeren Einfluss japanischer Baukultur auf Europa und den damit verbundenen Diskursen, fällt der Blick zunächst auf den Anfang des zwanzigsten Jahrunderts und die Protagonisten Bruno Taut, Martin Gropius und Kenzo Tange.

Zu Beginn der 1930er Jahre war es Taut, der von den Nationalsoziaisten ins Exil getrieben, eine geplante Weltreise in Japan begann. Er folgte der Einladung des Architekten Isaburo Ueno, der ihm auch über Exkursionen zu ausgewählten Architekturen einen tiefen Einblick in die japanische Baukultur ermöglichte.

Anders als geplant blieb der deutsche Architekt einige Jahre. Es entstanden national und international vertriebene Publikationen, in denen er seine Sichtweise auf die dort vorgefundenen Architekturen reflektierte und in Bezug setzte zu den avantgardistischen Ideen der Moderne. Bauten wie zum Beispiel das japanische Heiligtum Ise-jind? (der große Schrein von Ise) oder die kaiserliche Katsura-Villa gerieten erstmals in den Fokus internationaler Aufmerksamkeit. Letztere wurde folgend durch Beiträge von Kenzo Tange, Walter Gropius und vor allem durch die Verbreitung der Fotografien des amerikanisch-japanischen Architekturfotografen Yasuhiro Ishimoto, der diese 1953 im Auftrag des MOMAs fotografierte, zu einer inspirierenden Referenz. Ein Gebäude im Westen Kyotos wurde zu einer Ikone – für die Prinzipien der Moderne, die Ornamentlosigkeit, Reduktion der Farben und den Skelettbau. Ein zweiter durch Arata Isozaki angeregter weiterer Fotozyklus stellte mit den vieldeutigen, fotographischen Darstellungen der geschwungenen Dächer und farbigen Interieurs die Bedeutung der Villa für die Prinzipien der Postmoderne heraus.

 

Verbundenheit mit der japanischen Baukultur

Die ursprünglichen Debatten um die Moderne oder Postmoderne sind zeitgenössischen Diskursen gewichen und die japanische Baukultur hat sich seinerseits im Abgleich mit den Ideen der westlichen Avantgarden verändert. Und doch scheint die Faszination an der Eigenständigkeit und den Ideen hinter der auf dem Inselstaat entstehenden Architektur ungebrochen.

Jüngst erschienen Publikationen von Rem Koolhaas und dem Kurator Hans Ulrich Obrist über den Metabolismus (2019), der ersten Avantgardearchitektur, die nicht im Westen entstand, oder von Seng Kuan und Cristian Kerez über Kazuo Shinohara (2018), einem der bis heute bedeutendsten japanischen Architekten.

Da überrascht es vielleicht auch nicht sehr, dass sich viele der führenden, jungen europäischen Architekturbüros auf essenzielle Weise diesem Land und seiner Baukultur verbunden fühlen. Allgemeingültig zu bestimmen, warum diese Auseinandersetzung gesucht wird und eine inhaltliche „Nähe“ in Themen, Konzepten und Ideen zwischen den beiden Kulturkreisen besteht, ist eine faszinierende, jedoch hoch komplexe Fragestellung. Kaum zu beantworten scheint denn auch die Frage, was denn nun als originär „japanisch“ oder „europäisch“ zu bezeichnen ist.

 

Begehbare Rauminstallationen prägen die Ausstellung

Auf einer individuellen Ebene jedoch kann diese Spur, die über Bruno Taut aufgenommen wurde, weiter verfolgt werden. Ungemein spannend ist es, diese bei den eingangsgenannten jungen europäischen Architekturbüros fort zu führen und zu einer zeitgenössischen Ausstellung und Sammlung von Positionen zusammenzuführen.

Die Fragen, inwiefern und mit welchen Mitteln architektonische Gestaltungsprinzipien aus der japanischen in die europäische Kultur überführt werden können, wie ein verinnerlichtes Thema oder eine architektonische Idee aus einer persönlichen Auseinandersetzung mit der japanischen Baukultur zum Ausdruck gebracht werden kann, waren der Ausgangspunkt für die Ausstellung Dialoge Japan : Europa.

Im Zentrum der Ausstellung stehen, die eigens für diesen Anlass entworfenen, begehbaren Rauminstallationen ausgewählter junger Architekturbüros, in denen ein wesentlicher Aspekt, ein verinnerlichtes Thema oder eine architektonische Idee dieser Auseinandersetzung zum Ausdruck kommen.

Architektur wird nicht wie so oft abstrahiert und in Form von Modellen oder Darstellungen gezeigt, sondern als Architektur selbst erfahrbar. Ergänzt werden diese Architekturen mit Skizzen, Zeichnungen, Plänen, Fotografien sowie Statements der Büros, wodurch ein dichtes Panorama an Positionen und Entdeckungen einer jungen Architektengeneration aus Europa entsteht.

 

Nils Rostek (Kollektiv A, München)

www.kollektiv-a.de

 

In der Gruppenschau sind Beiträge von Arrhov Frick Arkitektkontor AB (SE-Stockholm), Atelier Amont (CH-Basel), Eagles of Architecture (BE-Antwerpen), Fala Atelier (PT-Porto), Frundgallina SA (CH- Neuchâtel), Kawahara Krause (DE-Hamburg), NKBAK (DE-Frankfurt), Studio Maks (NL-Rotterdam), Studio Spazio (IT-Mantova) und UNULAUNU (RO-Bukarest) zu sehen.

Kuratiert wird die Ausstellung von Kristina Bacht und Çi?dem Arsu-Minuth in Zusammenarbeit mit Nils Rostek.

Ausstellungseröffnung: 22. Januar 2020 um 19:30 Uhr im AIT-ArchitekturSalon München mit den Gästen Tetsuya Kimura (japanischer Generalkonsul) und Prof. Dr. Jörg Gleiter (Inhaber des Lehrstuhls für Architekturtheorie an der TU Berlin)
Dauer: 23. Januar – 22. März 2020

Begleitend zur Ausstellung wird es ein umfangreiches Veranstaltungsprogramm geben. Im Anschluss wird die Schau im AIT-ArchitekturSalon Hamburg ausgestellt.

 

 

 

 

 

 

Wie sehen unsere Arbeitswelten von morgen aus? Vor dem Hintergrund der aktuellen Herausforderungen stellt sich diese Frage noch einmal ganz neu. Auch vor der radikalen Umstrukturierung unseres Arbeitslebens versprach das Thema New Work eine neue Perspektive auf die Frage nach der Zukunft der Arbeit in unserer vernetzten und komplexer werdenden Welt zu sein. Inzwischen trifft dies umso mehr zu. Zwischen Work-Life- Balance, Flexwork und Home-Office verschmelzen die Grenzen von Arbeiten und Leben. Wir arbeiten nicht mehr, um zu leben, und wir leben nicht mehr, um zu arbeiten. Man könnte fast meinen: WE DON‘T WORK. Mit einer eigens konzipierten Workshopreihe will LXSY Architekten in Zusammenarbeit mit wexim andere Facetten des Begriffs “New Work” beleuchten und so ein Kaleidoskop gesellschaftlich relevanter Themen erforschen. Unter Headlines wie “We don‘t work…” “we care”, “We eat” oder “We sleep” werden Experten ihr Fachwissen rund um ausgewählte Themen wie Social Leadership, nachhaltiges Essen oder gesunden Schlaf mit den Teilnehmern teilen. Für einen gemeinschaftlichen Wissenstransfer werden die gewonnenen Einblicke durch praktische Anwendungen für jeden Einzelnen direkt erfahrbar. Neben gesellschaftlichen Veränderungen wollen LXSY Architekten neue Visionen der sozialen Aspekte unserer zukünftigen Arbeitskulturen untersuchen. In ihrem Leitartikel geben die Architektinnen einen ersten Vorgeschmack.

 

Neue Räume – miteinander anders denken und handeln

von LXSY Architekten, Berlin

 

Was können wir als Gestalter von der Idee des Neuen Arbeitens lernen? Neue Formen des Arbeitens benötigen neue Räume. Innovative Konzepte setzen dabei eine Veränderung im Gestaltungsprozess voraus. Nur wer anders denkt, kann auch anders gestalten.

In einer stetig komplexer werdenden Welt stellt sich mehr und mehr die Frage nach einem selbstbestimmten und nachhaltigen Wandel. Wie wollen wir in Zukunft zusammen leben und arbeiten? Und wie können wir dieses morgen bewusst gestalten? Fortschreitende Entwicklungen der Globalisierung, Digitalisierung, Urbanisierung, Klimakrise und des demographischen Wandels bedürfen neuer Lösungen. Mögliche Antworten lassen sich bereits im Feld des New Work ablesen. Unter Schlagworten wie Co-Creation, Agilität, Holocracy, Business Ecosystems, Open Innovation findet eine Transformation der Arbeitswelt statt. Was aber bedeutet es wirklich agil, vernetzt, kreativ und kollaborativ zu arbeiten – ohne als einfache Plattitüde daherzukommen, die zum abgedroschenen Verkaufsschlager avanciert?

Vor dem Hintergrund der gegenwärtigen Herausforderungen stellt sich diese Frage noch einmal ganz neu. Bis vor Kurzem schienen Home-Office, flexible Arbeitszeiten und digitale Meetings noch undenkbar. Ganz unvermittelt haben die Veränderungen durch Corona uns als Gesellschaft mit neuen Realitäten konfrontiert. Krisen betonen mehr denn je, was wichtig ist und wie Zeiten wie diese gemeistert werden können – nämlich gemeinsam. Wir wollen es als Möglichkeit der Veränderung sehen, neue Beziehungen und Kontexte zu schaffen. Nur aus einem neuen Blickwinkel heraus können zukünftige Arbeitswelten entstehen und steife Strukturen von flexiblen und wandelbaren Organisationen abgelöst werden, die nachhaltig mit der Zeit wachsen können.

Aktuelle Probleme und Herausforderungen der Zukunft lassen sich nicht mit der Denkweise lösen, durch die sie in der Vergangenheit entstanden sind. Wir plädieren dafür, neue Denkräume zu ermöglichen, um gewohnte Strukturen zu transformieren. Gestaltung beginnt in unseren Köpfen und wirkliche Innovation erfordert eine neue Art des Denkens.

 

Flexible und anpassungsfähige Räume, in denen Menschen gemeinsam etwas auf die Beine stellen

Der erste Schritt dazu: den Mut zu haben, Dinge, die uns selbstverständlich erscheinen, zu hinterfragen, ohne bereits selbst eine fertige Antwort parat haben zu müssen. Mit diesen offenen Fragen kann die Basis für einen neuen Diskurs geschaffen werden. Erst wenn wir gemeinsam in Diskussion treten, kann eine Vielfalt an Sichtweisen ins Gespräch kommen. Diversität fördern wir, indem wir gemeinsam Wissen und das Bewusstsein für die Gestaltbarkeit der Welt teilen. Lasst uns also für offene Transformationsprozesse in Netzwerken und Kollaborationen denken. Unsere Aufgabe als Gestalter ist es, Ideen zu suchen, auszuprobieren, zu reflektieren, zu korrigieren und zu modifizieren. Wir mögen den Gedanken von C. Otto Scharmer „Erkunde die Zukunft im Handeln”.

Welche Räume benötigen wir für ein zukunftsfähiges Miteinander? Utopien können Realität werden, wenn wir Möglichkeiten anbieten. Unsere neuen Büros brauchen die Optionen für verschiedene Arbeitsszenarien, so dass jeder selbstbestimmt wählen und agieren kann. Durch Flexibilität und die Anpassbarkeit an wechselnde Umstände und Bedürfnisse wird der eigene Alltag gestaltbar. Wir fordern damit die Bereitstellung eines vielschichtigen Raumes, der Agilität im wahrsten Sinne des Wortes ermöglicht und nicht behindert. Darüber hinaus benötigen wir Orte des Austausches, an denen Menschen zusammenkommen, um gemeinsam etwas auf die Beine zu stellen – Orte, an denen Engagement und Verantwortung gelebt werden können.

Bereits das Bauhaus kann als Vorläufer der Co-Working Spaces und Startup-Hubs betrachtet werden – als ein Ort, an dem das gemeinsame Lernen im Vordergrund stand. Dessen Ansätze sind auch heute nach 100 Jahren noch aktuell: interdisziplinär und demokratisch die Welt neu betrachten, kritisch zu hinterfragen und die Gesellschaft zu verbessern. Wie damals durch die Industrialisierung stehen wir heute durch die digitale Transformation ebenso vor neuen Herausforderungen. Gestaltungsansätze, die sich auf Gemeinschaft, Transparenz, Demokratie und Freiheit berufen, können insofern vielversprechende Richtungen vorgeben, um neue Strukturen wachsen zu lassen.

In unserer Vorstellung des Neuen Arbeitens verabschieden wir uns von starren Hierarchien und ermöglichen stattdessen Organisationen, die einem lebendigen Organismus ähnlich eines Biotopes gleichen. Ein System, das jedem Einzelnen ermöglicht, mitzuwirken. Teilhabe ist ganz allgemein der Schlüssel für aktive Nachbarschaften und ein wertschätzendes Zusammenleben. Vom Kleinen ins Große übertragen lässt sich die Frage, wie wir in Zukunft zusammen leben und arbeiten wollen, auch auf unser gesellschaftliches Miteinander übertragen. New Work zeigt uns eine neue Kultur der Gemeinschaft basierend auf einem werteorientierten Handeln und gegenseitigem Vertrauen. Wagen wir also einen strukturellen Wandel für eine gelebte Utopie.

 

LXSY Architekten, Berlin

LXSY Architekten wurde 2015 von Kim Le Roux und Margit Sichrovsky als Planungsbüro für integrative Architektur und Raumgestaltung in Berlin gegründet. Als junges Architekturbüro initiiert, moderiert und realisiert  LXSY Architekten langfristig funktionierende und nachhaltige Projekte, die die Potenziale von Orten und sozialen Räumen aufspüren und verstärken. Die Architektinnen agieren als Schnittstelle zwischen Auftraggebern und Projektpartnern und treten gemeinsam mit allen Beteiligten in einen partizipativen Prozess. Mit ihrer Arbeit wollen sie aktiv Menschen zusammenbringen, die den Austausch schätzen und gemeinsam neue Projekte und Perspektiven entwickeln. Als Teil von einem großen Ganzen bewegen sie sich hierfür in interdisziplinären Netzwerken und verbinden sich mit Akteuren aus vielfältigen Disziplinen. Das Angebot erstreckt sich von einem gesamtheitlichen Gestaltungsansatz bis zur Begleitung durch alle Planungs- und Bauphasen. Mit ihrer Arbeit verfolgen LXSY Architekten innovative Ansätze des Arbeitens und Wohnens. Das Interesse erstreckt sich dabei von Co-Working-Spaces, Produktdesign bis hin zu Social Business Konzepten. Die Planerinnen versuchen mit jedem ihrer Projekte einen Einfluss auf das gesellschaftliche Zusammenleben zu nehmen und sind von der Fähigkeit der Architektur überzeugt, eine sozial, kulturell, ökologisch und ökonomisch nachhaltige Zukunft zu fördern. Die Ansätze des Büros sind dabei unkonventionell. Indem Prozesse neu gedacht werden, finden die Architektinnen maßgeschneiderte Lösungen. Sie arbeiten für visionäre Auftraggeber und entwickeln gemeinsam Konzepte für ein zukunftsfähiges Miteinander.

 

Die Partner der Workshop-Reihe:

Euroboden
System 180
Kvadrat
Herman Miller
Wexim

 

 

LXSY Architekten
Lützowstraße 102-104
10785 Berlin
Tel. +49 30 235 99 55-00

www.lxsy.de

 

Visualisierung: LXSY Architekten

Die LECTURES der Sonderschau Interior.Architecture.Hospitality by Heimtexil stehen in diesem Jahr unter dem übergeordneten Thema „VIELFALT/DIVERSITY“. Dabei geht es um die Vielfalt auf unterschiedlichen Ebenen von Architektur, Innenarchitektur und Design am Beispiel von Bibliotheken (7.1.2020), Wohnformen (8.1.2020), Hotels (9.1.2020) und Perspektiven der New Generation (10.1.2020). Der Autor Friedrich von Borries beschreibt die Bedeutung des Begriffs Vielfalt für Architektur, Innenarchitektur und Design.

Kann man „Vielfalt“ planen? Ich glaube eher nicht. Denn wie etwas genutzt wird, entscheiden nicht  Planer, Architekten und Designer, sondern die Benutzer. Aber man kann Bedingungen schaffen, die Vielfalt verhindern – oder welche, die Vielfalt ermöglichen.

Uneinheitlichkeit

Es liegt auf der Hand – Einheitlichkeit fördert nicht Vielfalt. Betrachtet man aber den gegenwärtigen Wohnungsmarkt, sieht man eine große Einheitlichkeit. Der dominante Wohnungsgrundriss ist die 4-Personenfamilie und die Single-Wohnung. Für alternative Lebensmodelle gibt es wenig Angebote. Eine der wenigen Ausnahmen ist die Kalkbreite, ein 2014 in Zürich fertiggestellter genossenschaftlicher Wohnungsbau. Hier gibt es nicht nur die „Standard“-Wohnung, sondern eine Vielzahl von unterschiedlichen Angeboten: Neben klassischen Wohnungen für Pärchen und Kleinfamilien gibt es dort auch Wohnungen mit 17 Zimmern für WGs sowie kleine Studios für Singles, die in Clustern um eine gemeinsame Küche angesiedelt sind. Und wem das noch nicht reicht: Es gibt auch einen Superhaushalt mit 20 Wohnungen und gemeinsamer Großküche samt Koch.

 

Unfertigkeit

Ein anderes Instrument, Vielfalt zu ermöglichen, ist die Unfertigkeit. Unsere Kultur tendiert dazu, alles zur Perfektion zu treiben. Das lässt wenig Raum für Offenheit. Die entsteht aber automatisch, wenn man Projekte in einem Stadium der Unfertigkeit belässt – und so den Benutzern die Möglichkeit lässt, sie nach den eigenen Bedürfnissen zu Ende zu führen. Berühmtes Beispiel dafür ist das Projekt „Quinta Monroy“ des chilenischen Architekten Alejandro Avarena. Dieser Sozialwohnungsbau in Chile ist auf 3 Stockwerke ausgelegt, doch bei Fertigstellung 2003 waren die oberen beiden Stockwerke nur auf der Hälfte der Bebauungsfläche ausgeführt. So ergab sich nicht nur eine interessante räumliche Struktur, die an die Zinken eines Kammes erinnert, sondern auch ein Freiraum für die Nutzer. Inzwischen sind die Lücken gefüllt, und bilden eine belebenden Gegensatz zur strengen Grundstruktur. Die Fertigkeit der Unfertigkeit schein nun auch in die deutsche Planungskultur einzuziehen, wovon Projekte wie das im Rahmen der IBA Hamburg von BeL Architekten 2013 realisierte „Grundbau und Siedler“ zeugen: Hier wurde, in Anlehnung als das Domino-Prinzip von Le Corbusier, nur die mehrstöckige Grundstruktur gebaut, die zukünftigen Eigentümer bekamen ein Handbuch, mit welchen Materialien und Techniken sie ihre eigenen Fassade und ihre Innenausbauten selbst fertigstellen konnten.

 

Unbestimmtheit

Zu den Bedingungen für Vielfalt gehört eine weitere Tugend: Die Unbestimmtheit. Architekten, Planer und Designer müssen nicht alles wissen und festlegen. Wie sinnvoll Unbestimmtheit sein kann, zeigt sich an der Debatte um gendergerechte Toiletten. Brauchen öffentliche Bauten Toilettenräume für das „Dritte Geschlecht“ oder Transgender-Personen? Wenn ja, wieviele? Dieser Weg in die Hyperfunktionalisierung ist eine Sackgasse, und der umgekehrte Weg in die Unbestimmtheit viel effektiver. An die geschlechtsspezifische Zuschreibung tritt dann die praktische Information, wo sich WC, Urinale und Wickelräume befinden – und die Benutzer entscheiden selbst, wie sie welche Räume  benutzen. Natürlich erfordert Umbestimmtheit zuweilen auch eine Mehraufwand. Um beim Toilettenbeispiel zu bleiben: An die Stelle der freistehenden Urinale treten Urinale in Kabinen, und Frauen, die Menstruationstassen benutzen, freuen sich über ein WC, in dessen Kabine auch ein Waschbecken ist.

 

Unwissenheit

Voraussetzung für all das ist, das sich Planer, Architekten und Designer ihre eigene Unwissenheit eingestehen. Denn alle drei beschriebenen Bedingungen von Vielfalt beruhen auf dem Eingeständnis, etwas nicht zu wissen: Uneinheitlichkeit ist das Eingeständnis, das es viele Wege zum Glück gibt, Unfertigkeit das Eingeständnis, das die Nutzer die besten Experten für ihre Bedürfnisse, Wünsche und Fantasien sind, und Unbestimmtheit das Eingeständnis, das alles dann doch noch ganz anders kommen kann.

 

Prof. Dr. Friedrich von Borries (*1974)

… ist Architekt und seit 2009 Professor für Designtheorie an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg, agiert in den Grenzbereichen von Stadtentwicklung, Architektur, Design und Kunst. In Berlin betreibt er seit 2009 das „Projektbüro Friedrich von Borries“. Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht das Verhältnis von Gestaltung und gesellschaftlicher Entwicklung. »Als Wissenschaftler versuche ich, die Welt zu verstehen. Als Gestalter versuche ich, diese Welt zu verändern. Deshalb setze ich mich forschend und entwerfend mit den politischen Fragen auseinander, die unsere Gegenwart bestimmen: Möglichkeiten gesellschaftlicher Transformation in Zeiten von wachsender ökonomischer Ungleichheit, Umweltzerstörung und Klimawandel, Überwachungstechnologien und antidemokratischer Sicherheitspolitik. Zuletzt erschien 2019 (mit Benjamin Kasten) „Stadt der Zukunft. Wege in die Globalopolis“ im Fischer Verlag.

www.friedrichvonborries.de

 

 

 

Die Messe Heimtextil findet vom 7. – 10. Januar 2020 in Frankfurt am Main statt.

Mehr Informationen über die Messe und das von AIT-Dialog konzipierte Sonderprogramm Interior.Architecture.Hospitality:
www.heimtextil.de/iah

Informieren und zu den Veranstaltungen anmelden

 

Fotos: Jun Igarashi Architects